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出版者:华中师范大学出版社

作者:龚鹏程

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2011-2

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787562247593

丛书系列:港台及海外学人学术系列丛书

图书标签:

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《跨界叙事与媒介重塑：当代艺术中的符号学转向》 内容提要： 本书深入探讨了二十一世纪以来，随着数字技术与全球化浪潮的汹涌推进，当代艺术领域内部发生的深刻的结构性变化。我们不再将艺术视为一个孤立的审美范畴，而是将其置于一个由信息流、技术媒介和文化符号构筑的复杂交织场域中进行考察。本书的核心议题聚焦于“跨界叙事”的兴起——艺术家如何娴熟地运用数据可视化、虚拟现实（VR/AR）、区块链技术乃至生物工程的语言，打破传统媒介的边界，构建出多层次、多模态的意义系统。 全书分为五大部分，层层递进，力求构建一个既具理论深度又贴近实践前沿的分析框架。 第一部分：符号学的重返与“后媒介”时代的语境 本部分首先回顾了经典符号学理论在面对当代数字景观时的局限性与新的契合点。我们探讨了罗兰·巴特关于“神话”的建构如何在社交媒体和算法推荐系统中获得新的生命力，以及詹姆逊对“晚期资本主义文化逻辑”的论断如何在新媒体装置艺术中得到视觉化的体现。重点分析了“后媒介”（Post-Medium Condition）理论，即媒介本身不再是固定的载体，而是成为一种流动的、可编程的“环境”。我们考察了诸如泰瑞·格鲁伊斯（Terry Guy Jones）基于物联网的互动装置，以及索尼娅·谢丽夫（Sonia Sherif）利用环境传感器生成实时雕塑的案例，阐释媒介如何从被动的容器转变为主动的意义生成器。探讨了图像的“可塑性”——数字图像的无限复制、修改和再嵌入，如何挑战了传统艺术史中关于“原作”与“灵光”的定义。 第二部分：数据叙事：透明性、操控与伦理困境 数据的爆炸式增长不仅重塑了社会结构，也为当代艺术提供了最直接的“原材料”。本部分致力于剖析数据如何被转化为叙事结构。我们研究了“数据素描”（Data Sketching）这一新兴的艺术手法，艺术家如何通过清洗、可视化和介入公共数据集，揭示隐藏在宏大叙事之下的权力结构与社会偏见。例如，对城市交通流量或金融交易记录的艺术化呈现，不仅是对信息的忠实描绘，更是对信息流动的意识形态批判。然而，这种透明性也带来了新的伦理问题：当数据成为艺术素材时，隐私的边界在哪里？我们分析了如“面部识别艺术项目”中，艺术家如何在利用面部数据进行创作的同时，引发公众对监控资本主义的警觉。本章特别关注了生成对抗网络（GANs）在艺术创作中的应用，探讨了AI生成图像的“作者身份”问题，以及机器美学与人类意图之间的张力。 第三部分：沉浸式空间：虚拟现实与身体经验的协商 虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及混合现实（MR）正在重新定义“在场”的概念。本部分考察了艺术如何利用这些沉浸式技术，构建出超越物理限制的体验空间。我们区分了两种主要的沉浸式叙事策略：一是“逃逸式沉浸”，即创造完全脱离现实的乌托邦或反乌托邦世界，例如对数字神话的重建；二是“增强式在场”，即通过AR叠加信息层，让观众在熟悉的物理空间中感知到隐藏的、历史的或政治的维度。重点案例分析了如拉斐尔·洛扎诺-亨默（Rafael Lozano-Hemmer）利用生物反馈机制与环境互动的装置，这些作品迫使观众重新审视自身身体的边界及其与技术界面的关系。我们论证了沉浸式艺术如何挑战了传统剧场理论中观众的被动地位，促成了更具身体参与性的审美活动。 第四部分：物质性的回归与反数字实践 尽管技术媒介占据主流，但当代艺术对传统物质性的探索并未停歇，而是采取了一种更为审慎和批判性的“回归”。本部分分析了后数字时代对传统媒介（如绘画、雕塑、手工技艺）的“再语境化”。艺术家们不再是单纯地模仿传统，而是将数字技术的思维模式（如迭代、碎片化、代码逻辑）融入到物质创作中。例如，某些陶瓷作品通过3D扫描和参数化设计，呈现出一种“数字碎裂感”的物质形态；某些手工编织作品则模仿了网络故障的视觉错误（Glitch Aesthetic）。这种对物质性的重新关注，是对数字世界中无限可塑性的一种抵抗，强调了材料的物理惰性、时间的积累以及手工劳动的价值。我们探究了这种“慢艺术”与高速度数字文化之间的辩证关系。 第五部分：全球化网络与地方性叙事的重构 在全球化艺术市场的驱动下，艺术的传播速度空前加快，但同时也面临着文化同质化的风险。本部分转向考察艺术家如何在跨国资本与信息流动的背景下，重新激活或重构地方性（Locality）的叙事。我们研究了特定地理信息系统（GIS）与艺术家介入的结合，例如在特定社区的废弃空间中嵌入历史的数字档案，使得虚拟信息与物理遗迹发生对话。跨文化对话不再是简单的“采风”，而是通过技术手段实现意义的动态翻译与再编码。本书最后总结道，当代艺术不再是寻找一个统一的“视野”（如题外之书所示），而是在碎片化的、不断重塑的媒介网络中，不断协商、试验和界定新的意义场域，其核心在于对“连接”与“断裂”的持续探索。 目标读者： 本书面向艺术史、艺术理论、媒介研究、数字人文以及当代文化研究领域的学者、研究生以及关注前沿艺术实践的专业人士。它旨在提供一套分析当代艺术复杂性的工具箱，超越对技术现象的简单罗列，深入探究技术、符号与人类经验在二十一世纪的交汇点上所产生的深刻变革。

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初读此书时，我原本以为这会是一本偏向理论推演的“硬核”学术著作，但随着阅读的深入，我发现作者在阐述那些深奥概念时，所使用的类比和例子却是如此生动且贴近生活经验。比如，他在讨论“距离感”在审美体验中的作用时，竟然引用了日常生活中排队等待的场景来做比喻，这种跨领域的联想能力，极大地降低了理论的理解门槛，让那些原本高悬于理论殿堂之上的概念，瞬间变得可触可感。它不满足于仅仅停留在书斋内部的讨论，而是试图将批评的触角延伸到我们感知世界的每一个角落。这种包容性和开放性，让这本书不仅是学者的参考书，也成了对所有热爱思考、渴望更深层次理解世界的普通读者的良师益友，实在难能可贵。

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我花了整整一个下午的时间，沉浸在作者构建的那个宏大而又精微的理论框架里，那种感觉就像是站在一架巨大的精密仪器前，看着每一个齿轮和杠杆如何精确地咬合，推动着对文本解读的进程。书中对经典文本的解构视角，突破了我以往的阅读习惯，它不是简单地复述故事梗概或评价人物性格，而是直指那些隐藏在文字表象之下的权力结构与意识形态的暗流。作者的论述语言极具穿透力，经常使用一些看似平实却内涵丰富的短句，让人在读完之后需要停下来，反刍好几遍，才能真正领会其中蕴含的复杂张力。这种写作风格，既有古典学术的严谨与磅礴，又兼具当代思想的敏锐与犀利，读来令人大呼过瘾，仿佛被一位高明的向导，带领穿行于一片迷雾重重的思想丛林，最终找到了清晰的出口。

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这本书的装帧设计真是一绝，光是翻开扉页，那墨香和纸张的质感就让人心头一颤。封面设计采用了一种非常克制的留白，中央只有一个烫金的标题，字体选择上偏向于宋体，却又带着一丝现代的锐利感，一下子就把人拉进了一种沉静而又深邃的阅读氛围中。内页的排版也极为考究，字距、行距都经过了精心的调整，即便是长篇的论述，读起来也不会感到视觉疲劳。我尤其欣赏它在引用他人观点时所采用的注释方式，那种隐藏在页脚下，既不打断主文流畅性，又保证了学术严谨性的处理手法，足见出版方在细节上的匠心。拿到手里，沉甸甸的分量感，仿佛握住的不是一本书，而是一段凝固的思考历程。这种对物质载体的重视，本身就预示着内容非同凡响，它成功地将“阅读”这个行为，提升到了一种近乎仪式的体验，让人在接触文字之前，就已经对将要面对的思想内容产生了敬畏之心。

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我必须承认，这本书的阅读过程对我而言，是一场持续的智力“搏击”。它的论证逻辑链条极其绵密，环环相扣，稍有不慎就可能在某一处的推导中跟不上作者的思路。这绝非那种可以轻松消化的休闲读物，它要求读者拿出百分之百的专注力，甚至需要时不时地合上书本，在脑中默默地重构作者刚刚提出的那个复杂命题。然而，正是这种挑战性，带来了巨大的满足感。每攻克一个章节，每理解一个精妙的转折，那种豁然开朗的愉悦，是任何其他形式的阅读都难以比拟的。它迫使你的思维以更高的频率运转，不断地自我修正和完善。读完之后，你会感觉到自己的思维工具箱里，增加了一套全新的、更锋利的分析利器，对于未来阅读任何文本，都将产生一种全新的、审慎的目光。

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这本书最令人称道之处，在于其对“语境”这一核心概念的动态把握。作者似乎并不满足于将文本孤立地看待，而是不断地将其放置于历史的洪流、社会的变迁乃至读者的个体经验之中进行多维度的审视。我注意到，书中对同一时期不同流派作品的对比分析，展现出一种令人惊叹的平衡感——既不偏袒任何一方的论断，也不陷入相对主义的泥潭，而是努力去还原每一个论述在当时语境下的有效性和局限性。这种“见树也见林”的批评视野，使得全书的论述充满了历史的厚度和时间的纵深感。它教会我的，不仅仅是如何分析一部作品，更是如何去理解“理解”本身是如何随着时间而不断演变的，这无疑是对传统批评范式的一次深刻的挑战与超越。

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