琵琶曲选1949-1979 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:中国音乐家协会

出品人:

页数:85

译者:

出版时间:1982-6

价格:9.0

装帧:平装

isbn号码:9787103000557

丛书系列:

图书标签:

• 琵琶
• 中国古典音乐
• 器乐独奏
• 琵琶曲
• 古典音乐
• 艺术
• 音乐
• 文化
• 1949-1979
• 选集

锦瑟年华：二十世纪中国音乐的时代回响（1900-1949） 一卷关于近现代中国音乐转型与自觉的宏大叙事 本书并非对单一乐器或特定曲目的梳理，而是一部聚焦于二十世纪前半叶（1900年至1949年）中国音乐生态变迁、思想冲突与艺术自觉的深度考察。它旨在描绘一个在传统与西风剧烈碰撞中寻求自我定位的音乐世界，一个孕育了现代民族音乐体系的“锦瑟年华”。 我们深知，1949年是一个重要的历史分界点，但要理解那一时期新音乐的诞生逻辑及其对后世的影响，必须回溯其深刻的社会、文化与美学根源。因此，本书将视角锁定在中华民族在剧烈动荡中完成音乐“启蒙”与“现代性”构建的复杂历程。 --- 第一编：旧邦新命——清末民初的音乐冲击与启蒙（1900-1919） 本篇深入探讨了自晚清“知耻近人”思潮兴起，至五四新文化运动前夜，西方音乐观念如何以“异端”之姿渗透入保守的中国传统音乐体系。 1. 宫廷乐制的瓦解与民间声腔的挣扎： 分析了清宫廷燕乐体系的衰落，以及在地方戏曲（如京剧、昆曲）改革浪潮中，传统音乐如何试图吸收新的表现手法。重点考察了传统乐师在面对“雅乐”与“俗乐”双重困境下的生存状态与技艺传承。 2. 西学东渐的先锋：军乐与教会音乐的引入： 详述了西方军乐队编制、五线谱记谱法、和声学等基础理论，如何通过洋务运动的遗留影响和教会学校的传教活动，率先进入中国知识分子的视野。这不仅是音乐技术的引进，更是对欧洲“艺术音乐”概念的首次认知。 3. 留学潮与“音乐救国”的萌芽： 聚焦于第一代赴日、赴欧学习西方音乐的先驱人物。他们带回的不仅是乐器和教材，更是“美育”与“音乐教育”的理念。探讨了如何将西方音乐教育的体系，嫁接到中国国民义务教育的框架中，为日后的大规模推广奠定基础。 --- 第二编：新文化运动的号角——音乐作为思想武器（1919-1927） 五四运动成为中国音乐思想的转折点。音乐不再仅仅是娱乐或修身养性的工具，而成为了批判社会、建构民族精神的“利器”。 1. 质疑与批判：对传统音乐的“科学”审视： 深入分析了以蔡元培、刘天华等人为代表的知识分子，如何从“科学性”和“民族性”双重标准出发，对传统音乐的“不和谐音”、“五声音阶的局限性”进行理论批判。这种批判精神是现代民族音乐学诞生的前提。 2. 民族音乐的“重构”与“整理”： 详细梳理了以刘天华对二胡、古筝等民族乐器的改良实践。这并非简单的技术修补，而是在新的音乐理论框架下，对传统乐器在音域、音色、演奏法上进行的系统性规范化。讨论了“国乐”概念的形成过程及其政治意涵。 3. 新歌谣的诞生：从雅到俗的渗透： 考察了以“新青年”杂志为阵地，涌现出的大量白话新歌、校园歌曲和早期进步歌曲。这些作品在旋律上吸收了民歌与西方进行曲的元素，歌词直白有力，标志着音乐开始真正走入大众的日常生活与政治诉求。 --- 第三编：都市的喧嚣与艺术的探索（1927-1937） 抗战前夕的上海与南京，成为中国音乐最活跃、最矛盾的熔炉。现代性的试验在此集中爆发。 1. 职业音乐家群体的形成与交响乐的起步： 聚焦于中国第一批职业指挥家、演奏家和作曲家的成长历程。探讨了中国早期交响乐团（如上海公共乐队的本土化尝试）的建立过程，以及他们如何努力将欧洲古典音乐的宏大叙事，在中国听众中实现本土化诠释。分析了早期中国作曲家尝试用西方体裁（如奏鸣曲、交响诗）来表达中国题材的努力。 2. 流行音乐的黄金时代与社会镜像： 详细剖析了上海“百代唱片公司”等机构对现代流行音乐的塑造过程。从月份牌歌曲到早期爵士乐的中国化演绎，探讨了都市女性、现代生活节奏如何被音乐捕捉和美化。这些流行音乐虽然商业化，却是研究大众文化史不可或缺的材料。 3. 民族风格的确立与地域音乐的发现： 记录了音乐家们开始深入田野，对民间音乐进行系统的采风与记录。分析了如何将不同地域的音乐语汇（如陕北民歌的粗犷、江南丝竹的细腻）提炼出来，作为创作民族音乐的“活水源头”。 --- 第四编：烽火中的坚守与传承（1937-1949） 抗日战争时期，音乐的职能被极度简化和集中化，服务于鼓舞士气与记录苦难的主题。 1. 音乐的“战时动员”与艺术的退守： 探讨了音乐界如何从都市转向后方（如重庆、延安），以及“抗战歌曲”这一特定体裁的爆发性增长。分析了这类歌曲如何在艺术性与宣传性之间寻求平衡，以及它们在团结全民中的巨大作用。 2. 音乐教育的迁徙与知识分子的责任： 记录了音乐院校（如中央大学音乐系、上海音专）在战争中的颠沛流离，以及师生们在极端条件下对音乐理论和演奏技巧的坚守。这体现了知识分子对文化血脉传承的承诺。 3. 战后重建与新民主主义音乐思潮的酝酿： 抗战胜利后，音乐界短暂的繁荣景象，以及随之而来的国共两党在音乐路线上的路线之争。分析了这一时期新兴的现实主义创作思潮，以及为新中国音乐体系奠基的早期尝试，为1949年后的音乐转向埋下了伏笔。 --- 结语：跨越时代的思考 本书的价值在于，它提供了一个全景式的、非单一技术导向的近现代中国音乐史。它拒绝将此阶段视为“等待成熟”的过渡期，而是将其视为一个充满活力、矛盾与开创精神的独立时代。通过对思想、教育、商业、社会思潮的交叉分析，我们得以更全面地理解，中国现代音乐是如何在自身的文化土壤上，吸收外来养分，完成其“从古典到现代”的漫长蜕变。本书是为所有对中国近现代文化史、艺术史感兴趣的读者准备的一份深度阅读材料。

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这是一本深入探索了特定历史时期中国音乐变迁的珍贵文献。书中对1949年至1979年间琵琶艺术发展的梳理，不仅是对曲目本身的记录，更像是通过音乐的脉络，折射出那个时代社会思潮的起伏。阅读其中对于不同时期代表性演奏家的风格演变分析时，我仿佛能听到时代的回响。例如，对早期革命题材作品的解读，其激昂的叙事方式与后期更注重个人情感表达的作品形成了鲜明对比，这种对比的呈现非常细腻。作者并没有简单地罗列作品，而是将其置于宏大的历史背景之下，探讨了政治气候如何影响了艺术创作的方向与接受度。书中的乐谱选段注释也极为详尽，对于研究者来说，无疑提供了扎实的参考资料。我特别欣赏作者在保持学术严谨性的同时，也尝试用通俗易懂的语言去描绘那些复杂的音乐技法，使得即便是非专业人士也能感受到其中蕴含的深厚文化底蕴。整体而言，这是一部不可多得的、立足于特定时间轴来审视民族乐器发展史的力作，它提供了一个独特的视角，让我们得以从指尖的拨动中，触摸到共和国初建到改革开放前夕的集体记忆与情感波动。

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作为一名业余的古琴爱好者，我抱着试探的心态翻开了这本书，原本担心内容会过于偏向学院派的枯燥分析，没想到它在描述琵琶演奏技巧革新时，竟然能引发我对自己乐器演奏的重新思考。书中对“扫、轮、扫轮”等基础技巧在不同年代的应用倾向分析得入木三分，清晰地勾勒出从注重颗粒感向注重连绵性过渡的趋势。我印象最深的是关于“演奏风格的地域性争论”那一节，作者详细对比了南北方流派在同一部作品诠释上的差异，这些差异并非简单的音符对错，而是审美哲学的根本分歧。通过阅读，我理解到，即便是在一个相对集中的历史时期内，艺术的生命力依然体现在其内部的张力与多元化上。这本书的叙事逻辑非常清晰，层层递进，仿佛带着读者一步步走入那个年代的琴房，感受琴弦被拨动时的真实温度。我尤其欣赏作者在引用口述史料时那种近乎诗意的转述方式，让冰冷的历史文献充满了人情味。

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这本书的价值远远超出了对特定乐器演奏技巧的介绍，它实际上是提供了一把解读新中国成立初期文化政策如何与民间艺术进行复杂博弈的钥匙。我关注到作者在探讨“民族器乐的现代化”这一主题时，所引用的官方文件和艺术家私信之间的张力。这种张力使得全书充满了戏剧性：一方面是来自上层的对“新音乐”的宏大构想，另一方面是演奏家们如何在有限的材料中最大限度地保留琵琶本身的音乐特质。书中关于1960年代中期后，部分传统曲目如何被迫进行“象征性重构”的分析，非常具有洞察力。我通过它理解了，那些看似简单的曲目背后，隐藏着艺术家们在维护艺术尊严与适应时代要求之间的艰难权衡。阅读过程中，我数次停下来，去网上搜索那些被提及的早期演奏家们的录音，试图在声音中印证书中所述的风格断裂点。这本书的学术深度和历史广度，绝对值得所有对中国近现代音乐史感兴趣的人士认真研读。

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这本书的阅读体验是充实而富有发现感的，与其说它是一本音乐史专著，不如说它是一部细致入微的文化史侧影。我最欣赏的是作者没有将目光局限于舞台中央，而是将视野投向了音乐的传播渠道和听众群体的变迁。例如，书中对早期广播电台和“下乡巡演”中琵琶曲目选择偏好的分析，揭示了艺术如何从精英阶层走向更广大的工农阶层，以及这种转变对曲目内容和演奏方式产生的反作用力。这种社会学视角的引入，极大地拓宽了我们对“琵琶艺术”的理解边界。此外，书中的附录部分，对于当时各地音乐学校课程设置的对比研究，也是一个巨大的惊喜，它直观地展示了中央意志如何在地方层面进行不同程度的转化和执行。全书的论证过程逻辑严密，行文流畅，即便是关于复杂对位法的讨论，也被作者梳理得井井有条，让人感觉每翻过一页，对那个时代的理解就加深了一层。它成功地将一份专业的音乐研究，转化成了一部引人入胜的时代编年史。

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这本书的装帧和纸张质量给我留下了极其深刻的印象，那种沉甸甸的质感，似乎就在提醒着读者，这是一份承载了数十年心血的严肃研究。我尤其着迷于其中关于“文革”前后琵琶曲目主题转换的章节。作者在处理敏感历史时期作品的分析时，展现出了极高的专业素养和克制，没有流于表面的批判或赞颂，而是专注于音乐本体的结构变化，以及这些变化背后演奏家们在特定环境下所做的微妙妥协与坚持。比如，对一些传统曲目的“再创作”的讨论，揭示了如何在既定框架内寻求一丝艺术的自由呼吸空间。我花了很长时间去比对不同版本之间的速度标记和装饰音处理差异，这些细微的差异，正是那个时代音乐家们留下的“指纹”。这本书的排版设计也很有匠心，在引用文献和历史照片时，都做到了恰到好处的留白，使得厚重的史料阅读起来不至于感到压抑，反而有一种历史的厚度与呼吸感。它不仅仅是一本乐谱选集，更像是一本配有详尽田野调查笔记的音乐人类学报告，极具收藏价值。

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