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☆☆☆☆☆

出版者:

作者:[美]克尔·休斯顿

出品人:折射集

页数:544

译者:张燕楠

出版时间:2024-3

价格:118

装帧:平装

isbn号码:9787305261435

丛书系列:当代学术棱镜译丛

图书标签:

艺术批评
艺术史
美学
艺术理论
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具体描述

写给入门者的艺术批评指南。

通过真实历史与生动案例，透彻解读何谓“艺术批评”。

一部关于艺术批评史、艺术批评哲学、艺术批评实践的实用概览手册。

约翰·拉斯金、克莱门特·格林伯格、德尼·狄德罗、夏尔·波德莱尔……带你走入艺术批评及其方法论。

本书是作者对其多年从事的艺术批评教学实践的总结和提炼，全书将宏观而深刻的哲学理论与重要而具有代表性的批评实例相合，以期构建一部囊括艺术批评史、艺术批评哲学与艺术批评实践的实用概览手册。全书以平实可读的语言，为对艺术批评领域感兴趣的普通读者介绍了一种重要体裁，提供了一部综合全面、丰富易懂的专业读物。本书系统地梳理了从批评流派缘起到2000年以来艺术批评演变的历史，为读者提供了清晰的艺术批评领域的发展脉络；接下来分别探讨了一系列与描述、解释和判断这三个主要批评活动相关的具体问题；最后详细论述了构成批评话语的各种力量和抉择；书中插入的附页用一定笔墨全面介绍了相关思想，并提及了很多论争和趋势，正是这些论争和趋势的共同作用，才使得艺术批评成为如此令人激动而又富于变化的体裁。

雕塑的几何：从古典到现代的形态探索图书简介本书并非一部关于艺术理论或美学哲学的宏大叙事，而是一部专注于西方雕塑艺术从古希腊鼎盛时期直至20世纪中叶的形式演变与技术革新的深度考察录。它以一种近乎工匠精神的严谨态度，剥离了那些常常笼罩在艺术史叙述中的宏大叙事和浪漫主义色彩，转而聚焦于塑造实体、捕捉空间和处理材料的实际问题。《雕塑的几何》的核心论点在于：雕塑艺术的发展史，本质上是一部对三维空间和物质性的持续重新定义与挑战的历史。从早期对人体比例的精确模仿，到巴洛克时期对动态和错觉的迷恋，再到现代主义对“非再现性”形式的解放，每一次重要的风格转变，都伴随着艺术家对空间、体积、质量和平衡等基本几何要素的重新校准。第一部分：古典的基石与精确的体积本部分将深入剖析古希腊和古罗马雕塑的创作理念。我们不满足于仅仅讨论“理想美”，而是将重点放在“比例学”和“体量处理”上。章节细分： 1. 《形体之尺度：波留克列特斯与《规范》的几何学基础》：详细解析《规范》（Doryphoros）中体现的“对置原理”（Contrapposto）如何不仅仅是一种姿态，而是一种基于数学计算的动态平衡模型。我们将考察其身体各部分之间的比率关系，以及这种比率如何服务于视觉上的稳定感和内在的运动潜力。 2. 《希腊化时代的张力：曲面与空间穿透》：重点研究《萨莫色雷斯的胜利女神》和《拉奥孔群像》。这些作品的关键在于它们如何突破了古典雕塑“四面可观”的局限，开始积极地吸纳和切割周围的空间。分析翅膀的透视结构、衣物的褶皱如何从固态物质转化为流动的光影媒介，以及艺术家如何通过复杂的曲面变化来制造情感的共鸣，而不是仅仅依靠面部表情。 3. 《罗马的实录：从石膏模型到青铜铸造的工程学》：考察罗马帝国时期对写实主义的追求，以及这如何推动了铸造技术（尤其是失蜡法）的精进。研究哈德良时代的肖像雕塑，分析其对材质纹理（如毛发、皮肤）的处理如何服务于权力的象征，而非单纯的美学目的。第二部分：中世纪的抽象与材料的驯服中世纪雕塑常常被置于建筑的附属地位，但本书将论证，这种“附属”恰恰促成了对抽象结构的深刻探索。章节细分： 1. 《柱式雕像的垂直性：哥特式教堂的结构叙事》：分析兰斯大教堂和沙特尔大教堂中的人物雕像。它们如何从僵硬的柱子中“解放”出来，但仍保持着强烈的垂直轴线感。这并非艺术家的无能，而是对神圣建筑语境下“空间渗透与限制”的策略性回应。 2. 《装饰与象征：木材的纹理与色彩的回归》：探讨中世纪晚期，尤其是德国和西班牙地区，木雕的兴起。木材作为一种有机的、易于雕刻的材料，使得艺术家能够更直接地表达内在的痛苦与狂喜。研究色彩（彩绘）在木雕中的作用，如何改变了雕塑对光线的反应，从而在视觉上超越了纯粹的石材体量。第三部分：文艺复兴的回归与空间关系的重塑文艺复兴时期是雕塑家开始将自身视为独立创造者并系统性地研究透视和人体解剖学的时代。章节细分： 1. 《透视点的引入：多纳泰罗的“浮雕革命”》：本书的重点将放在多纳泰罗（Donatello）的“浅浮雕”（Schiacciato）技术上。这不是简单的减薄，而是对二维平面上模拟三维景深的几何实验。通过对《圣乔治与龙》等作品的剖析，展示艺术家如何利用光影、线条的密度和透视收缩法来创造心理上的空间深度。 2. 《大理石的内部对话：米开朗基罗的“未完成”与“解放”》：本书将对米开朗基罗的“未完成”系列（如《垂死的奴隶》）提出新的解释：它们并非未完成，而是对材料潜能的明确展示。分析他如何通过“从石头中解放形体”的理念，处理大理石的晶体结构和裂缝，使其成为作品表现力的一部分，而非必须克服的障碍。这是一种对“封闭形体”概念的挑战。第四部分：巴洛克至新古典主义的动态与静止的辩证法本章聚焦于雕塑如何从纪念性转向戏剧性，以及随后的理性回归。章节细分： 1. 《伯尼尼与“时间凝固”的技艺》：伯尼尼（Bernini）是光影和运动的魔术师。本书将着重分析《阿波罗与达芙妮》中物质转化的瞬间。如何用坚硬的大理石模拟柔软的皮肤、流动的头发和扭曲的树皮？这涉及到雕塑的“时间维度”的引入，即通过瞬间的姿态来暗示前后发生的事件。 2. 《对“动感”的反思：康诺瓦与新古典主义的回归》：康诺瓦（Canova）的作品是对巴洛克戏剧性的理性化处理。他如何通过精细的打磨（Polishing）来消除伯尼尼作品中那种强烈的、可见的“雕刻痕迹”，使作品表面呈现出均匀的、非物质化的光泽？这是一种对“清晰可读性”和“永恒静止”的几何追求。第五部分：现代雕塑的解放与空间的不确定性进入19世纪末和20世纪，雕塑的本质受到了根本性的质疑，重心从“塑造实体”转向“定义空间”。章节细分： 1. 《罗丹的边缘：实体与负空间的关系》：分析罗丹（Rodin）如何打破传统雕塑与基座之间的明确界限。他的作品不再是完全“封闭”的形体，而是开始与周围的空气产生可见的摩擦和互动。研究《地狱之门》中人物肢体的穿插和重叠，如何制造出一种复杂的空间层次感。 2. 《现代的切割与组装：立体主义到构成主义的影响》：重点研究立体主义雕塑（如阿普、布朗库西）如何将形体分解为基本的几何体块。分析布朗库西（Brancusi）对“光滑度”的极致追求，他试图通过去除所有不必要的细节，将对象提炼至其最纯粹的几何本质。 3. 《空气的雕塑：现代主义对“空心化”的探索》：考察立体派和未来主义者如何开始有意识地使用负空间（Negative Space）作为雕塑的组成部分。不再是填充空间，而是定义空间。这一部分将详细探讨金属焊接和材料的并置如何使作品的体积感变得不确定和多义。本书特色：本书避免了对艺术家生平的过度渲染，而专注于技术分析、形式逻辑和材料语境。它采用了一种“自下而上”的考察方式，旨在让读者理解每一件雕塑杰作背后所蕴含的空间计算、工程挑战和对物质属性的深刻理解。它是一本为那些希望了解雕塑如何“被建造”而不是仅仅“被欣赏”的读者准备的工具书。

作者简介

克尔·休斯顿，马里兰艺术学院艺术史、艺术理论和批评教授，教授艺术史、古代艺术等课程。

译者简介

张燕楠，东北大学艺术学院教师。

目录信息

001/前言
001/导言
001/什么是艺术批评?
004/寻找标准之特征
006/艺术批评及相关活动的区别与重叠
010/艺术批评在更大的批评领域中的地位
014/艺术批评何用之有?
018/批评的影响与合法性
021/批评家与责任
025/谁是艺术批评家?
029/小结
032/第一章艺术批评的历史
032/一种文体的诞生
035/早期艺术批评之声
041/狄德罗与审查制度的幽灵
042/18世纪后期的英国艺术批评
044/政治性抨击
046/浪漫主义与新古典主义
049/英国艺术批评：哈兹利特和拉斯金
054/法国现代主义的发展
061/形式主义批评的兴起
065/20世纪早期的巴黎
068/两次世界大战之间的欧洲批评
070/美国批评的崛起
077/抽象表现主义与哈罗德·罗森伯格
081/《艺术新闻》和诗人批评家
084/克莱门特·格林伯格和形式主义的回归
087/20世纪60年代的形式主义和《艺术论坛》
090/形式主义的新兴替代
093/重返政治
096/早期女性主义批评
099/新马克思主义和《十月》
103/20世纪80年代与文化战争
107/节日主义、全球主义和制度批评
111/2000年以来的艺术批评
116/小结
118/第二章描述与情境
118/有关描述的一般性问题
118/描述的行为及其目的
120/描述的策略
123/内部和外部证据
126/内部证据：中介要素与形式要素
131/内部证据:主题与内容
134/外部证据:标题、价格、材料和意图
140/外部证据:艺术家的经历、类别和历史背景
143/外部证据：物理环境与群体反应
146/外部证据:个体的反应
148/描述的复杂性
148/唤起式的描述
151/用语言表达视觉的困难
154/解释性描述
156/描述不当的代价
157/小结
161/第三章解释与分析
161/涉及解释的一般问题
161/描述和解释的联系与区别
165/作为检索与修正的批评
167/判断性解释
169/对于解释的反对与支持
171/解释与意图
175/解释的内部与外部证据
175/图像解释
177/形式分析
178/现象学解释
180/外部证据的地位
181/传记式解读
184/历史性解读：时代精神
186/历史性解读：文化语境
189/批判理论与系统阐释
190/精神分析解读
194/女性主义解读
198/马克思主义解读
203/结构主义和符号学解读
206/后结构主义解读
209/小结
215/第四章判断与评价
215/判断在批评中的地位
216/不断转变的判断认知
219/休谟和康德的贡献
222/对康德的挑战和修正
226/对普遍标准和个人标准的一些论述
229/普遍标准的早期例证
232/19世纪批评标准的变化
235/独创性和表现力成为普遍的标准
237/20世纪初期的标准
241/标准使用中的最新变化
245/判断的形式与相关问题
246/肯定性判断
249/否定性判断
257/判断的复杂性
262/小结
265/第五章个人批评文体:语气和风格
265/影响批评的外部因素
266/最后期限
268/字数和篇幅限制
269/语境因素
272/受众因素
275/体制化的意识形态
278/语气、风格及相关外部因素
281/语气的生成:词语选择
284/语气的形成:人称
289/语气的形成:标点符号
290/语气的形成:时态
291/语气的形成:句法和句子结构
293/语气的形成:其他策略
295/语气之争
295/艺术批评的语气是否应与主题相吻合?
297/艺术批评应该有多清晰?
300/小结
304/结语
307/选段
307/德尼·狄德罗：《1765年至1767年沙龙汇编》选段
327/夏尔·皮埃尔·波德莱尔：《1846年沙龙》选段
344/约翰·拉斯金：《结论：现代艺术与现代批评》(1843)
353/纪尧姆·阿波利奈尔：关于毕加索的两篇文章(1905)
357 /罗亚尔·科蒂索斯：《后印象派幻觉》(1913)
361/哈罗德·罗森伯格：《美国行动派画家》(1952)
370/列奥·施坦伯格：《每月回顾》(1956)
376/希尔顿·克雷默：《美国绘画批评家》(1959)
384/克莱门特·格林伯格：《现代主义绘画》(1960)
392/迈克尔·弗雷德：《艺术与物性》(1967)
410/露西·利帕德：《女性艺术家运动——下一步怎么办？》(1975)
414/《十月》编辑部：《关于〈十月〉》(1976)
417/苏西·加布里克：《超越矩形，跳出框架》(1995)
427/詹姆斯·埃尔金斯：《艺术批评怎么了？》节选(2003)
440/术语表
472/参考文献
501/索引
· · · · · · (收起)

读后感

评分☆☆☆☆☆

尽管批评家们在描述作品的优先顺序上存在明显的分歧，但描述一件艺术品似乎仍然是一项相对简单的活动——人们仅仅报道自己认为重要的特征。然而，在实践中，批评家们经常测试所谓描述的限度，并在此过程中对传统的描写策略提供了有趣的变体，引发了关于描述性文章本质的真正争...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书真是出乎我的意料，我本来以为它会是那种高高在上、充满术语的理论说教，结果翻开之后，发现作者的笔触非常亲切，就像一个经验丰富的老朋友在拉着你，耐心地为你拆解那些晦涩难懂的艺术概念。最让我欣赏的一点是，它并没有急于灌输“什么才是好的艺术”的标准答案，而是引导我们去思考“我们是如何感知和理解艺术作品的”。比如，它在讲解形式分析时，并没有仅仅停留在色彩、线条这些基础元素上，而是巧妙地联系到人类的心理感受，解释为什么某些构图会让人感到稳定或不安。这种由表及里的分析方法，让我这个艺术门外汉也能很快找到切入点，不再对着一幅画或一件雕塑感到茫然无措。我特别喜欢其中关于“观看距离”的讨论，作者用生动的比喻说明了不同距离会带来何种不同的解读维度，这让我重新审视了自己过去参观博物馆的习惯。读完这部分，我感觉自己像是拿到了一把万能钥匙，可以打开通往艺术世界的大门，而不是仅仅在外围徘徊。它真正做到了“入门”的精髓——让人敢于提问，并享受探索的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功力深厚，但在学术的严谨性上丝毫不打折扣，它成功地在“易读性”和“专业性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。我特别欣赏作者对于“情感体验”在艺术批评中的地位的探讨。它没有像某些偏重分析的著作那样，将情感视为主观的、不值得研究的噪音，而是将其视为连接作品与观众的桥梁，并分析了艺术家是如何通过技法来精心策划这种情感反应的。书中对于“风格”的讨论尤为精彩，它没有将风格视为僵硬的标签，而是展现了风格如何在历史的流动中不断演变和相互渗透，这让我对艺术史的理解不再是孤立的片段，而是一个相互关联的动态网络。读完整本书后，我最大的收获是，艺术批评不再是高高在上的审判，而是一场充满好奇心和同理心的对话。这本导读性质的著作，无疑为任何想要认真对待艺术的人，提供了一个扎实、全面且充满启发性的起点，它真正做到了为人引路，而不是直接给出终点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排充满了巧思，它似乎深谙读者的注意力曲线，总能在关键时刻提供一个“顿悟点”。与我之前读过的几本晦涩的艺术理论著作相比，这本书最大的优点在于其极强的实操性和启发性。它没有沉溺于宏大叙事或学院派的内部争论，而是聚焦于如何培养一位“有意识的观看者”。例如，它详细对比了不同批评流派（如形式主义、符号学）观察同一件作品时会得出何种截然不同的结论，这种对比犹如一场精彩的辩论赛，让我领悟到“没有绝对客观的解读”这一核心理念。我特别喜欢书中穿插的一些小插图和案例分析，它们往往是那些虽然常见但我们从未深究过的作品，作者通过对这些作品的微观剖析，成功地搭建起了理论与实践之间的桥梁。读完之后，再去美术馆，我的步伐明显慢了下来，我不再是走马观花，而是会驻足凝视，试图在作品的肌理和空间感中寻找作者所提及的那些“隐藏的线索”。这是一种全新的，更具参与感的体验。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在拿起这本书之前，我对“什么是好的批评”一直很迷茫，总觉得那是一门高深的艺术，充满了只有行家才懂的“黑话”。但这本书彻底改变了我的看法。它极其有效地去魅了那些原本神圣不可侵犯的艺术概念，让它们变得触手可及。作者的语言风格非常鲜活，充满了现代气息，比如在谈论后现代主义的碎片化时，他引用了很多生活化的例子，而不是堆砌晦涩的哲学名词，这让抽象的概念变得具象化了。这本书的精妙之处在于，它提供的不是一套固定的方法论，而是一套“思维工具箱”。它教会你如何提问，如何质疑作品的权威性，甚至如何质疑艺术史的叙事本身。这对我建立批判性思维非常有帮助，不仅仅是针对艺术，对其他领域的认知也有启发。它仿佛在说：艺术品不会说话，但你的眼睛和头脑可以，关键是要知道如何运用它们。这种赋权感，是其他理论书很少能给予读者的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对艺术史和批评理论一直抱有敬畏之心，总觉得那是一片只有专业人士才能涉足的深水区。然而，这本书的叙述逻辑简直是教科书级别的流畅，它没有采用那种时间线式的线性叙述，而是采用了主题式探究，这极大地降低了阅读的门槛。我印象最深的是关于“媒介与语境”那一章，作者深入浅出地剖析了不同艺术材料（比如油画、摄影、装置艺术）如何影响作品的意义，并且非常敏锐地指出了技术进步对艺术观念的颠覆性作用。这本书的厉害之处在于，它既能让你理解古典大师的意图，也能让你迅速抓住当代艺术的脉络，两者之间衔接得毫无滞涩感。它教给我的不是如何“赞美”艺术，而是如何“拆解”艺术的构成要素，这对我建立自己的审美判断体系至关重要。阅读过程中，我时不时地会停下来，拿出手机搜索书里提到的那些艺术家和作品，发现书中的分析总能精准地击中那些我原本说不清道不明的直觉感受，非常过瘾。

评分☆☆☆☆☆