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出版者:Xin hua shu dian jing xiao

作者:Tiezheng Yin

出品人:

页数:393

译者:

出版时间:2000

价格:18.00

装帧:平装

isbn号码:9787806046760

丛书系列:

图书标签:

• 薛涛
• 唐诗
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• 川籍作家

《翰墨丹青映山河：中国古代绘画艺术通览》 导言：穿越时空的审美之旅 中国绘画，作为中华文明长河中一颗璀璨的明珠，承载着数千年的哲学思辨、人文精神与审美理想。它不仅是视觉艺术的再现，更是中国人观察世界、理解宇宙、抒发胸臆的独特方式。本书旨在为读者构建一个全面而深入的古代中国绘画艺术图景，从史前岩画的粗犷呼唤，到宋代院体的精微入妙，再到文人画的意境超脱，带领读者领略不同历史时期绘画风格的流变、技法的革新以及蕴含其中的文化密码。 我们相信，理解一幅古画，需要的不仅是辨识笔墨的技巧，更是洞察其背后时代精神和创作者心境的能力。本书力求打破传统艺术史的刻板印象，以生动的笔触，结合详实的史料和精妙的图像分析，重现那些已逝去的辉煌瞬间。 第一章：萌芽与奠基——史前至先秦的“神性”表达 古代绘画的源头，可以追溯到远古时代对生命与自然的原始敬畏。本章将聚焦于岩画和陶器上的装饰纹样，分析这些早期图像如何从单纯的记录演变为具有某种巫术或图腾意义的符号系统。我们探讨龙山文化的几何抽象，以及夏商周时期青铜器纹饰中蕴含的“狞厉之美”，揭示早期艺术如何服务于礼制与神权。 重点分析：对“图腾”和“符号”的理解，以及它与后世“写意”的潜在关联。 第二章：初露锋芒——汉魏六朝的叙事与精神探索 汉代壁画和画像石，以其宏大的叙事场面和鲜明的时代印记，标志着中国绘画进入了成熟的叙事阶段。从马王堆帛画的精美形制，到汉画像石中对历史故事和神仙世界的描绘，我们看到的是对“气韵生动”最初的实践。 魏晋南北朝时期，随着玄学与佛教的兴起，绘画的重心开始从外在的描摹转向内在的精神探求。顾恺之的“以形写神”理论，为后世人物画确立了核心的审美标准。本章将详细剖析《洛神赋图》等经典作品，阐释“意在笔先”的哲学基础，以及佛教造像艺术如何推动了设色与线条的精进。 第三章：盛世气象——隋唐的恢弘与多元化发展 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，艺术风格也呈现出前所未有的自信与博大。本章分为两大部分： 人物与肖像的巅峰： 阎立本、吴道子等巨匠的出现，使得人物画在造型和动态上达到了一个高峰。特别是吴道子“吴带当风”的线条，成为后世难以企及的标杆。我们还将考察唐代仕女画的华丽与丰腴，反映出时代的审美趣味。 山水画的独立与发展： 隋唐时期，山水画开始逐渐脱离人物画的附属地位，成为独立的画科。李思训的“金碧山水”代表了精致的院体风格，而王维则开始探索诗画合一的境界，为文人山水画的诞生埋下了伏笔。 第四章：两宋的典范——写实精神与意境的极致追求 宋代，特别是北宋，被公认为中国绘画史上的黄金时代。院体画的成熟标志着对自然观察的空前重视。 北宋的“巨制”： 范宽、郭熙、李唐等大师，以深厚的写生功力，创作出气势磅礴、结构严谨的山水画。本章将深入分析“全景式山水”的构图特点，以及“可游、可居、可观”的审美情趣。 南宋的转型与院体的精微： 面对国土沦丧的现实，南宋画院的风格转向了“小景致”、“侧边式”的构图，更注重氛围的营造和瞬间的捕捉，如马远和夏圭的“边角式”构图，体现了画家内心的沉郁。 文人画的崛起与哲学基础： 与院体画并行的，是苏轼、米芾等文人对绘画的重新定义——“论画以形似，见与 শিশু 伍”。本章将阐述文人画如何将书法、诗歌、哲理融入笔墨，将绘画从匠艺提升到文人修养的层面。 第五章：转型与突破——元代的革新与士气之扬 元代，由于文人画家群体对“正统”画风的抵制，中国绘画迎来了一次深刻的“内转”。“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙，将文人画推向了极致。 他们不再追求形似，而是强调笔墨的自我表现和对古人笔意的继承与反叛。倪瓒的“折带皴”与萧疏意境，是极简主义和孤独精神的完美结合。本章详细梳理了“笔墨趣味”的形成，以及元代如何奠定了明清写意画的语言基础。 第六章：高峰与分流——明清的集大成与流派纷呈 明清两代，绘画艺术在继承传统的基础上，展现出空前的多元化与复杂性。 明代的两大主流： 1. 院体与“浙派”的余晖： 以戴进、吴伟为代表的“浙派”，强调笔墨的雄健和对院体传统的坚守。 2. “吴门画派”的文人雅集： 以沈周、文徵明、唐寅、仇英为核心的吴门画派，继承了元代余韵，风格趋于秀雅、平和，更注重生活情趣和典故的表达。 清代的学术之争与创新： 清代绘画呈现出“复古”与“革新”的矛盾统一。董其昌提倡的“南北宗论”，虽然在学术上引发争议，却深刻地影响了后世对文人画的理解与实践。 “四王”的集大成与程式化： 以王时敏、王鉴、王翚、王原祁为代表的“四王”，通过对元明大师作品的系统整理与融合，将传统笔墨技巧推向了炉火纯青的境地，但也伴随着程式化的倾向。 “个性解放”的先声： 与“四王”对传统的深耕相对，以石涛、八大山人（朱耷）为代表的“个性派”画家，则以惊世骇俗的笔墨，表达了对时代变迁的深刻反思和对个体精神的强烈张扬。他们的作品，是古代绘画向现代转型中的重要桥梁。 结语：笔墨的永恒回响 本书通过对不同历史时期、不同画派、不同风格的梳理，旨在揭示中国古代绘画艺术内在的逻辑与外在的形态。从远古的符号到士人的抒情，绘画始终是中国人安顿心灵、安顿山河的独特方式。理解这些作品，即是理解我们民族的审美基因与文化之根。 附录： 常用术画名词解释、重要画家年表、历代绘画理论选辑。

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这部作品，在我看来，简直就是一场知识的盛宴，它以一种近乎于考古学家般的严谨和细致，带领读者深入探索了一个特定时代背景下的社会结构与文化风貌。作者的叙事手法极为老练，不像某些通俗历史读物那样急于抛出结论，而是通过大量细微的生活场景、人物的日常对话以及那些被历史长河冲刷得几近模糊的文献碎片，层层递进地构建起一个有血有肉的世界。我尤其欣赏它在处理复杂人际关系时的笔触，那种不动声色的张力，让你仿佛能闻到空气中弥漫的微妙情绪。读到某一章节时，我甚至能清晰地想象出那些古老庭院里的光影变化，以及仆人们小心翼翼地穿梭其间的声响。它不是在简单地复述史实，而是在重现一种“在场感”，让读者真正沉浸其中，去体会那个时代人物的喜怒哀乐，以及他们在特定制度下所面临的种种无奈与抗争。这种对细节的执着和对氛围的精准拿捏，使得全书充满了古典的韵味，读完后留下的回味悠长，值得反复咀嚼。

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我向来对那些试图“翻案”或“重写历史”的作品持保留态度，总觉得它们多半是作者个人情感投射的产物。但这本书完全颠覆了我的看法。它的力量不在于颠覆，而在于重建——用一种极其审慎和克制的方式，将过去被忽略的角落一一照亮。我特别留意到作者是如何处理那些“边缘人物”的命运的，他们不像帝王将相那样拥有明确的史书记载，却构成了那个时代社会肌理中最细微、也最脆弱的部分。作者通过交叉引用不同性质的材料，小心翼翼地还原了他们的生存状态、他们的挣扎与微小的胜利。这种“自下而上”的叙事策略，赋予了全书一种令人动容的人文关怀，它让我们意识到，历史从来不是少数精英的独角戏。读罢此书，你对那个时代的理解会变得更加立体和复杂，那些宏大的叙事似乎不再那么铁板一块，取而代之的是无数鲜活、充满张力的个体生命故事。

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坦白说，初捧此书时，我略感吃力，它的文字密度极高，信息的承载量如同满载的货船，需要集中十二分的注意力才能跟上作者的思路。然而，一旦度过了最初的适应期，那种被深刻洞察力所震撼的愉悦感便油然而生。这本书的魅力，很大程度上源于它那近乎于哲学思辨的深度。它不满足于表面的事件罗列，而是不断地追问“为什么”和“代价是什么”。作者似乎拥有一种穿透历史迷雾的X光眼，能够精准地捕捉到那些驱动历史巨轮转动的深层驱动力——可能是权力结构的微妙平衡，也可能是底层民众潜意识中的集体无意识。这种论述方式，使得即便是对那个时代背景略有了解的读者，也会不断地被新的视角和精妙的分析所折服。阅读过程更像是一场智力上的马拉松，你必须保持高度的警觉性，才能跟上作者那跳跃而富有洞察力的论证链条。最终的收获是巨大的，它拓展了我对历史叙事本质的理解。

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这本书的装帧和排版，说实话，并不算精致，更偏向于学术专著的实用风格，这或许会让一些追求视觉享受的读者望而却步。但内容上的扎实程度，绝对配得上任何赞美。我个人对其中关于某一特定礼仪制度的段落印象尤其深刻。作者花费了大量的篇幅来剖析这套制度是如何渗透到日常生活的每一个细节中，从服饰的颜色到餐桌上的位次，无一不体现着严格的等级划分。更妙的是，作者并没有将此简单地视为一种僵化的束缚，而是深入探讨了人们如何在遵守规则的同时，巧妙地利用规则的边缘地带，进行微妙的权力博弈和身份确认。这种对“规则与变通”之间辩证关系的探讨，极具现代意义。它教会我们观察世界，不要只看光鲜亮丽的表面，而要深入到那些看似繁琐的规章制度中，去探寻真正的社会逻辑。

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这是一部需要时间来消化的作品，它不是那种读完合上书本就能立刻高谈阔论的“速成指南”。我发现，每当我以为自己已经完全掌握了作者的意图时，总会在后续的章节中遇到新的反转或更深层次的挑战。这种持续的、渐进式的理解过程，才是真正令人着迷的地方。尤其是在涉及到意识形态的演变部分，作者展示了惊人的驾驭能力，他能清晰地勾勒出一种主流思潮是如何在悄无声息中被新的观念渗透、修正，直至最终被颠覆。他没有使用任何煽动性的语言，所有的论证都建立在扎实的基础之上，如同精密的钟表机械，每一个齿轮的咬合都严丝合缝。阅读体验是内敛的、沉静的，但思想的冲击却是深远的。它让我开始反思我们自身所处的时代，我们习以为常的许多“常识”，是否也只是尚未被充分审视的、暂时的规则集合。

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