The Pictures Generation, 1974-1984 (Metropolitan Museum of Art) pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:Metropolitan Museum of Art

作者:Douglas Eklund

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2009-05-26

价格:USD 60.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300148923

丛书系列:

图书标签:

Photography
艺术史
摄影
当代艺术
波普艺术
后现代主义
图像文化
70年代艺术
80年代艺术
美国艺术
Metropolitan Museum of Art

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具体描述

This handsome book is the first comprehensive examination of the Pictures Generation, a loosely knit group of artists working in New York from the mid-1970s to the mid-1980s. The overarching subject of the work of these artists was imagery itself - how pictures not only depict but also shape how we perceive the world and ourselves. The collective achievement of this group is an extremely important chapter in the history of contemporary art. Born into an expanding media and consumer culture and educated in the strategies of Minimal and Conceptual art, the artists of the Pictures Generation, including Robert Longo, Richard Prince, David Salle, and Cindy Sherman, chose to return to representation, addressing the rhetorical, social, and psychological functions of the image across all media (photography, painting and sculpture, drawings and prints, film and video, and music and performance).While the careers of these artists are typically considered in isolation, this catalogue traces their complex interrelationships and mutual development, beginning with the emergence of a group sensibility characterized by techniques of distancing and theatricality and ending with a resurgence of painting by mostly male artists (which was contested by women artists working in media such as video, photography, and installation).

图像的时代：1974-1984，摄影艺术的变革与重塑导言：时代的交汇点在二十世纪七十年代中期到八十年代初期，艺术世界经历了一场深刻的结构性转变。这是一个技术飞速发展、文化景观日益多元的时期。在艺术摄影领域，传统纪实美学与观念艺术的碰撞，催生了一批挑战既有视觉范式的重量级艺术家。本书旨在深入剖析这十年间，以纽约大都会艺术博物馆（The Metropolitan Museum of Art）所关注和收藏的一批关键摄影师群体的创作实践，探讨他们如何通过对摄影媒介本身的重新编码和挪用，构建起一套全新的视觉语法。这个时代并非单一风格的统一体，而是一个充满张力和实验的熔炉。一方面，冷战后的文化反思促使艺术家们不再满足于单纯的“记录”或“再现”；另一方面，波普艺术对大众文化的迷恋，为摄影师们提供了丰富的现成图像（found images）作为创作的原材料。我们考察的焦点，在于这些艺术家如何将摄影从一个被动的观察工具，转变为一个主动的、批判性的、具有建构性的艺术语言。第一部分：对媒介的解构与重组 1. 现成图像的挪用与再语境化 1974 年至 1984 年间，艺术家们对“原创性”的理解发生了根本性的变化。他们不再将银盐相纸视为神圣不可侵犯的圣地，而是将其视为可以自由剪切、拼贴、印刷和再生产的媒介。这一时期的关键在于“引用”（appropriation）。（1.1）大众媒体的批判性消费：艺术家们大量从广告、时尚杂志、新闻快讯乃至色情作品中截取图像。这种挪用并非简单的复制，而是一种具有颠覆性的重置。通过将原本服务于商业或宣传目的的图像置于画廊的白立方空间中，其原有的含义被剥离，新的、往往是批判性的解读随之产生。例如，对时尚摄影的解构，揭示了权力结构如何通过身体的展示和约束来运作。他们质疑了“真实”的构建过程，指出所有图像，无论声称多么客观，本质上都是意识形态的产物。（1.2）失焦与重影：在技术层面，一些艺术家故意破坏了传统摄影所推崇的清晰、锐利、完美曝光的“高保真”标准。他们采用了多重曝光、故意失焦、拼贴、以及大幅印刷等技术手段。这些技术上的“失误”成为表达内在焦虑和文化碎片化的有效途径。图像不再是瞬间的捕捉，而是时间的累积和精神状态的表达。 2. 工作室的回归与戏剧性构建与战后依赖现场即时性（snapshot aesthetic）的潮流形成鲜明对比，这一时期的许多重要作品标志着“摆拍”（staging）的强势回归。但这种摆拍不再是早年皮娜·巴乌斯（Pina Bausch）式的形而上学探索，而是具有高度概念化和叙事野心的剧场场景。（2.1）大尺幅与沉浸感：摄影作品的物理尺寸显著增大。巨大的、近乎壁画尺寸的彩色照片（多采用 C-print 或大型照片工艺）要求观众以一种面对绘画或历史场景的方式来观看它们。这种尺度上的转变，将原本私密或转瞬即逝的瞬间，转化为具有纪念碑意义的声明。观众被迫进入画面所构建的世界，感受其中的张力与不安。（2.2）身份的构建与表演：艺术家们越来越多地将自身或扮演的角色置于精心设计的场景中。这些场景往往是社会学意义上的“空间”——空旷的酒店房间、奢华的客厅、荒凉的郊区景观。通过对服装、姿态和眼神的精确控制，作品探讨了身份如何在社会期望和个人渴望之间摇摆不定，尤其关注性别、阶级和欲望的流动性。第二部分：文化景观的扫描与批判 1970 年代末期到 1980 年代初期，美国社会正经历着从“越战后遗症”到“里根主义”经济复苏的过渡期，消费主义和对物质成功的推崇开始抬头。摄影师们敏锐地捕捉到了这种表面的繁荣下隐藏的空虚。 3. 消费主义的美学化与异化对大众文化符号的汲取，使得这一时期的许多作品直接指向了消费主义的拜物教。（3.1）被异化的客体：广告中的产品、室内设计的陈设、甚至人体本身，都被视为可被交易和展示的商品。艺术家们以一种近乎冷漠的、记录性的方式拍摄这些场景，其客观性本身就构成了最强烈的反讽。他们展示了现代生活是如何将一切体验“扁平化”和“商品化”的。（3.2）色彩的饱和度：彩色摄影在这一时期获得了前所未有的认可，不仅仅作为一种技术工具，更作为一种表达情绪和环境的语言。作品中高饱和度、近乎刺眼的色彩，模仿了商业摄影的诱惑力，但同时也暗示了这种诱惑的虚假和过度饱和。 4. 机构批判与知识的边界对艺术机构本身的审视也成为了一个重要主题。摄影的崛起挑战了传统艺术史对媒介等级的划分，这十年是摄影地位正式确立的关键时期。（4.1）档案与分类：一些实践开始关注图像的分类系统——博物馆的典藏、档案的整理、以及历史的叙事方式。通过模仿或颠覆博物馆的展示逻辑，艺术家们揭示了“何为艺术”以及“谁有权力决定哪些图像被保存”的问题。（4.2）媒介的界限消融：摄影不再孤立存在。它与装置艺术、行为艺术、录像艺术等其他形式进行交叉对话。这种跨媒介的实践表明，艺术家的关注点已从“如何拍出好照片”转向“图像在当代文化结构中扮演何种角色”。结论：遗产的构建 1974 年至 1984 年是艺术摄影从一种边缘性的、附属性的媒介，蜕变为当代艺术核心驱动力的决定性十年。通过对现有视觉资源的激进挪用、对技术完美的拒绝、以及对消费社会和身份政治的深刻剖析，这一时期的摄影师们成功地将照相机从一个“看”的工具，变成了一个强有力的“说”的武器。他们留下的影像遗产，至今仍在塑造着我们理解和质疑当代视觉文化的方式。本书正是对这一复杂、多层次且极具颠覆性的艺术运动的深入考察与梳理。