中国民间剪纸(下卷) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南美术出版社

作者:吕胜中

出品人:

页数:216

译者:

出版时间:1994-01

价格:35.0

装帧:平装

isbn号码:9787535606549

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中国古代建筑艺术赏析 本书以宏大的历史视野和精微的艺术分析，系统梳理了中国古代建筑从萌芽到成熟，直至鼎盛时期的发展脉络与审美特征。它并非对建筑史的简单罗列，而是深入挖掘每一座标志性建筑背后的文化意蕴、营造技术以及社会功能，旨在为读者开启一扇通往古代工匠智慧与皇家气度的审美之窗。 第一部分：礼制与宇宙观的物质化——先秦至汉代的早期探索 本卷首先从新石器时代的聚落形态入手，探讨早期人类对居住环境的原始需求如何演化为对“秩序”的初步构建。重点分析了夏商周三代礼制对建筑形制的影响，特别是宗庙、宫室的等级森严。着重剖析了夯土技术的成熟与木构架体系的初步确立，这种“墙倒屋不塌”的结构智慧，奠定了此后两千余年中国建筑的基本骨架。 秦汉时期，中央集权制度的建立对建筑提出了前所未有的规模要求。本书详述了都城规划（如咸阳、长安）如何体现“天人合一”的宇宙观，严格的中轴线对称布局如何象征皇权至上。在单体建筑方面，首次对“高台建筑”的结构力学进行了细致的解读，例如未央宫、长乐宫的宏大规模是如何通过层叠的台基来实现视觉上的雄伟与稳固。材料方面，砖瓦的广泛应用标志着建筑材料的革新，对后世的防御与实用建筑产生了深远影响。 第二部分：融合与转型的时代——魏晋南北朝与隋唐的辉煌 魏晋南北朝是中国文化大融合的时期，佛教建筑的传入对本土建筑体系产生了颠覆性的冲击与滋养。本书将大量篇幅用于研究石窟寺与塔的兴建。佛塔的形制演变，从最初模仿印度的覆钵式，逐渐融入中国楼阁式的元素，形成了独具特色的楼阁塔、密檐塔等多种样式。这种中外艺术的交融，极大地丰富了中国传统建筑的语汇。 隋唐时期，国力强盛，建筑艺术达到了空前的成熟与规范化。盛唐的建筑风格以“雄浑、简洁、大气”著称。本书详尽考察了唐代官式建筑的标准化设计，如《营造法式》的前身在这一时期的实践。通过对大明宫、大雁塔等实例的分析，展现了唐代建筑在平面布局上的疏朗开阔，以及在单体结构上对斗拱的成熟运用——斗拱不仅承重，更成为装饰的视觉焦点，其结构逻辑严密而又富有韵律感。此外，江南园林的雏形也在这一时期悄然兴起，预示着未来审美趣味的转向。 第三部分：精致与内向的审美——宋元时期的技术与生活 宋代是中国社会经济文化全面繁荣的时期，建筑审美也由唐代的“外拓”转为“内敛”和“精致化”。这一时期的核心焦点是李诫所著的《营造法式》，本书不仅介绍了这部里程碑式技术手册的内容，更重要的是分析了它对建筑模数制（“材分制”）的推广应用。这使得建筑的建造精度和标准化程度达到了前所未有的高度，极大地提高了工效，也使得建筑的装饰性细节更加丰富。 宋代的城市布局趋于灵活，商业的兴盛催生了新的建筑类型，如多层的“望楼”和带有市场功能的沿街铺面。在宗教建筑上，出现了“瘦高”的砖塔，体现了对垂直向度的极致追求。元代的建筑在继承宋代的基础上，融入了更强烈的异域色彩，特别是在宫殿和宗教建筑中，例如对色彩的浓烈运用和复杂装饰手法的采纳。 第四部分：集大成与程式化——明清的集权巅峰与园林艺术的完善 明清两代，中国古代建筑体系达到了集大成的阶段，同时也呈现出高度的程式化和装饰化倾向。本书将重点剖析北京故宫的建造理念。故宫不仅是一个宫殿群，更是一部浓缩的政治哲学教科书。从紫禁城的选址、形制（“前朝后寝”、“左祖右社”），到建筑的色彩运用（黄琉璃瓦与朱红墙体的永恒组合），无不体现了维护皇权稳定、彰显等级秩序的最高目标。 在单体建筑技术上，清代斗拱的结构功能逐渐弱化，装饰作用日益突出，甚至出现了“殿柱的装饰性过梁”等现象。防火墙（Firewall）在江南民居中的广泛使用，是针对特定气候和生活需求的创新。 最后的章节将笔触转向中国建筑中最具人文情怀的部分——古典园林。本书将江南私家园林（如苏州拙政园、留园）与皇家园林（如颐和园）进行对比分析。园林艺术的精髓在于“虽由人作，宛自天开”的境界追求，通过叠石、理水、花木配置和建筑小品的巧妙布局，营造出“咫尺之内再造乾坤”的空间魔术。对“借景”、“框景”等造园手法的详细解析，揭示了中国人如何将自然之美融入日常生活，构建出诗意的栖居空间。 全书配有大量珍贵的历史测绘图、古代绘画拓本及现代摄影资料，力求将严谨的学术研究与生动的艺术欣赏完美结合，引导读者领略中国建筑中蕴含的哲学思想、工程技术与审美情趣的完美统一。

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这本书的审美价值和学术价值达到了一个罕见的平衡点，这在艺术类专著中是相当难得的。对于我这种并非专业研究者，但对民族艺术抱有浓厚兴趣的读者来说，它提供了极佳的切入点。它并未将民间艺术工具化或扁平化，而是将其置于复杂的社会结构中去理解。举例来说，关于“‘小儿’主题剪纸”的章节，不仅仅展示了那些骑在羊背上、手持莲花的孩子形象，更深入挖掘了在古代生育率偏低、夭折率较高的社会背景下，这些看似天真烂漫的图案如何成为父母对生命延续的强烈渴望的视觉投射。这种由表及里的探究，使得每一次翻阅都像是一次新的考古发掘，每一次都能从熟悉的图案中解读出新的时代信息。

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读罢此卷，心中涌起一股对传统手艺人近乎虔诚的敬佩之情。这本书的编排逻辑极其严谨，它没有采用简单的图谱罗列，而是构建了一套“主题-地域-技法演变”的叙事框架。尤其在探讨“祭祀与禳灾剪纸”的部分，内容之深厚，令人拍案叫绝。它清晰地勾勒出北方高寒地区与南方水乡在应对自然灾害和祭祀祖先时，剪纸造型上的分野。例如，北方多见遒劲、线条粗犷的虎形或门神形象，用以镇宅辟邪；而南方则偏爱细腻、色彩对比强烈的戏曲人物或花鸟图案，寄托安康顺遂。作者巧妙地穿插了许多口述史料，那些耄耋老艺人对“老底子”手艺的追忆，让冰冷的图例瞬间有了温度，仿佛能听到他们讲述当年为了赶制一批年货，如何在煤油灯下通宵达旦的细语。

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这套关于中国民间剪纸的典籍，尤其是下卷，在我手上翻阅时，那种指尖触及的纸张纹理，仿佛就能带领我穿越时空，回到那些充满烟火气的民间作坊。我原以为这是一本单纯的技法图录，然而它展现出的远不止于此。它像是一部活态的民俗志，深入剖析了剪纸艺术在不同地域、不同节庆场合中所承载的文化密码。比如书中对“喜庆剪纸”中那些繁复的“窗花”图案的解读，不再只是停留在“好看”的层面，而是细致入微地考证了每一个符号——那盘根错节的石榴、象征多子的牡丹、乃至隐藏在祥云纹饰下的祈福寓意，都与当地的生育观念、宗族文化紧密相连。我特别欣赏作者在材料学上的考据，他不仅展示了不同地区用纸的厚薄、颜色差异，还探讨了剪刀的选择对剪刻细节的影响，甚至提及了老一辈艺人对“下刀”力度的独特理解，那种对手艺的敬畏感，跃然纸上。

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如果要说这本书有什么“不足”（当然，这更多是由于我个人的知识局限性所致），那就是它对“现代”剪纸艺术的介入相对保守。然而，反过来想，这也许正是它的核心价值所在——它忠实地记录了“活在民间”的、尚未被当代商业浪潮过度稀释的传统技艺的原貌。书中所收录的那些失传已久的特定“套色剪纸”的工艺流程，其复杂程度令人咋舌，需要艺人对多种染料的配比、浸泡时间精确到秒的掌握。作者通过大量的田野调查照片和近乎手把手的图示，为后人留下了宝贵的“数字指纹”。我将这本书视为一本厚重的“技艺活字典”，它强迫读者放慢速度，去体会那种用钝了的剪刀、在反复折叠的红纸上，一刀一刀雕刻出的时光的重量。

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整部书的装帧和纸张选择也体现出一种对主题的尊重，没有使用那种廉价的光滑铜版纸，而是略带粗粝感的哑光纸张，让那些黑白分明的剪纸线条更具力量感和历史的厚重感。特别是关于“地域性语言”的辨析部分，是全书的点睛之笔。它阐明了为何相隔不远的两个村庄，其剪纸的“语汇”会产生巨大差异，这涉及到当地的信仰体系、农耕模式乃至移民历史。这不再是简单的“南方style”和“北方style”的划分，而是细致到了一个县域内的文化生态圈。通过对比不同时期同一母题在不同地域的流变，我看到了民间艺术如何在历史的洪流中保持其核心基因，同时又巧妙地吸收周边文化养分，完成自身的“进化”与“适应”。这是一部值得反复研读、常读常新的艺术史诗。

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