具体描述
《戏曲剧本写作教程》内容简介：如果说戏剧是最难驾驭的综合艺术，那么戏曲则又是其中最难操作的艺术样式之一。称职当行的戏曲作家既要像小说家那样具有开阔的视野、广博丰富的阅历、独特颖异的感悟、飞天入地的想象力，善于编织故事、安排情节、刻画人物，又要像诗人那样具有澎湃而充盈的激情，还要熟悉戏曲舞台，懂得表演和音乐……正因如此，素质全面的优秀戏曲编剧人才向来十分难得！
一个时期以来，在“但求我用，不求我有”的潜规则的影响下，短视偏见和功利思潮泛滥，不少剧院团不愿意养剧作家，甚至把剧作家视为负担和累赘，似乎出现了“唯编剧特别是戏曲编剧人才难养也！”的局面。结果酿成大量戏曲作家的淡出、流失和转移，直接破坏了戏曲艺术的生态平衡，造成戏曲原创力的不足，好的戏曲剧本如凤毛麟角，以至于经常看到不少演员因为遇不到能够施展表演才华的好剧本而苦恼、焦灼。不少名角身陷粗制滥造的平庸剧本，浪费了艺术才华。
作者简介
郝荫柏，毕业于原中国戏曲学校。现为中国戏曲学院教授、硕士生导师、戏文系副主任。研究方向：戏曲文学创作、新编历史剧创作研究。 长期主讲“戏曲剧本写作”课程。 主讲过的课程有：“戏曲编剧概论”、“当代戏曲”等。 曾发表或上演：《雾山情歌》、《西门豹》、《晚情》、《夜曲》、《纪晓岚传奇》、《悲惨世界》等剧作。 另有多篇论文发表。
目录信息
前言
第一章 熟悉戏曲舞台
第一节 戏曲舞台元素
一、戏曲音乐
二、戏曲舞美
三、戏曲行当
四、戏曲表演
第二节 戏曲艺术特征
一、戏曲的综合性
二、戏曲的程式性
三、戏曲的虚拟性
第二章 掌握戏曲语言
第一节 唱词写作
一、合辙押韵
二、平仄相间
三、唱词句式
第二节 念白写作
一、韵白
二、散白
三、数板
四、干牌子
五、诗白
第三节 唱念安排
一、唱念功能与板式特点
二、唱念安排以集中为原则
三、唱念的起承转合
四、唱词句法
第四节 戏曲语言的特点
一、通俗性
二、动作性
三、性格化
四、形象化
五、音乐性
第三章 选材与开掘
第一节 主题开掘
第二节 小戏的选材与处理
第三节 古代题材的选择与处理
一、从作家的角度看，尘封的历史给作家留下纵横驰骋的空间
二、从作品内容看，古代题材作品传承了中华民族传统文化精神
三、从艺术形式看，传统戏曲程式易于表现古代生活，符合民族审美习惯
四、古代题材的分类
第四节 现代题材的选择与处理
第五节 小说改编
一、改编不是照搬
二、以戏曲的结构特点重新安排情节
三、大胆虚构
第四章 戏曲结构
第一节 情节与人物设定
第二节 划分场次
一、划分情节段落
二、确定舞台时空
三、无场次结构
第三节 起、承、转、合
一、起（开端）
二、承（发展）
三、转（高潮）
四、合（结局）
第四节 戏曲结构中常用的技巧与手法
一、戏曲悬念
二、重复
三、对比
四、铺垫、渲染
五、突转、发现
六、繁简得体
第五章 戏曲冲突
第一节 没有冲突就没有戏剧
第二节 戏剧冲突与戏剧动作
第三节 戏曲冲突的表现方式
一、艺术手段在强化冲突中的重要性
二、构成戏剧冲突的几种方式
三、抵触与戏曲冲突
第六章 戏剧情境
第一节 特定的环境
一、关于时间设置
二、关于地点设置
三、关于天气（气候）的设置
第二节 特定的人物关系
第三节 事件
第七章 戏曲人物形象塑造
第一节 性格与人物塑造
一、人与人之问的性格冲突
二、人与环境的冲突
三、人物内心的）中突
第二节 戏曲人物形象塑造的美学追求
第三节 戏曲人物塑造的特点
一、以行当塑造人物
二、以流派塑造人物
三、其他塑造人物的常用方法
主要参考书目
后记
· · · · · · (收起)
读后感
评分
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用户评价
这本书的结构安排非常巧妙，它没有采用那种生硬的“第一步做什么，第二步做什么”的流程化教学，而是采用了一种螺旋上升的递进方式。当我读到关于角色塑造的那一章节时，我感到非常震撼。作者没有直接提供模板，而是引导我们去思考如何在一个高度程式化的艺术载体中，去挖掘人物的“人性深度”。他分析了传统戏中“奸臣”或“忠良”的脸谱化背后，其实蕴含着极其精妙的性格弧光设计。书中穿插了对多个经典剧目中关键段落的深度解构，从唱词的遣词造句到水袖、翎子的动作设计，都一一进行了拆解还原。最让我受益匪浅的是关于“矛盾冲突”的论述，作者指出戏曲的冲突往往是宏大叙事下的个体悲剧，如何将这份史诗感融入到看似琐碎的舞台调度中，这本书给出了极具启发性的思路，让我对如何平衡“写意”与“写实”有了全新的认识。
评分这本书在处理“文学性”和“舞台性”的平衡上，给出了非常实用的操作指南。很多写作者容易陷入两个极端：要么写出辞藻华美但无法演唱的“诗歌”，要么写出节奏流畅但内容空洞的“唱词”。本书的解决之道，在于对“板式结构”的精妙讲解。作者用图表和实际案例清晰地展示了不同板式对情绪的承载能力——比如慢板如何铺陈心绪，流水如何推动情节。我甚至发现，这本书的排版也体现了戏曲的节奏感，关键的知识点和作者的“经验之谈”都会用不同的字体或边框突出显示。阅读过程中，我仿佛听到了导师在耳边亲授，那种严谨中透着热情的语气，让人欲罢不能，完全沉浸在对剧本构造艺术的探索之中。
评分坦白说，这本书的深度远远超出了我对一本“教程”的预期。它更像是一部关于戏曲美学的“工具箱+思想集”。我特别关注了其中关于“科班训练”与“现代创作”结合的部分。作者并没有盲目推崇复古，也没有一味地鼓吹创新，而是探讨了如何在当代社会语境下，保持戏曲的“精气神”并拓展其表现力。书中列举了一些近年来在舞台上获得成功的实验性剧目，并细致分析了它们在保留核心戏曲元素（如武打、做功）的同时，如何巧妙地融入了新的叙事节奏和舞台技术。这种兼顾历史传承与未来探索的态度，让我倍感振奋。它让我明白，写作戏曲剧本，不是简单的填词谱曲，而是在与一个活着的、不断进化的艺术体系进行对话。
评分我必须提到这本书在“如何修改与打磨”这一环节上的细致入微。很多教程在“如何开始”上煞费苦心，却对“如何收尾”一带而过。然而，本书用了相当大的篇幅来探讨剧本的“二次创作”过程，也就是如何将初稿变成可以由演员和导演共同完成的“舞台文本”。作者强调了“听感”的重要性，并提供了大量的自我检查清单，比如“这段唱词在行腔时是否会挤压气口？”或者“这个亮相是否符合该角色的身份逻辑？”这些都是只有真正浸淫于舞台实践多年的行家才能总结出的经验。它不仅仅是教你“写”，更是在教你如何“想”——想演员会怎么唱，想观众会怎么看。读完这本书，我感觉自己已经不再是一个坐在书桌前的作者，而是一个开始对舞台充满敬畏的“剧匠”了。
评分这部戏曲剧本写作教程的封面设计就给人一种古典与现代交融的独特美感，让人在翻开它之前，就已经对即将领略的艺术形式产生了浓厚的兴趣。我特别欣赏作者在开篇部分对戏曲艺术本体的深刻剖析，它并非枯燥的理论堆砌，而是通过大量的实例和生动的比喻，将戏曲的程式化、虚拟性和音乐性等核心要素娓娓道来。对于一个初学者来说，这本书无疑是搭建起了一座坚实的知识桥梁，它没有急于让你上手写剧本，而是花了大量篇幅去“浸泡”你对戏曲精神的理解。比如，它对“一桌二椅”舞台空间的哲学解读，以及如何将板式、腔调的韵律感融入到人物的内心独白中，都展现了作者深厚的艺术造诣和极高的教学水准。我感觉，读完这部分，我才真正开始“听见”戏曲的呼吸声，而不是仅仅停留在“看”戏的层面。这种由内而外的引领，是很多同类书籍所欠缺的。
评分我是戏剧文学系学生，觉得能学不少东西
评分你要是想做戏曲编剧就一定要看这本书！
评分为啥没啥人评价，开始学习戏曲，单位有书就看了，觉得还不错。
评分为啥没啥人评价，开始学习戏曲，单位有书就看了，觉得还不错。
评分我是戏剧文学系学生，觉得能学不少东西
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