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出版者:人民音乐出版社

作者:余从

出品人:

页数:305

译者:

出版时间:2003-9

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787103027400

丛书系列:

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《中华服饰千年流变》 内容简介 本书以宏大的时间跨度，追溯了中华服饰自先秦至近现代的演变轨迹，深入剖析了服饰作为一种重要的文化载体，如何在不同历史阶段承载和反映着社会结构、审美情趣、礼仪制度乃至民族交流的深刻信息。全书力求在详实考证的基础上，构建一部立体、生动的中国服饰通史。 第一章：缘起与奠基：先秦至汉代的服饰初貌 本章探讨服饰的起源，追溯远古时代的衣蔽体御寒之需，如何逐步演变为具有社会区分意义的符号。重点分析周代“礼制”对服饰形制的严格规定，如冕服制度的建立及其对后世的影响。 进入秦汉，中央集权的确立使得服饰的等级色彩愈发鲜明。本章细致描摹了秦朝的尚黑风尚，以及汉代服饰体系的初步成熟。尤其关注汉代深衣（曲裾、直裾）的形制特征、穿着方式及其所蕴含的儒家中和之美。对“褒衣博带”所体现的士人风范进行深度解读，并结合考古发现的帛画、陶俑，复原了早期服饰的色彩、纹样与工艺水平。 第二章：融合与革新：魏晋南北朝的多元风尚 这是一个民族大融合的时代，服饰文化也呈现出前所未有的多元性和变动性。北方游牧民族的服饰元素，如窄袖、裤装等，开始与汉族传统服饰产生碰撞与融合。 本章重点剖析了魏晋时期“玄学”思潮对服饰审美的影响——魏晋风度下的宽大慵懒、褒衣博带的极致化，以及对自然洒脱的追求。南北朝时期，由于政权更迭频繁，胡汉服饰的交融尤为显著。探讨了北魏孝文帝改革对服饰汉化的推动作用，分析了这一时期交领右衽、窄袖合体的胡服元素如何被吸收并融入主流服饰体系，为隋唐的辉煌奠定了重要的变革基础。 第三章：鼎盛与开放：隋唐五代的盛世霓裳 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，其服饰文化也达到了前所未有的开放性与华美程度。本章将唐代服饰的繁荣归因于其兼容并蓄的社会心态和丝绸之路带来的异域影响。 详述了唐代女装的几个关键阶段：初唐的俭朴、盛唐的雍容华贵（如齐胸襦裙、坦领装的流行），以及晚唐的秀丽纤巧。对唐代特有的“胡服”风尚进行专题研究，包括圆领袍的普及、幞头的演变等，论证了唐代服饰对周边国家（如日本、朝鲜）服饰体系产生的深远影响。同时，对唐代织锦、刺绣工艺的成就进行了梳理，展现了盛世之下的物质文明高度。 第四章：内敛与精致：宋代的文人雅韵 宋代，在经历了唐末的变革后，服饰风格转向内敛、素雅，体现了“理学”对社会生活的影响。本章着重分析宋代服饰的“清雅”之风。 研究了宋代士大夫阶层的典型服饰——直裰、褙子、公服等，阐释了其简洁、线条流畅的特点。在女装方面，探讨了宋代褙子的流行及其多变的款式，以及褶裥、系带等细节处理所体现的含蓄之美。本章还将服饰与宋代的审美取向——尚“瘦”、“雅”——紧密结合，分析了宋代服饰纹样从唐代的饱满写实向写意、写生的转变。 第五章：等级与制度：元明两代的重塑与回归 元代服饰是蒙古族服饰与汉族服饰又一次大规模的碰撞。本章考察了元代统治者推行的服色制度，以及蒙古特色的“辫线袍”等服饰元素对汉族服饰的影响。重点分析了元代服饰在保持一定等级区分的同时，如何适应游牧民族的生活习惯。 明代，在推翻元朝统治后，服饰制度进行了大规模的恢复与重建，力求回归汉唐旧制，但又融入了时代特色。本章详细梳理了明代官服制度的复兴，如补服制度的确立与演变。在民间服饰方面，探讨了袄裙、比甲等基本形制的成熟，以及对宋代服饰的继承与发展。对明代服饰的繁复精美，特别是女装的“袄裙”、“马面裙”的形制演变进行了详尽的图文解析。 第六章：集变与终结：清代的满汉交融与近代转型 清代服饰是中华服饰史上一个极为特殊的阶段，它标志着一个由少数民族主导建立的王朝对传统汉族服饰体系的全面更迭与整合。 本章首先细致描绘了清初“剃发易服”政策对服饰的剧烈影响，着重分析了满族服饰的典型特征——马蹄袖、立领、褂裙、马褂的定型，以及其在官服中的体现。详细论述了旗装、长袍、坎肩等服饰元素如何渗透到民间，形成了新的服饰风尚。同时，本章也探讨了在这一特定历史背景下，江南士绅阶层在私服中保留的汉族服饰元素与满式服饰的并行状态。 最后，本书以清末民初的服饰变革作为收束，简述了西风东渐对传统服饰的冲击，马褂、长袍向“中山装”的过渡，以及对中华民族服饰文化在现代转型期的初步思考。 结语：服饰的文化语境 全书在梳理了服饰形制变迁的基础上，回归到服饰的文化本体：它如何通过颜色、纹样（如龙凤、十二章纹）、配饰（如冠、帽、鞋履）来构建古代社会的礼仪秩序与身份认同，最终呈现出一部流动的、穿在身上的中国社会史。

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这本书的装帧设计非常讲究，封面采用了厚重的函套，米白色的纸张搭配着古朴的字体，透着一股历史的沉淀感。我刚拿到手的时候，光是触摸纸张的纹理，就能感受到编辑团队的用心。内页的排版也十分清晰，字号适中，疏密得当，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。最让我惊喜的是，书中还穿插了大量的珍贵历史图片和戏曲乐谱的拓印，那些泛黄的纸张和细腻的线条，仿佛把我瞬间拉回到了那个梨园竞芳的年代。特别是关于早期戏曲演出的场景复原图，细节描绘得极其生动，让我这个对外行人也能感受到那个时代舞台的魅力和氛围。虽然我还没有深入阅读具体内容，但仅凭这精美的外在包装和严谨的版式设计，就已经让我对这本书的内在价值充满了期待。它不只是一本普通的书籍，更像是一件值得收藏的艺术品，摆在书架上，本身就是一种视觉享受。

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这本书的目录结构设计得非常有逻辑性，它似乎摒弃了那种简单的时间线性推进方式，而是采用了主题式、网状的架构来梳理复杂的历史脉络。每一章似乎都围绕着一个核心的文化议题展开，然后通过不同时期、不同地域的案例来相互印证和对比。这种非线性的叙述方式，对于理解戏曲艺术这种高度复合、地域色彩浓厚的文化现象来说，无疑是更有效率的。它鼓励读者进行横向的联想和思考，而不是被动地接受单一线索的引导。我试着对比了其中关于“化妆与符号化”的章节和关于“剧本改编与民间信仰”的章节，发现两者之间存在着一种微妙的互动关系，这种结构上的设计，成功地引导我发现了隐藏在不同表象之下的深层文化逻辑。这本著作的野心和结构上的巧妙布局，使其完全有别于市面上那些只是简单罗列史实的读物。

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说实话，我对传统文化领域的书籍，最怕的就是那种故作高深、术语堆砌的“学究气”。但这本书的行文风格，却出人意料地流畅且富有感染力。作者的文字功底极佳，他懂得如何在保持学术严谨性的同时，用生动的笔触去描绘那些已经消逝的表演艺术的“神韵”。比如，在描述某位早期角色的身段或唱腔时，他没有使用干巴巴的专业名词，而是通过一系列富有画面感的比喻，将那种无形的艺术魅力具象化了。我仿佛能听见那抑扬顿挫的腔调，看见那水袖翻飞的瞬间。这种叙事方式，极大地降低了阅读门槛，让一个初涉此道的读者也能轻松进入那个充满激情与创造力的世界。这不仅仅是知识的传递，更是一种情感的共振，让传统艺术不再是冰冷的文献记录，而是鲜活的生命体验，这种“温度感”在严肃学术著作中实属难得。

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我特意去查了一下作者的背景资料，发现他似乎并不完全是科班出身的戏曲研究者，这或许解释了为什么这本书的切入点如此独特。它没有被传统的研究范式所束缚，反而展现出一种超越性的观察角度。书中对于某个历史断代期的艺术变迁的论述，似乎更倾向于从技术革新和观众群体的变迁这两个维度去思考，而非传统的师承谱系。例如，他对“舞台机械”的引入如何重塑了观众的观剧体验这一段的分析，观点新颖，论证充分。这种将工程学思维融入艺术史分析的方法，让我眼前一亮。这让我意识到，一部真正的通史，需要的不仅仅是专业的知识储备，更需要一种跨学科的视野和对历史驱动力的敏锐捕捉能力。这本书给我的感觉是，它在试图回答“为什么会这样变化”，而不是仅仅描述“它变成了什么样”，这一点价值就非常高了。

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我最近在研究明清时期文人的笔记，希望能找到一些关于民间艺术流变的线索。这本书的导读部分，虽然篇幅不长，但其引用的史料之广博，实在令人惊叹。作者似乎对不同地域、不同阶层保留下来的口述历史和地方志都有着深刻的挖掘。读着那些看似零散的记述，我能感受到作者构建起一个宏大叙事框架的雄心。尤其是在探讨某个流派的兴衰时，他没有停留在对名家名作的简单罗列上，而是深入剖析了社会经济结构、士人阶层审美取向乃至宫廷权力的更迭是如何潜移默化地影响着舞台艺术的生命力的。这种多维度的解读视角，远超我预期的那种纯粹的“艺术史”范畴，更像是一部结合了社会学和文化人类学的深刻洞察。这种深挖细究的功力，让人不得不对作者深厚的学养心生敬佩，迫不及待想翻到正文细看他如何将这些散落的珍珠串成璀璨的长链。

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啊啊。我头疼。

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