Alan Sonfist, 1969-1989

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出版者:Hillwood Art Gallery
作者:Alan Sonfist
出品人:
页数:80
译者:
出版时间:1990-10
价格:USD 10.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780933699168
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 环境艺术
  • 大地艺术
  • 雕塑
  • 观念艺术
  • Sonfist
  • 1960年代
  • 1970年代
  • 1980年代
  • 自然
  • 生态学
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具体描述

寂静的织锦:一九六零年代末至八零年代末西方艺术的内在景观 导言:一个时代的转折点 本书旨在深入探究 1969 年至 1989 年间,西方艺术领域所经历的一场深刻而复杂的转型。这段历史时期横跨了激进的观念艺术的鼎盛、后现代主义思潮的全面兴起,以及全球化背景下艺术本体论的重塑。我们避开对特定艺术家作品集的时间性罗列,转而关注驱动这些变革的哲学、社会和美学力量,勾勒出一幅关于艺术如何应对时代巨变的内在织锦。 第一部分:观念的消解与新物质性的探索(1969-1975) 1969 年标志着一个关键的断裂点。观念艺术(Conceptual Art)的浪潮已经达到了高潮,艺术的“物性”——传统上指绘画或雕塑的实体性——被语言、文件和过程所取代。然而,正是在这种对物质的拒绝中,一股对“真实”存在的渴望开始暗流涌动。 我们首先考察的是 系统性与过程艺术(Systemic and Process Art) 的内在矛盾。这些艺术家试图用严格的逻辑、数学或时间维度来控制创作过程,然而,他们所揭示的却是系统的脆弱性和不确定性。例如,对自然地貌的干预(如大地艺术的早期阶段),表面上是宏大的、不可逆转的干预,但在时间的冲刷下,其“作品”的定义变得比以往任何时候都模糊。这种模糊性,恰恰成为下一阶段探索的起点。 紧接着,我们审视了在观念艺术的“寒冷”逻辑下,艺术家如何试图重新引入“身体”与“场所”的感知维度。这并非对传统再现的回归,而是一种基于现场(Site-Specific)经验的物质性回归。艺术家开始关注材料本身的物理特性——其重量、温度、气味、衰变速度——将其从象征意义的负担中解放出来。这种对原始材料的强调,为后来的极简主义之后的“新物质主义”思潮埋下了伏笔,预示着艺术将不再仅仅是关于“思想的展示”,更是关于“存在的感受”。 第二部分:后结构主义的渗透与符号的解构(1975-1982) 到了七十年代中期,文化理论的冲击开始全面渗入艺术实践。结构主义的清晰边界被后结构主义的流动性所取代。这一时期的核心议题是:符号系统(Sign Systems)如何被权力所操控,以及艺术家如何通过挪用(Appropriation)和拼贴(Pastiche)来揭示这些操控? 我们详述了对图像生产机制的批判性审视。在摄影和录像艺术领域,艺术家们不再仅仅是记录现实,而是开始解构“记录”本身。通过对媒介的自我指涉(Self-reflexivity),作品探讨了观看行为、凝视权力和媒介失真之间的复杂关系。这不是简单的社会批评,而是一种关于知识生产的本体论质疑。 同时,西方艺术界对非西方艺术和民间艺术的兴趣激增,但这种兴趣并非基于文化人类学的同情,而是一种策略性的“他者化”——利用非主流的视觉语言来刺穿主导叙事的统一性。这种对边缘声音的纳入,是后现代语境下对“宏大叙事”(Grand Narrative)全面怀疑的直接体现。作品的意义不再是“被发现的”,而是“被建构的”和“被协商的”。 第三部分:回归与反思:绘画的复兴与身份政治的浮现(1982-1989) 八十年代初,一股强劲的反向潮流——绘画(Painting)的复兴——打破了观念和过程艺术建立起来的审美主导地位。然而,这并非是对抽象表现主义的简单重复。新表现主义(Neo-Expressionism)及相关流派的回归,其内核是对主观性(Subjectivity)的重新宣称,但这是一种充满焦虑和自我怀疑的主观性。 这一时期的艺术作品开始直接处理身份政治(Identity Politics)的复杂议题。随着女性主义、酷儿理论和批判性种族理论在学术界的深入,艺术成为探讨性别、种族、性和社会阶层如何构建个体经验的战场。作品通过强烈的叙事性、夸张的视觉语言,挑战了艺术史长期以来对“普遍人”(Universal Man)的定义。这种对“谁有权被描绘”以及“如何描绘”的追问,深刻地影响了公共艺术和画廊展览的生态。 此外,八十年代的全球资本主义浪潮也对艺术生产产生了不可磨灭的影响。艺术品市场化带来的巨大商业成功,使得艺术的“批判性”与“商品性”之间的张力达到了前所未有的高度。我们分析了艺术机构——包括大型双年展和博物馆——如何在这一商业化进程中调整其策展立场,从对激进实验的赞助,转向对具有高辨识度和市场潜力的风格的采纳。 结论:过渡期的遗留问题 1969 至 1989 年的艺术图景是一个充满张力和不确定性的时期。它成功地瓦解了现代主义关于“原创性”和“纯粹形式”的信仰,为后来的数字艺术和全球化艺术实践铺平了道路。艺术家们从对艺术边界的探索,转向了对艺术在社会权力结构中位置的审视。这段历史的遗产在于,它教会了我们,在艺术中,语境往往比客体本身更具决定性。最终,这段时间的作品共同构建了一个复杂而矛盾的图像,其中,对意义的追求与对意义永恒缺席的认知并存不悖。

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