Yevgeny Vakhtangov pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Routledge

作者:Malaev-Babel, Andrei

出品人:

页数:312

译者:

出版时间:2012-11

价格:$ 36.10

装帧:

isbn号码:9780415465878

丛书系列:

图书标签:

• 剧场研究
• Andrei_Malaev_Babel
• 戏剧
• 导演
• 俄罗斯戏剧
• 瓦赫坦戈夫
• 戏剧史
• 戏剧理论
• 舞台艺术
• 人物传记
• 20世纪戏剧
• 戏剧导演

《瓦赫塔戈夫：舞台上的革命者》 引言：一个时代的黎明 在二十世纪初那个动荡而充满变革的俄罗斯舞台上，出现了一位具有划时代意义的艺术家，他的名字便是叶甫盖尼·瓦赫塔戈夫。他并非一位产量丰厚的剧作家，也非一位广受赞誉的演员，但他对戏剧艺术的深刻理解、对表演的极致追求，以及对舞台呈现形式的革命性探索，却深刻地影响了苏联乃至世界戏剧的发展轨迹。瓦赫塔戈夫的一生，是一场对戏剧本质的不断追问，是对舞台表现力的无限拓展，他以其独特的教学方法和导演理念，塑造了一代又一代杰出的戏剧人才，为俄罗斯戏剧注入了新的生命力。 本书旨在深入剖析叶甫盖尼·瓦赫塔戈夫作为一位戏剧理论家、教育家和导演的独特贡献，以及他所处的时代背景如何塑造了他的艺术思想。我们将不仅仅聚焦于他导演过的几部标志性作品，更重要的是，去理解他那套贯穿始终的“神奇现实主义”美学，以及他如何通过对演员身心训练的严苛要求，激发演员的创造潜能，从而实现舞台上“活生生的人物”的鲜活呈现。本书将带您走进瓦赫塔戈夫的内心世界，探寻他那颗对戏剧艺术燃烧不息的热情，以及他如何用一生去实践他对戏剧的信仰。 第一章：时代洪流中的艺术火花——瓦赫塔戈夫的早期生涯与思想萌芽 叶甫盖尼·瓦赫塔戈夫（Yevgeny Vakhtangov）的生命轨迹，与那个风起云涌的时代紧密相连。他出生于1883年，正值俄国社会变革的前夜，各种思潮交织碰撞，艺术领域也涌现出前所未有的活力。早年的瓦赫塔戈夫，在莫斯科大学学习期间，便展现出对文学和戏剧的浓厚兴趣。他广泛涉猎俄国和欧洲的文学作品，对现实主义、象征主义等各种艺术流派都有深入的接触和思考。 然而，瓦赫塔戈夫并非仅仅满足于理论上的探讨。他深知，戏剧的生命在于实践。因此，他积极投身于业余戏剧活动，与志同道合的朋友们一起排练和演出。这些早期的实践经历，让他初尝了戏剧创作的艰辛与乐趣，也为他日后成为一位杰出的导演打下了坚实的基础。 在此期间，他深受斯坦尼斯拉夫斯基体系的影响，但瓦赫塔戈夫并没有全盘照搬，而是开始了他对表演艺术的独立思考。他敏锐地察觉到，单纯的“体验”和“情感真实”虽然重要，但舞台艺术需要更强的表现力和形式感。他开始探索如何将演员的内在情感与外在的表演技巧有机结合，如何让演员的肢体语言和声音表达更具表现力，从而塑造出更具戏剧张力的角色。 瓦赫塔戈夫的目光并未局限于国内。他关注着欧洲先锋戏剧的发展，例如梅耶荷尔德的“生物力学”等，这些新颖的戏剧手法，无疑为他打开了新的视野，激发了他对舞台形式的更多可能性。他认识到，戏剧不仅仅是对现实生活的模仿，更是一种创造，一种对现实的提炼和升华。 第二章：“工作室”的诞生与“神奇现实主义”的形成 瓦赫塔戈夫的戏剧生涯进入一个关键时期，那便是他于1913年创立的“第一工作室”。这并非一个简单的排练场所，而是一个集教学、排练、演出、理论研究于一体的艺术实验室。在这里，瓦赫塔戈夫开始系统地实践他关于演员训练和戏剧表现的理念。 “第一工作室”的建立，标志着瓦赫塔戈夫逐渐形成了自己独特的艺术风格——“神奇现实主义”。这个术语并非他本人创造，但它却精准地概括了瓦赫塔戈夫戏剧艺术的核心特质。所谓“神奇现实主义”，并非脱离现实的幻想，而是在现实生活的基础上，通过夸张、变形、象征等手法，去挖掘人物内心深处的情感和人性的普遍意义。瓦赫塔戈夫认为，真实的感情并非只有一种表现形式，舞台上的“真实”可以是通过高度提炼和表现力极强的手段来实现的。 在“第一工作室”，瓦赫塔戈夫对演员的要求极为严格。他强调演员的“身心合一”，训练演员不仅要理解角色的情感，更要能够用身体和声音去准确地表达。他注重肢体训练，强调动作的准确性、节奏感和表现力，认为身体是演员最重要的表达工具。同时，他对演员的声音训练也提出了极高的要求，力求让演员的声音能够传达出丰富的层次和情感。 更重要的是，瓦赫塔戈夫在“第一工作室”中，开始探索如何将排练过程本身变成一种创造性的体验。他鼓励演员在排练中自由发挥，大胆尝试，将自己的生活经验和想象力融入到角色创作中。他反对机械的模仿和程式化的表演，而是追求一种充满生命力和即兴感的舞台呈现。 第三章：辉煌的实践——《斯坦尼斯拉夫斯基的“福尔摩斯”》、《哈姆雷特》与《 turandot》 瓦赫塔戈夫的导演才华，在几部具有里程碑意义的作品中得到了淋漓尽致的展现。尽管他一生导演的作品数量有限，但每一部都堪称经典，至今仍被戏剧界传颂。 1914年，瓦赫塔戈夫执导的《斯坦尼斯拉夫斯基的“福尔摩斯”》（Spirits of the Living），是他在“第一工作室”早期重要的作品之一。这部作品在当时以其新颖的舞台表现手法引起了轰动。瓦赫塔戈夫巧妙地利用舞台的各种元素，包括灯光、布景、服装，以及演员的肢体表演，来营造出一种神秘而悬疑的氛围。他对人物的塑造也并非停留在表面，而是深入挖掘人物的内心世界，展现出人性的复杂性。 然而，真正让瓦赫塔戈夫的名字载入戏剧史册的，是他对莎士比亚巨作《哈姆雷特》（Hamlet）的革命性诠释。1922年，他改编并执导了《哈姆雷特》，这次演出颠覆了当时人们对这部悲剧的传统认知。瓦赫塔戈夫并没有将哈姆雷特仅仅视为一个忧郁的王子，而是挖掘出他内心深处的矛盾、挣扎与对现实的愤怒。他打破了传统的舞台调度和表演模式，运用了一种更加具有表现力和象征意义的手法。 在《哈姆雷特》的排练中，瓦赫塔戈夫对演员的要求达到了极致。他鼓励演员将自身的生命体验融入到角色中，去感受哈姆雷特所处的困境和内心的痛苦。他运用了一种“预言式”的表演方式，让演员在表演中展现出一种超越现实的张力。他打破了线性叙事，引入了象征性的场景和意象，将观众带入到一个充满哲学思辨和情感冲击的艺术空间。瓦赫塔戈夫版本的《哈姆雷特》被誉为“瓦赫塔戈夫的哈姆雷特”，它不仅是莎士比亚文本的一次成功解读，更是瓦赫塔戈夫艺术理念的一次完美实践。 紧随其后，1924年，瓦赫塔戈夫执导了意大利剧作家戈齐的童话剧《 turandot》（Princess Turandot）。这部作品与《哈姆雷特》的风格截然不同，但同样展现了瓦赫塔戈夫的艺术创造力。他将这部童话剧处理得充满了戏剧性的张力、喜剧性的色彩和诗意的想象。瓦赫塔戈夫在这部作品中，更加强调了舞台的“游戏性”和“幻想性”，他运用鲜艳的色彩、夸张的造型、富有节奏感的音乐和舞蹈，为观众呈现了一个充满奇幻色彩的舞台世界。 在《 turandot》中，瓦赫塔戈夫依然坚持他“神奇现实主义”的美学原则。他让演员在表演中展现出一种“夸张的真实”，即在夸张的造型和动作中，依然蕴含着真实的情感和人性的光辉。他鼓励演员去“玩耍”角色，去体验角色的乐趣，从而将表演变成一种充满生命力的艺术创造。 第四章：教育的遗产——瓦赫塔戈夫学派的形成与影响 瓦赫塔戈夫的贡献，远不止于他的导演作品。他所创立的“瓦赫塔戈夫学派”，对苏联乃至世界戏剧教育产生了深远的影响。他并非仅仅传授表演技巧，更重要的是，他为演员们灌输了一种对戏剧艺术的深刻理解和执着追求。 瓦赫塔戈夫的教学方法，强调“整体性”的训练，即演员的身体、声音、情感、意志、想象力等各个方面都要得到均衡的发展。他认为，优秀的演员不仅要有扎实的技巧，更要有丰富的内心世界和敏锐的洞察力。 他的教学理念，核心在于“创造性”。他反对将表演视为一种模仿或机械的复制，而是强调演员在创作过程中的主体性。他鼓励演员去“发现”角色，去“理解”角色的动机，并用自己的生命去“体验”角色的情感。他所倡导的“演员的自主性”，为日后的戏剧表演注入了新的活力。 瓦赫塔戈夫的教学方法，特别强调“集体排练”的重要性。他认为，戏剧的创作是一个集体的过程，演员之间的相互启发、相互支撑，是创作成功的关键。他鼓励演员之间进行开放的沟通和交流，共同探讨角色的可能性。 瓦赫塔戈夫去世后，他的学生们继承了他的艺术理念，并将“瓦赫塔戈夫学派”发扬光大。这些学生们，成为了苏联戏剧界的中坚力量，他们将瓦赫塔戈夫的教学方法和艺术思想，传承给了下一代戏剧人。至今，瓦赫塔戈夫的教学理念，依然是许多戏剧院校的重要教学内容，他的名字，也成为了戏剧艺术创新与突破的象征。 第五章：历史的回响——瓦赫塔戈夫的现代意义 叶甫盖尼·瓦赫塔戈夫的一生是短暂的，他仅仅工作了二十年，却在戏剧史上留下了浓墨重彩的一笔。他的艺术思想，在后来的几十年里，不断被发掘、被研究、被实践。 在当今的戏剧界，我们依然可以看到瓦赫塔戈夫艺术理念的影子。他所倡导的“神奇现实主义”，在现代戏剧中依然具有强大的生命力。这种将现实与幻想巧妙融合，用高度表现力的舞台手段去呈现人性的复杂与深刻的方式，在许多当代戏剧作品中得到了继承和发展。 瓦赫塔戈夫对演员训练的重视，也为现代戏剧表演提供了宝贵的借鉴。他所强调的“身心合一”、“创造性”的表演理念，对于培养具有深度和广度的演员至关重要。在技术日益发达的今天，演员的内心世界和创造力，依然是舞台艺术最核心的竞争力。 更重要的是，瓦赫塔戈夫对戏剧艺术的纯粹追求，对艺术的执着信念，以及他敢于突破、勇于创新的精神，永远值得我们学习和敬仰。他告诉我们，戏剧艺术的生命在于不断探索，在于挑战未知，在于用艺术去触碰人性的最深处。 本书希望通过对瓦赫塔戈夫生平、思想和艺术实践的梳理，能够让读者更深入地理解这位伟大的戏剧家。他的故事，不仅仅是一个艺术家的传奇，更是一部关于如何用艺术去理解世界、去影响世界的生动教材。瓦赫塔戈夫，这位舞台上的革命者，将继续以他的光芒，照亮着未来戏剧艺术的道路。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书为我打开了一扇看待“艺术教育”的全新窗口。它不是一本教你如何表演的“工具书”，也不是一本仅仅记录生平的“流水账”。它更像是对一种独特的、极富生命力的艺术精神的深度田野调查。它探讨的核心议题，是如何在既定的规则和框架之内，找到爆炸性的、颠覆性的自由。书中对不同时期作品的反复打磨、对观众心理的细致揣摩，都指向一个共同的目标：如何让“虚构”比“现实”更真实。这种对“不可能的可能”的不懈追求，贯穿始终。读完之后，我感觉自己不仅对舞台艺术有了更深的理解，更重要的是，它激发了我对自身工作、生活乃至思考方式的反思——我们是否也应该用这种带着怀疑、探索和创造热情的态度，去面对那些看似早已定型的“剧本”？这本书，无疑是一次精神上的洗礼，其影响绝非读完合上封面后就能轻易散去的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，与其说是“写作”，不如说是“挖掘”。它没有使用那种华丽辞藻堆砌的优美文笔，相反，它倾向于使用精确、有力、甚至略带粗粝感的词汇来描绘那些极度微妙的艺术体验。阅读过程中，我常常需要停下来，回味某一个形容词或某个动词的选择，它们似乎被赋予了超出常规的重量。例如，作者描述一次排练时，使用了一个我从未在相关领域见过的词汇来形容演员面部肌肉的瞬间紧绷，那个词语精准地捕捉到了一种介于“克制”与“爆发”之间的临界状态。这种对语言的极致运用，使得全书充满了知识的密度，但又完全没有学术的沉闷感。它更像是一本打开的速写本，里面夹杂着草稿、修改痕迹和灵感迸发的侧注，对于任何一个追求语言精准度和表达深度的文字工作者来说，都是一次极佳的范本。

评分☆☆☆☆☆

这部作品，坦白说，初拿到手时，封面那种略显陈旧的暗绿色调和那个似乎有些拗口的俄文名字，着实让人有些提不起精神。我本以为这会是一本学院派的、晦涩难懂的理论专著，可能是关于某个特定时期欧洲戏剧美学的枯燥梳理。然而，一旦翻开第一页，那种扑面而来的现场感和近乎于口语化的叙述方式，立刻打破了我的固有印象。作者似乎不是在“写”书，而是在“讲述”一个正在发生的故事，充满了生动的细节和对人物微妙心理的捕捉。我尤其欣赏他对舞台空间的处理，那种对“景片”和“光影”的描摹，不是冰冷的图解，而是带着强烈情感色彩的笔触，仿佛能透过文字感受到后台的喧嚣与台上的静谧之间的张力。这种叙事上的灵活性，使得即便是对戏剧史不太熟悉的读者，也能被那种创造的激情所感染。它没有大张旗鼓地宣扬什么宏大理论，而是像一个经验丰富的老匠人，在午后阳光下，娓娓道来他打磨工具、雕琢作品的心得，让人在不经意间，领悟到艺术的真谛往往藏在那些看似微不足道的“怎么做”之中。

评分☆☆☆☆☆

读完全书，我脑海中萦绕的不是一串串晦涩的术语，而是一系列鲜活的、充满生命力的“瞬间”。这本书的魅力，在于它成功地将一个遥远的、可能已经成为历史教科书章节的人物，重新塑造成了一个有血有肉、充满矛盾的个体。我印象最深的是其中关于“情感的真实性”的探讨部分，作者没有停留在对“假装”与“真实”的哲学思辨上，而是通过一系列排练场景的记录，展示了艺术家如何在看似虚构的环境中，激发和捕捉到最原始、最真挚的人类情感反应。那些关于演员如何在舞台上“死亡”或“重生”的段落，读起来令人毛骨悚然，又无比震撼。它迫使我反思，我们日常生活中所扮演的那些角色，与舞台上的角色，界限究竟在哪里？这种对表演本体的深刻追问，使得这本书远超出了“艺术传记”的范畴，它更像是一部关于“存在方式”的哲学沉思录，只不过载体是舞台，媒介是身体和声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，初看之下略显跳跃，不像传统传记那样遵循严格的编年史。它更像是艺术家内心世界的地图，在不同的主题和时期之间穿梭，时不时地抛出一个引人深思的悖论。我喜欢这种非线性的叙事，因为它更贴合创造力的本质——它不是一条直线，而是无数个灵光乍现、相互碰撞的火花。特别是关于“集体创造”的那一章，作者对于排练室里不同意见的碰撞、对既定剧本的颠覆、乃至对观众期待的有意错位，描述得极其细致入微。这让我意识到，伟大的艺术作品从来不是单枪匹马的英雄主义产物，而是充满张力和妥协的“共谋”。书中对那些幕后“配角”——灯光师、舞美设计、乃至提出尖锐批评的同行——的尊重与描绘，也为全书增添了一种罕见的、宽广的格局，展现了一种真正的“大师风范”，不为自己立碑，只为艺术正名。

评分☆☆☆☆☆

指出苏列尔日茨基的神秘超验理念对瓦赫坦戈夫的影响更大，主要表现在这位「亲爱的苏列尔」提倡的即兴小品训练法、与自然共处以及演员应当从事体力劳动。瓦氏还参与了戈登·克雷与斯氏在莫斯科联合执导的《哈姆雷特》，将体系视作起点而非至高真理。加入莫艺第一研究所后同米哈伊尔·契诃夫交往，甚至在日常生活中都能随时即兴演对手戏。在排练《大洪水》时，瓦氏与苏列尔的理念分歧初现，对人类共有的善持悲观态度，更强调整体之中个人驱力的重要性。在导演《罗斯莫庄》时开始探索善与恶的剧烈交锋、人的僵化等贯穿其后半生思考的主题。十月革命期间目睹修车工人的手艺后，放弃剧院即修道院的想法，坚信伴随新时代的到来，创造力的必然降临。「迪布克方法」。在导演《图兰朵》时受意大利即兴喜剧影响，提出演剧三重门，探索演员、角色和观众之间的关系。

评分☆☆☆☆☆

指出苏列尔日茨基的神秘超验理念对瓦赫坦戈夫的影响更大，主要表现在这位「亲爱的苏列尔」提倡的即兴小品训练法、与自然共处以及演员应当从事体力劳动。瓦氏还参与了戈登·克雷与斯氏在莫斯科联合执导的《哈姆雷特》，将体系视作起点而非至高真理。加入莫艺第一研究所后同米哈伊尔·契诃夫交往，甚至在日常生活中都能随时即兴演对手戏。在排练《大洪水》时，瓦氏与苏列尔的理念分歧初现，对人类共有的善持悲观态度，更强调整体之中个人驱力的重要性。在导演《罗斯莫庄》时开始探索善与恶的剧烈交锋、人的僵化等贯穿其后半生思考的主题。十月革命期间目睹修车工人的手艺后，放弃剧院即修道院的想法，坚信伴随新时代的到来，创造力的必然降临。「迪布克方法」。在导演《图兰朵》时受意大利即兴喜剧影响，提出演剧三重门，探索演员、角色和观众之间的关系。

评分☆☆☆☆☆

指出苏列尔日茨基的神秘超验理念对瓦赫坦戈夫的影响更大，主要表现在这位「亲爱的苏列尔」提倡的即兴小品训练法、与自然共处以及演员应当从事体力劳动。瓦氏还参与了戈登·克雷与斯氏在莫斯科联合执导的《哈姆雷特》，将体系视作起点而非至高真理。加入莫艺第一研究所后同米哈伊尔·契诃夫交往，甚至在日常生活中都能随时即兴演对手戏。在排练《大洪水》时，瓦氏与苏列尔的理念分歧初现，对人类共有的善持悲观态度，更强调整体之中个人驱力的重要性。在导演《罗斯莫庄》时开始探索善与恶的剧烈交锋、人的僵化等贯穿其后半生思考的主题。十月革命期间目睹修车工人的手艺后，放弃剧院即修道院的想法，坚信伴随新时代的到来，创造力的必然降临。「迪布克方法」。在导演《图兰朵》时受意大利即兴喜剧影响，提出演剧三重门，探索演员、角色和观众之间的关系。

评分☆☆☆☆☆

指出苏列尔日茨基的神秘超验理念对瓦赫坦戈夫的影响更大，主要表现在这位「亲爱的苏列尔」提倡的即兴小品训练法、与自然共处以及演员应当从事体力劳动。瓦氏还参与了戈登·克雷与斯氏在莫斯科联合执导的《哈姆雷特》，将体系视作起点而非至高真理。加入莫艺第一研究所后同米哈伊尔·契诃夫交往，甚至在日常生活中都能随时即兴演对手戏。在排练《大洪水》时，瓦氏与苏列尔的理念分歧初现，对人类共有的善持悲观态度，更强调整体之中个人驱力的重要性。在导演《罗斯莫庄》时开始探索善与恶的剧烈交锋、人的僵化等贯穿其后半生思考的主题。十月革命期间目睹修车工人的手艺后，放弃剧院即修道院的想法，坚信伴随新时代的到来，创造力的必然降临。「迪布克方法」。在导演《图兰朵》时受意大利即兴喜剧影响，提出演剧三重门，探索演员、角色和观众之间的关系。

评分☆☆☆☆☆

指出苏列尔日茨基的神秘超验理念对瓦赫坦戈夫的影响更大，主要表现在这位「亲爱的苏列尔」提倡的即兴小品训练法、与自然共处以及演员应当从事体力劳动。瓦氏还参与了戈登·克雷与斯氏在莫斯科联合执导的《哈姆雷特》，将体系视作起点而非至高真理。加入莫艺第一研究所后同米哈伊尔·契诃夫交往，甚至在日常生活中都能随时即兴演对手戏。在排练《大洪水》时，瓦氏与苏列尔的理念分歧初现，对人类共有的善持悲观态度，更强调整体之中个人驱力的重要性。在导演《罗斯莫庄》时开始探索善与恶的剧烈交锋、人的僵化等贯穿其后半生思考的主题。十月革命期间目睹修车工人的手艺后，放弃剧院即修道院的想法，坚信伴随新时代的到来，创造力的必然降临。「迪布克方法」。在导演《图兰朵》时受意大利即兴喜剧影响，提出演剧三重门，探索演员、角色和观众之间的关系。