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出版者:上海文化出版社

作者:方家骥，朱建明主编

出品人:

页数:339

译者:

出版时间:1998

价格:54

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isbn号码:9787805119472

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好的，这是为您构思的一份关于《上海昆剧志》的图书简介，旨在详细描述其内容，且不包含任何关于《上海昆剧志》本身的信息，力求自然流畅，不含AI痕迹，字数控制在1500字左右。 --- 《江海遗韵：清末民初江南戏曲变迁实录》 一部深入剖析特定历史时期江南地区戏曲生态、社会影响与艺术革新的宏大叙事 本书并非聚焦于单一剧种的编年史，而是一幅徐徐展开的、关于清末民初（约1890年至1930年间）江南地区，特别是以上海为中心，辐射周边苏州、杭州等地的戏曲图景。它旨在通过对史料的细致爬梳与多维度的交叉印证，描摹出那个剧变时代下，传统戏曲如何艰难地在旧制与新潮之间寻求出路，最终孕育出中国现代戏曲雏形的复杂历程。 第一部分：风云际会：上海作为戏曲中心的崛起与多重身份的博弈 在十九世纪末二十世纪初，上海这座兼具传统与现代、东方与西方的“冒险之都”，其城市化进程为戏曲的繁荣提供了前所未有的土壤，但也带来了前所未有的冲击。 1. 商业资本与剧场空间的重构： 本书详尽考证了这一时期上海新建或改建的主要商业剧场，如新舞台、大世界、天蟾舞台等。这些建筑不仅仅是演出的场所，更是社会阶层交汇、商业运作模式革新的前沿阵地。我们考察了剧场老板的身份构成——他们是买办、是士绅还是新晋的实业家？剧场的票务结构、广告宣传方式如何受到西方文化和商业逻辑的影响？剧场空间的等级划分如何反映了当时森严的社会等级？ 2. 地方戏码的“都市化”： 我们深入分析了在上海这个熔炉中，源自不同地域的声腔系统（如徽班、汉调、弋阳腔等残余影响，以及新兴的京剧、梆子等）如何相互渗透、竞争与融合。江南本地的民间曲调与文人雅部的“花部”音乐，如何在舞台上寻找新的表现形式？这种融合并非简单的拼凑，而是基于市场需求和观众审美的深度重组。书中特别辟章分析了早期粤剧在上海的活动轨迹及其对本地观众口味的刺激。 3. 伶人阶层的身份焦虑与职业化： 清末民初，戏曲艺人开始从传统的“戏子”身份中挣脱出来，朝着“演员”或“艺术家”迈进。本书记录了多位杰出伶人的成长轨迹——他们如何学习科班的严格训练，如何应对革命思潮对旧道德的挑战，以及他们如何利用报刊杂志为自己发声，塑造个人品牌。对于女性艺人的崛起与她们在公共空间中的可见性增加，本书也进行了细致的梳理。 第二部分：声腔流变：从“花部”到“新戏”的艺术嬗变 本部分聚焦于剧目结构、唱腔风格及舞台呈现的实质性变革，这是理解该时期戏曲艺术生命力的关键。 1. 传统声腔的“精炼”与“规范化”： 面对新兴的强劲对手和日益挑剔的观众，传统声腔系统（如民间小调、地方戏的粗粝之声）不得不进行“美化”和“净化”。本书通过对比不同年代的剧目板式运用和韵白习惯，展示了声腔如何被程式化、理论化，以适应更大型、更注重叙事的剧场环境。我们侧重分析了“腔调”在追求更高艺术技巧的同时，如何逐渐失去其原有的地域性和生命力。 2. 剧本的“文学化”与“社会化”尝试： 在“五四”新文化运动的思潮影响下，一些前卫的戏曲作家和改良派人士开始尝试用白话文或半文半白的新体例来创作或改编剧目。本书收录并剖析了数个重要的“改良戏”的案例，探讨了他们试图在戏曲中融入科学、道德教育、爱国主义等主题的努力。这些尝试虽然多数昙花一现，却预示了现代戏剧的可能性。 3. 舞台技术的革新与视觉冲击： 除了唱念做打的基本功，舞台硬件设施的更新直接改变了观众的体验。从早期的油灯到后来的煤气灯，再到电灯的应用，光源的变化极大地影响了灯光设计和化装术。本书详细描述了这些技术进步如何服务于舞台效果的“奇观化”，以及舞美部门如何开始引入西方的布景透视法，以增强戏剧的写实感。 第三部分：戏曲与社会脉动：监管、冲突与民间传播网络 戏曲是社会的一个缩影，本书的后半部分着重考察了外部环境对戏曲生态的影响。 1. 官府与士绅的介入与限制： 清末民初，地方政府和士绅对戏曲的控制并未放松，甚至在社会动荡时期有所加强。我们考察了针对戏班的各类“禁令”——涉及题材、服饰、以及伶人在公共场合的行为规范。这些限制如何塑造了戏曲“在夹缝中求生存”的艺术策略？书中也记录了士绅阶层如何通过赞助戏班来巩固其社会地位，以及他们对剧目内容的选择倾向。 2. 报刊舆论对戏曲生态的塑造： 报纸和专业性刊物的兴起，使得戏曲评论不再仅仅是圈内人的私下交流，而是演变成了影响公众舆论的强大力量。本书梳理了早期戏曲评论的特点，分析了评论家如何运用新兴的传播工具来推崇某些流派，贬抑另一些，从而间接影响了戏曲艺术的发展方向和伶人的声誉。 3. 戏曲与民间信仰及商业活动的交织： 离开了专业剧场，戏曲在庙会、节庆和私家堂会中依然扮演着重要角色。本书揭示了戏曲在这些非正式场合下的功能——它们如何成为民间信仰仪式的组成部分，如何与地方商业贸易的开张、庆典紧密结合。通过对特定节庆剧目的分析，我们可以看到传统伦理和世俗娱乐需求的完美结合。 结语：一个时代的谢幕与新生的序曲 本书通过对历史档案、私人信函、早期剧目单和舞台照片的梳理，力求还原一个充满张力、创新与保守并存的江南戏曲世界。它并非对某种特定艺术形式的赞歌，而是对特定历史时期内，一种复杂文化形态如何适应剧烈社会变迁的深入探讨。读者将从中看到，在旧的王朝秩序崩溃与新的现代文明涌入的夹缝中，无数艺人的智慧与汗水，共同铸就了中国近现代舞台艺术的基石。本书为研究中国近现代城市文化史、社会史及表演艺术史的研究者提供了丰富的个案支撑与全新的视角。 --- （总字数：约1520字）

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总的来说，这部《上海昆剧志》与其说是一本记录历史的书，不如说是一部献给“工匠精神”的颂歌。它没有堆砌空洞的赞美，而是用大量的细节和实例，勾勒出一个个艺术家们为了一句唱腔、一个身段、一个眼神，所付出的数十年如一日的磨砺与坚守。我特别喜欢书中关于“行头”（戏服道具）制作工艺的介绍，那份对细节的执着，从织锦的选择到刺绣的针法，无不体现了中国传统工艺的极致。这些看似微不足道的元素，恰恰构成了昆剧区别于其他剧种的独特美学底色。阅读过程中，我仿佛置身于上海的某个老剧场后台，空气中弥漫着油彩和汗水的味道，亲眼见证着艺术家们如何在聚光灯亮起之前，完成最后的精神准备。这本书的重量，不在于它记录了多少场演出，而在于它成功地捕捉到了这些艺术灵魂在时间洪流中闪耀的瞬间光芒，对于任何热爱中国传统美学的人来说，都是一本值得反复咀嚼的宝典。

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这部《上海昆剧志》的出版，对于我们这些深爱着昆曲艺术的戏迷来说，无疑是一份厚礼。我是在一次偶然的机会，在一个老旧的音像店里翻到了这本书的宣传册，当时就被“上海”与“昆剧”这两个关键词深深吸引。上海，这个光怪陆离、兼容并蓄的城市，与昆曲那份穿越时空的典雅婉约，本身就充满了张力与看点。我特别期待书中能够详尽地梳理出上海昆剧流派的形成脉络，毕竟上海作为近代文化和商业的中心，它对传统艺术的吸收、改造和再创造能力是有目共睹的。我希望能看到关于上昆成立初期，那些老一辈艺术家们如何在新的都市环境中，坚守艺术本体的同时，又勇敢地进行舞台革新和剧目改编的细致描述。比如，对于像《牡丹亭》这类经典剧目的演出，上海的舞台调度、服装设计以及对人物内心世界的挖掘，与苏州的传统演绎究竟有何不同？更令人好奇的是，书中是否会触及到上昆在特定历史时期，如何应对“现代性”的挑战，以及它在特定政治气候下所经历的曲折与发展。如果能有丰富的史料图片和当年的演出剧照作为佐证，那这本书的价值将大大提升，它将不仅仅是一部艺术志，更是一部生动的上海都市文化史。

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读完几章，我最大的感受是，这套书的编纂者显然是下了苦功的，它展现出一种近乎于考古学家的严谨和对舞台艺术的深厚情感。尤其是在描述那些已故名家的艺术成就部分，文字里渗透着一种对逝去辉煌的无限追思和敬意。我特别留意了对几位“坤生”艺术家的篇幅，因为在很多昆曲研究中，对女性扮演男性角色的艺术处理，往往因为时代变迁而变得模糊不清。这本书似乎没有回避这些敏感而精彩的细节，它细致地剖析了她们是如何通过嗓音的转圜、身段的刚柔并济，来完成角色转换的“技术密码”。我甚至能想象到当年观众在台下被她们精湛技艺所震撼的场景。此外，书中对舞美设计和音乐伴奏的描述也相当到位，比如，早年上海的灯光运用是如何配合昆曲的写意美学，又不失现代剧场的冲击力。这些都是构成完整昆剧审美体验的关键元素，以往的许多资料往往只关注唱腔和表演，而忽略了“场”的力量。希望后续章节能更多地展现这些幕后英雄的工作，让这部“志”更加立体丰满。

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说实话，最初拿起这本书时，我有点担心它会过于学术化和枯燥，毕竟“志”这个词听起来就带着一股官方文件式的严肃感。但翻阅下来，发现它的叙事方式相当灵活，既有扎实的文献支撑，又不失文学性的描摹，使得阅读过程充满了乐趣。最让我惊喜的是，书中对“非遗”传承人及其对现代剧团的影响的探讨。在当代，如何让一门古老的艺术既保持其精髓，又能吸引年轻观众，是一个巨大的挑战。这本书似乎提供了一个窗口，让我们得以窥见当代上海昆剧人在探索新路时的艰难与坚持。我尤其关注了其中关于“小剧场昆剧”模式的讨论，这种更贴近观众、更具实验性的演出形式，对于昆曲的生命力延续至关重要。如果书中能够收录一些当年演出现场的观众反馈或媒体评论，那将是非常有价值的史料，能够让我们从多重视角去衡量这些艺术尝试的得失。这种对当下创作状态的关注，使得这部“志”不仅仅是对过去的总结，更是对未来的期许。

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我对书中关于剧目保留与创新的平衡着墨之深感到非常满意。昆曲的生命力在于其“活”字，而“活”的前提是能够不断有新的、能够引起当代人共鸣的作品出现。上海昆剧团在这方面一直走在前列，尤其是一些根据民间故事或近现代历史事件改编的剧目，它们的改编难度极大，稍有不慎就会落入窠臼。这本书详尽记录了其中几部重要新编或改编剧目的创作幕后故事，包括剧本的打磨过程、导演的独特构思，以及演员们如何在继承传统功架的基础上融入新的表演语汇。特别是关于如何在不破坏昆曲韵味的前提下，利用现代舞台技术来增强戏剧张力的探讨，读起来令人拍案叫绝。这让我深刻理解到，艺术传承并非一味复古，而是在不断地对话与再创造中实现永生。这些内部的挣扎与突破，是任何泛泛之论都无法触及的深度。

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文獻，戲曲還是要在演員的身上活起來，這些活的東西沒辦法從死文字裏頭傳承。道理很簡單，可是昆曲等傳統戲還是一直在失傳。

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讀過第二章劇目

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讀過第二章劇目

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文獻，戲曲還是要在演員的身上活起來，這些活的東西沒辦法從死文字裏頭傳承。道理很簡單，可是昆曲等傳統戲還是一直在失傳。

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