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出版者:

作者:夏克梁

出品人:

页数:140

译者:

出版时间:2011-7

价格:56.00元

装帧:

isbn号码:9787561839980

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古韵今风：中国传统绘画的传承与创新 一、 序言：时代的召唤与艺术的使命 本书旨在深入探讨中国传统绘画在当代语境下的发展脉络、核心精神及其与现代艺术思潮的对话与融合。我们相信，真正的艺术创新并非对传统的全然割裂，而是在深刻理解与继承的基础上，实现精神内核的现代性转译。本书不聚焦于某一特定画家的个人选集，而是从更宏观的视角，梳理中国绘画艺术从唐宋的辉煌至近现代的转型，聚焦于那些推动艺术语言革新的关键节点与重要流派。 二、 卷一：溯源流光——宋元画学的基础范式 中国绘画的成熟，是建立在深厚的哲学思想与精湛的技法之上的。本卷将重点分析宋代“院体”画的精微写实与文人画的兴起之间的张力与互补。 2.1 宋代“格物致知”与院体精工： 宋徽宗时期的画院，代表了中国古典写实主义的巅峰。我们详细考察了北宋山水画中“巨碑式”的全景构图，如范宽、李唐等人的作品中对自然万物秩序感的追求。分析其用笔的“骨法用笔”与设色的“随类赋彩”如何服务于对宇宙哲理的阐释。尤其值得关注的是，宋代花鸟画中对个体生命瞬间状态的捕捉，突破了早期程式化的描摹，达到了形神兼备的境界。 2.2 元代文人画的“逸气”宣言： 元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的出现，标志着中国绘画从“尚法”向“尚意”的根本性转变。本部分深入剖析了“笔墨”如何从描绘对象的工具，升华为表达画家主体情感与学识修养的媒介。倪瓒的“折枝”笔法和疏简的构图，体现了对世俗的超脱；黄公望的“披麻皴”，则赋予山石以内在的生命力与厚度。此处着重探讨了文人画中“书画同源”理论的成熟及其对后世的影响。 三、 卷二：明清的变奏——地域性与个人化的探索 明清两代，中国绘画在继承宋元的基础上，展现出更强烈的地域性差异和更加凸显的个人风格。 3.1 明代浙派与吴门画派的南北对峙： 浙派以戴进、吴伟为代表，继承了早期院体的雄健与气势，但在笔墨运用上更趋于奔放与洒脱，强调“气势胜于法度”。相对地，以沈周、文徵明、唐寅为核心的吴门画派，则更贴近文人画的温润与儒雅，他们对董源、巨然的“古意”进行了细致的重构，将诗文、书法与绘画的结合推向了一个新的高度。 3.2 清初“四僧”的叛逆精神： 石涛与八大山人是理解清代绘画变革的关键人物。石涛提出的“我自成一家”的艺术主张，是对传统程式化束缚的强力反抗。我们详细分析了他的“点、皴、染”技法如何打破了既有的空间逻辑与结构规范，创造出充满主观张力的画面。八大山人通过极端简化的造型和强烈的象征意义，表达了对时代巨变的深刻体验。 四、 卷三：近现代的交汇——东西方观念的碰撞与融合 鸦片战争后，西方艺术思潮的涌入，对中国传统绘画体系构成了前所未有的挑战与机遇。 4.1 摹古与革新：岭南画派的先声： 以高剑父、陈树人、岭南画派为代表的艺术家，率先尝试将西方的光影、透视观念融入中国画。他们对传统“隔江抛砖”的笔墨技巧进行了大胆改造，引入了“宿墨法”和更富现代感的色彩处理，试图在保持民族性的前提下，实现绘画语言的现代化。 4.2 传统文人画在现代的坚守与重塑： 以齐白石和张大千为代表的巨匠，虽然身处变革的洪流，却坚守了中国画的本体——笔墨精神。齐白石通过对民间艺术的吸收和对“大写意”的极致发挥，赋予了传统笔墨以鲜活的生命力与平民趣味。张大千则在晚年通过“泼墨泼彩”，将传统皴法与西方抽象表现主义进行了天才般的对接，完成了对中国画的又一次历史性拓宽。 五、 结语：未来的视野 本书的最终目的，是引导读者认识到中国传统绘画并非凝固的历史遗迹，而是一个充满活力的思想宝库。其核心价值——对“气韵生动”的追求、对个体精神世界的袒露以及对自然哲学的体悟——在任何时代都具有强大的生命力。理解了这些脉络，我们才能更好地审视当下艺术创作中的继承与超越，从而为中国艺术的未来发展提供坚实的文化根基。 本书通过对历史文献的梳理、经典作品的细致分析，力图构建一个清晰、立体的中国绘画发展图景，供所有热爱和研究中国艺术的同道参考。

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坦白讲，刚开始翻阅时，我有点担心内容会不会过于晦涩或曲高和寡，毕竟高水平的艺术品往往需要专业知识才能领会。然而，这本书最大的魅力或许就在于它的“可亲近性”。尽管技法高超，但作品本身的情感内核却是极其温暖和普世的。无论是描绘光线穿过树叶洒下的斑驳光点，还是捕捉一只猫在窗台上打盹的慵懒神态，其中都蕴含着一种对日常美好的珍视与敬畏。这种对“身边美好”的敏感捕捉，让观者很容易产生共鸣，不需要深奥的理论背景，任何人都能从中找到属于自己的那一刻感动。它更像是一本心灵手账，记录了画家在不同时间、不同地点、面对不同景物时，内心泛起的涟漪。这种真诚的表达，比任何炫技都更能打动人心。总而言之，这是一次非常愉悦的视觉体验，它让我在忙碌的生活中，找到了一个可以安静下来，与美好事物重新建立连接的出口。

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这本书的装帧设计也值得称赞，它很好地衬托了内容的品质。纸张的选择很有讲究，那种微微的纹理感，让墨迹或色彩的附着显得格外自然，即使用手轻抚，也能感受到印刷工艺的用心。我个人对作者在捕捉“瞬间动态”时的表现力尤其赞赏。有几张描绘行人的场景，人物的姿态是那么的自然、不造作，仿佛随时都会动起来一样。比如一个转身的侧影，或者一个低头沉思的瞬间，他总能用最精炼的几笔，抓住人物神态中最具代表性的那个“点”。这种能力不是一朝一夕练成的，它背后一定是对人体结构和情绪流动的长期观察与积累。这种对动态捕捉的精准度，让画面摆脱了静物图的沉闷，注入了蓬勃的生命力。对于喜欢研究人物速写和生活场景捕捉的爱好者来说，这本集子无疑提供了一个极佳的范本，它教会我们的不只是“画什么”，更是“如何去看”和“如何去理解”。

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我对这本画册的整体编排印象非常深刻，它不像很多画集那样只是简单地把作品堆砌在一起，而是像在讲述一个关于“观察”和“发现”的故事。开篇几页的几组对比作品尤其引人深思，它们似乎在探讨“形”与“神”的关系。你能在其中看到一些看似日常、习以为常的景物，比如一张旧木桌，一盏被遗忘在角落的台灯，或者雨后湿漉漉的青石板路。然而，经过作者的眼睛重新捕捉和描绘后，这些平凡的物体被赋予了全新的生命和重量感。这种将“平凡升华为不凡”的艺术手法，才是最高明的。更难能可贵的是，他似乎从不囿于单一的媒介或风格，某一页是水墨的氤氲淡雅，下一页可能就是钢笔画的犀利明快，这种跨界的尝试不仅没有显得杂乱，反而构建了一个极为丰富、多元的视觉宇宙。这种对不同工具特性的深刻理解和掌控能力，使得每一张画作都像是为它最适合的表达方式而生的，整体阅读下来，层次感非常丰富，能感受到作者在不同创作情境下的心境变化。

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说句实在话，在如今这个充斥着“快餐式”视觉作品的时代，能看到这样一本需要“慢读”的书，简直是种福气。我特别喜欢其中几组关于“空间感”的表达。那种对纵深和透视的把握，绝对是科班出身的功力体现，但它又避免了机械的几何计算感。例如，描绘城市高楼群像的那几张，虽然视角很高，视野开阔，但你丝毫不会觉得拥挤或失衡，反而能感受到一种宏大叙事下的秩序美。线条的收放自如，将远处的建筑处理得虚化朦胧，而近处的细节则刻画得极其锐利，这种对比处理极大地增强了画面的层次和立体感。阅读时，我忍不住会去揣摩作者当时是如何站立、如何取景的，仿佛自己也沉浸在了那个特定的时空之中。这不仅仅是绘画技巧的展示，更是一种对生活环境的深刻体察和情感投射。好的艺术作品能带你进入另一个世界，而这本集子里的许多作品，无疑成功地做到了这一点，让人流连忘返。

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这本集子实在让人眼前一亮，翻开扉页，首先映入眼帘的是那份对细节近乎偏执的追求。作者在构图上的功力，简直可以用“炉火纯青”来形容，每一笔的落点似乎都经过深思熟虑，既有传统的扎实根基，又不乏现代艺术的洒脱与灵动。我尤其欣赏他对光影的处理，那不是简单地描摹明暗，而是在光影的交界处玩出了千变万化的情绪。比如有一幅描绘江南水乡的场景，晨雾尚未完全散去，薄雾笼罩下，远处的黛瓦白墙显得格外温润，而近景处几竿翠竹被初升的阳光斜斜地勾勒出清晰的轮廓，那份光感的捕捉，让整幅画面仿佛有了呼吸。再细看线条的运用，刚柔并济，粗细变化之间，材质的触感便跃然纸上，砖石的粗粝、木纹的细腻、水面的涟漪，都通过看似随性实则精妙的笔触被精准地传达出来。这不是那种一眼扫过就忘的速写，而是需要你放慢脚步，沉浸其中，去感受画家观察世界的独特视角和深厚的情感积累。可以说，光是欣赏这些图画本身，就已经是一场视觉上的盛宴，让人由衷地感叹，真正的艺术是能跨越语言的界限，直接触动人心的。

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其实有本纯马克笔里面的马克笔更棒的。钢笔主要是快速表现，但是透视比较准了，这个优点也体现在水彩和马克笔上。我认为夏老师的马克笔长处就在于色域的搭接和色相的小变化，所以对于我的大学老师认为马克笔就不该深入的想法不敢苟同。。。

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其实有本纯马克笔里面的马克笔更棒的。钢笔主要是快速表现，但是透视比较准了，这个优点也体现在水彩和马克笔上。我认为夏老师的马克笔长处就在于色域的搭接和色相的小变化，所以对于我的大学老师认为马克笔就不该深入的想法不敢苟同。。。

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