具体描述
本雅明的文字，无论置于哪个时代都历久弥新，而其身为哲学家、文学、艺术评论家、左派思想家和译者的多重身份，更让他的作品被各个领域奉为经典。本书分为美学理论、语言和历史哲学、文学评论三个部分，收录了本雅明最具代表性的十篇作品，像是《机械复制时代的艺术作品》《摄影小史》《巴黎，一座十九世纪的都城》《译者的任务》《说故事的人》等，让读者得以从各个面向理解其思想理路，一窥二十世纪最伟大的文学心灵。
作者简介
作者简介
瓦尔特•本雅明（Walter Benjamin，1892—1940），德国哲学家、文学批评家，被誉为“欧洲最后一位知识分子”。其主要研究领域为美学理论、文学批评和语言哲学。著有《机械复制时代的艺术作品》《论歌德的<亲和力>》《德国悲剧的起源》《单行道》《经验与贫乏》《发达资本主义时代的抒情诗人》等。
译者简介
庄仲黎，目前从事英语、德语译介工作，译有《荣格论心理类型》《香料之王》等书。
目录信息
Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, 1936
巴黎，一座19世纪的都城 49
Paris, die Hauptstadt des XIX. Jahrhunderts, 1928—1929, 1934—1940
论波德莱尔的几个主题 73
Über einige Motive bei Baudelaire, 1939
摄影小史 141
Kleine Geschichte der Photographie, 1931
语言和历史哲学
译者的任务 169
Die Aufgabe des Übersetzers, 1921
历史的概念 187
Über den Begriff der Geschichte, 1940
文学评论
论普鲁斯特的形象 205
Zum Bilde Prousts, 1929
卡夫卡—逝世十周年纪念 227
Franz Kafka: Zur zehnten Wiederkehr seines Todestages, 1934
作者作为生产者 271
Der Autor als Produzent, 1934
说故事的人—论尼古拉·列斯科夫的作品 295
Der Erzähler: Betrachtungen zum Werk Nikolai Lesskows, 1936
· · · · · · (收起)
读后感
听闻一个故事，一个学艺术的学生因为专业关系经常去博物馆，每次去都能看到一个老太太坐在一幅画前，一坐就是几个小时。有一天那个学生终于忍不住问她：“您为什么每天都来呢？”老太太指着画说，“不知道为什么，这幅画怎么也看不腻。” 之前听完总是觉得有些疑惑，为什么非...
评分 评分 评分听闻一个故事，一个学艺术的学生因为专业关系经常去博物馆，每次去都能看到一个老太太坐在一幅画前，一坐就是几个小时。有一天那个学生终于忍不住问她：“您为什么每天都来呢？”老太太指着画说，“不知道为什么，这幅画怎么也看不腻。” 之前听完总是觉得有些疑惑，为什么非...
评分现代都市中，人人都有机会欣赏到电影的放映，但是只有少部分人选择去剧场观看话剧。电影作为机械复制时代最伟大的艺术作品，它的存在遍及我们的视野，我们不必亲临电影拍摄现场，就可以通过电影院、电视、网络观看电影，而话剧则不同，走进剧场中，除了能看到“活的”演员...
用户评价
这本新近出版的文艺评论集，在浩如烟海的艺术理论著作中，显得尤为独特。它没有像许多同类书籍那样，热衷于对某个特定流派进行溯源或对某位大师的生平进行详尽梳理。相反，作者似乎更钟情于在看似不相关的文化现象之间搭建桥梁，那种横跨媒介、时间维度的比较视角，让人在阅读过程中不断产生“原来如此”的顿悟。例如，书中对早期摄影的“物化倾向”与当代数字渲染的“超真实感”进行了精妙的对照，这种对比不是简单的技术进步论述，而是深入到了观看主体与被观看客体之间权力关系的变化。作者的文字功底扎实，叙述流畅而不失学术的严谨性，尤其在探讨媒介如何重塑我们的审美经验时，能抓住那些稍纵即逝的微妙之处。我特别欣赏的是，它没有提供标准答案，而是设置了一系列引人深思的问题，促使读者走出舒适区，重新审视那些习以为常的视觉经验。对于那些厌倦了陈旧艺术史叙事的读者来说，这本书无疑是一剂清新的良药，它激发了一种更具批判性和探索精神的阅读姿态。
评分说实话，这本书的开篇确实有点“劝退”，它没有使用平易近人的引子，而是直接切入了对感知理论的深入剖析，使得初读者需要花一些力气才能跟上作者的思维节奏。然而，一旦跨过了前几章的“门槛”，后续的阅读体验便如同进入了一片豁然开朗的知识平原。这本书最吸引我的地方，在于其对“在场感”这一概念的持续追问。作者似乎执着于探讨在技术不断消解物理距离的时代，艺术作品如何努力地去“证明”自己的存在性。这种对本体论的持续关切，使得全书的基调显得既沉重又充满思辨的力量。其中有一章关于“体验的商品化”的论述尤为精彩，它将博物馆的排队现象与线上虚拟导览进行了对比，揭示了我们对“稀缺性”和“真实接触”的病态依赖。总的来说，这不是一本用来消磨时间的读物，它更像是一次智力上的马拉松，适合那些渴望进行深度自我反思和文化批判的读者群体。
评分这本厚重的书，像是一面经过精心打磨的棱镜，将我们习以为常的视觉文化光谱折射出无数种新的色彩。它的论述风格非常具有个人色彩，那种略带疏离但又极其专注的笔触，让人感觉作者是站在一个相对超然的制高点上俯瞰我们这个被图像饱和的时代。我尤其欣赏作者在叙事中展现出的对“媒介物质性”的尊重。他没有将媒介视为透明的载体，而是将其视为塑造意义的积极力量。书中对特定历史时期中某些关键性的技术革新如何悄无声息地改变了艺术的审美范式进行了深入挖掘，这种自下而上的分析方法，有效地避免了宏大叙事的陷阱。虽然某些段落涉及了较高的专业术语，可能需要读者具备一定的理论基础，但作者总能巧妙地用生动的案例将抽象概念落地。对于那些对艺术的本质及其在现代社会中的“身份危机”感兴趣的读者来说，这本书提供了极其丰富且具有启发性的思考资源。
评分这本书的装帧和排版都透露出一种克制的现代感，而其内容也同样保持了这种冷静的姿态。它最大的特色在于其宏大的历史视野与对微观文化现象的敏锐捕捉能力之间的平衡。作者展现了惊人的跨学科知识储备，无论是提及先锋派的某个实验性的声光装置，还是分析网络迷因（Meme）的传播机制，都能信手拈来，且论证过程逻辑严密，令人信服。我特别喜欢它对“复制”这一行为的辩证处理——它既是艺术生命力的延伸，也是其本质消解的隐患。书中对于不同媒介在处理“时间性”问题上的差异，有着非常细致的比较分析，这为理解当代艺术的碎片化特征提供了坚实的理论基础。整体阅读下来，感觉像是被一位博学的向导带着穿越了一个复杂的思想迷宫，虽然过程曲折，但最终的收获远超预期。这是一部需要反复阅读、常读常新的优秀学术随笔集。
评分我抱着极大的期待翻开了这本书，最初以为会是一本专注于某个具体艺术史阶段或某一类视觉载体的专业论述，但很快发现自己对它的预判是多么的狭隘。这本书的叙事脉络更像是多条河流汇入一片广阔的海洋，各个章节看似独立，却在深层结构上互相呼应，形成了一种有机的整体感。它探讨的议题触及了当代文化生态的诸多敏感点，比如“模仿的无限性”与“原创性焦虑”之间的张力，在探讨中表现出一种近乎社会学的洞察力。作者的论述风格相当老辣，遣词造句间充满了知识分子的批判性与审慎，没有流于空泛的口号式批判，而是将复杂的哲学命题拆解成可感知的文化事件进行分析。阅读体验是富有挑战性的，它要求读者保持高度的专注力，去捕捉那些潜藏在流畅文字下的思想暗流。读完后，我感觉自己对当前流行文化中那些看似平淡无奇的元素，有了一种全新的、更具穿透力的解读框架，这对于任何想在信息洪流中保持清醒的观察者都是至关重要的财富。
评分本书不仅是一部对过去艺术的回顾和总结，更是对现代艺术发展的启示和预言。它让我们看到，技术变革如何深刻地影响了艺术的形式、内容和接受方式。
评分久负盛名，但非常糟糕。有空我写个论文反驳一下。但估计有人写过了。
评分本雅明之所以迷人，在于他深邃的思想和独特的视角，更在于他那种对世界的无限好奇和探索精神。他像是一个永远在路上的行者，不断地探寻着未知的领域，挑战着传统的观念。这种勇气和智慧，让人不禁为之倾倒。
评分引进的台版，也是初识本雅明最好的读本之一。跟台版比少了耿一伟序，没啥损失；多了不少黑白照片，相当不错；用纸更光滑，摸着舒服；不但横排而且由于此导致页数减少因而便于翻阅，大大加分；删掉了本雅明年表、人名对照表和专有名词对照表，略可惜，不过台版对照表并无页码，因此也还好。我还是觉得本雅明被高估了，但这书相当推荐。
评分本书不仅是一部对过去艺术的回顾和总结，更是对现代艺术发展的启示和预言。它让我们看到，技术变革如何深刻地影响了艺术的形式、内容和接受方式。
