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出版者:吉林科学技术出版社

作者:李佩玲

出品人:

页数:115 页

译者:

出版时间:2004年1月1日

价格:16.0

装帧:平装

isbn号码:9787538427301

丛书系列:

图书标签:

• 日本
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• 美学
• 日本文化
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• 设计与文化
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• 日本美学
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• 和风美学
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• 简约风格
• 季候感
• 设计演绎

樱之境：探寻现代日本室内设计的精神内核 作者： [此处留空，象征作者身份的专业性] 图书简介： 《樱之境：探寻现代日本室内设计的精神内核》并非一本探讨传统和风美学或历史沿革的指南，而是深入剖析当代日本室内设计领域如何继承、转化并创新其独特的哲学观与空间处理方式的深度研究。本书聚焦于战后至今，在快速都市化与全球化浪潮冲击下，日本设计师如何通过材料的精妙运用、光影的诗意捕捉以及对“间”（Ma）概念的极致推敲，构建出既能回应现代生活需求，又蕴含深厚文化底蕴的居住与商业空间。 第一部分：从“侘寂”到“极简”的内在逻辑流变 本章首先对支撑日本美学体系的几个核心概念进行梳理，但着眼点在于它们如何被当代设计语言所重塑。我们探讨“侘寂”（Wabi-Sabi）如何从对残缺和无常的欣赏，演变为对“真实材料质感”的强调，以及这种强调如何在现代清水混凝土、回收木材或新型复合材料的应用中得以体现。 接着，深入分析日本“极简主义”（Minimalism）的独特性。不同于西方侧重形式纯粹性的极简，日本的极简更侧重于“留白”的哲学——去除冗余，是为了凸显留下之物的本质力量。章节详细剖析了设计师如何通过精密的几何构图、隐藏的收纳系统以及对非必要装饰的摒弃，实现空间呼吸感的最大化。例如，分析著名设计师在住宅项目中如何运用线性光带和内嵌式家具，模糊结构与装饰的界限。 第二部分：材料的“语汇”：触感、温度与时间的痕迹 材料在日本设计中绝非被动的背景，它们是主动的叙事者。《樱之境》用大量篇幅考察当代设计师如何对待传统材料的再生与新材料的引入。 木材的再生命化： 研究当代设计师如何使用烧杉（Yakisugi）技术处理木材，不仅是作为防护手段，更是赋予其深沉的黑色肌理，作为一种视觉上的锚点。同时，探讨他们如何利用日本特有的木材接合技术（如指物工艺），在不使用金属部件的情况下，实现结构的美感与稳定性。 光与影的交织： 重点剖析和纸（Washi）及其衍生材料在现代照明设计中的应用。和纸不再仅仅是传统障子的组成部分，它被用作散射光源的媒介，创造出柔和、均匀且富有层次感的“空气感”。本书将通过案例分析，揭示如何利用精准计算的角度和反射率，将自然光转化为空间的情绪载体。 “呼吸的墙面”： 考察石膏、土墙以及微水泥在当代设计中的复兴。设计师如何通过手工涂抹或特定的纹理处理，使墙面具有如同自然地貌般的肌理感，让居住者能通过触觉感知到材料的生命力。 第三部分：空间叙事：流动性、适应性与“间”的重构 本章是理解当代日本室内设计的核心。它探讨了空间不再是静态的盒子，而是可变、可塑的“剧场”。 多功能性与可变空间： 鉴于日本城市居住空间的普遍紧凑性，设计师发展出高度灵活的隔断系统。详细介绍了折叠墙、滑动式储物柜以及可升降地台等机制的应用，它们如何使一个房间在不同时间段内扮演客厅、书房或卧室的角色。这种流动性是对传统固定格局的颠覆。 “间”的现代演绎： 深入探讨“间”（Ma）——即空间中的“间隙”或“留白”——在现代室内设计中的功能性。这种留白不是空虚，而是为人的活动、光线的渗透、乃至心绪的沉淀预留的“时间空间”。通过分析公共空间（如精品酒店大堂或小型博物馆）的设计，揭示设计师如何通过精心设计的水平或垂直的“阻断”，引导参观者的视线和步伐，实现一种沉浸式的体验。 尺度的人性化回归： 针对全球建筑普遍追求宏大叙事的趋势，本书聚焦于日本设计师如何回归到人的尺度（Human Scale）。无论是家具的高度、门把手的触感，还是走廊的宽度，都经过反复推敲，以确保空间对使用者而言是亲切的、无压力的。 第四部分：跨界对话：技术、工艺与可持续性的未来图景 当代日本室内设计并非停留在传统工艺的再现，它积极拥抱前沿技术。 数字技术辅助的工艺优化： 探讨参数化设计和计算机数控（CNC）技术如何被引入到传统细木工中，以实现更复杂、更精密的结构连接和定制化组件的生产，从而在保证高效率的同时，维护手工工艺的精度。 “在地性”与可持续发展： 关注日本设计界在材料采购和废弃物管理方面的创新实践。许多项目倾向于使用本地采购的、可循环利用的材料，并采用“无需胶水”的装配体系，以实现未来拆解和再利用的可能性。这是一种根植于社区和环境的责任感表达。 “内向型”社区意识的营造： 最终，本书分析了许多商业空间（如书店、咖啡馆和小型画廊）的设计策略，它们如何通过创造高度私密、却又相互连接的小单元，激发社区内的互动与深度交流，体现了对集体舒适的重视。 结语： 《樱之境》旨在为读者提供一个理解现代日本室内设计超越表象的工具。它不是关于如何复制榻榻米或格子窗，而是关于如何在喧嚣的现代世界中，通过对材料的敬畏、对光影的敏感，以及对空间中“未被言明之物”的重视，构建出真正具有精神栖居感的场所。这是一场对当代设计哲学深层次的探寻之旅。

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这本《和风赏花幕：日本设计美学的演绎》真是意外地带给我许多惊喜。我原本以为会是一本偏向纯粹艺术鉴赏的书籍，但它所呈现的却远不止于此。作者巧妙地将日本传统文化中的“物哀”与现代设计理念相结合，通过对不同季节花卉的细致描绘，勾勒出一种超然物外的宁静与侘寂之美。读到关于樱花的部分，我仿佛能听到春风拂过花瓣的沙沙声，感受到那短暂而绚烂的生命力，以及随之而来的淡淡忧伤。书中对庭园设计、插花艺术的阐述，更是让我对“留白”的东方哲学有了更深的理解。那些看似不经意的布局，实则蕴含着对自然天成的尊重和对空间感的极致追求。尤其是对紫藤花架下光影婆娑的描写，那种朦胧而富有层次感的美，让我久久不能忘怀。总而言之，这本书不仅仅是关于设计，更像是一次关于生命、季节与心灵的深刻对话，让我从全新的角度审视了我们身边的每一个细节，也引发了我对生活方式的思考。

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《和风赏花幕：日本设计美学的演绎》这本书，是一场关于视觉与心灵的双重盛宴。书中对色彩的运用，简直可以用“点石成金”来形容。作者并未追求浓墨重彩的视觉冲击，而是善于运用低饱和度的色彩，通过微妙的渐变和对比，营造出一种宁静、祥和的氛围。例如，在描写秋天的枫叶时，并非简单地堆砌红色，而是通过对不同红色的层次描绘，以及与周边景色的搭配，展现出一种成熟而内敛的美。书中关于“间”的设计概念，也让我深受启发。它不仅仅是空间中的留白，更是一种精神上的呼吸空间。在快节奏的生活中，这种对“闲”的追求，显得尤为重要。作者通过对建筑、服饰、器皿等各个方面设计元素的解析，让我看到了日本设计中对细节的极致关注，以及对人与自然和谐共处的追求。这本书让我明白，真正的美，往往隐藏在那些不经意间，需要我们放慢脚步，用心去体会。

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这本书《和风赏花幕：日本设计美学的演绎》完全颠覆了我对日本设计的刻板印象。我原以为它会充斥着各种寺庙、和服的图片，但事实恰恰相反。作者以一种极其现代和创新的视角，解读了日本设计的精髓。他将日本传统的“季节感”融入现代生活的设计之中，从家居布置到城市规划，都展现出一种顺应自然、尊重生命周期的智慧。我尤其对书中关于“缘侧”的设计思考印象深刻。这种连接室内与室外的半开放空间，既提供了眺望风景的绝佳视角，又保持了与自然的亲近感，仿佛为人们提供了一个缓冲地带，在人造空间与自然世界之间找到平衡。书中对生活器物的描写，也让我看到了日本人对日常用品的极致追求，每一个物件都充满了匠心和故事。这本书让我认识到，日本设计不仅仅是一种风格，更是一种生活哲学，一种对生命的热爱和对自然的敬畏，它是一种在静默中绽放的美，需要静心去品味。

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我必须承认，起初被《和风赏花幕：日本设计美学的演绎》吸引，更多的是因为其富有诗意的书名。然而，当我真正翻开这本书时，却发现它所提供的深度和广度远远超出了我的预期。作者并非简单地罗列日本的设计元素，而是深入挖掘了这些元素背后所蕴含的文化精神和哲学思想。例如，书中对“侘寂”美学的探讨，让我对“不完美”和“短暂”有了更深刻的认识。那些斑驳的痕迹，那些随着时间流逝而留下的印记，在作者笔下，不再是衰败的象征，反而成为了一种独特的美学体验。我尤其喜欢书中关于“枯山水”的章节，那种极简的构成，通过砂石、苔藓和几块石头，便能营造出无限的意境，让人在想象中遨游。这种“少即是多”的设计理念，在当今过度消费的时代，显得尤为珍贵。这本书就像一位智者，用含蓄而深邃的语言，引导读者去感受一种更为内敛、更为深刻的美，它教会我们如何从平凡中发现不凡，如何在短暂中体会永恒。

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《和风赏花幕：日本设计美学的演绎》这本书，简直是为那些渴望在喧嚣都市中寻觅一隅静谧心灵的读者量身定做的。我尤其被书中关于“移景”概念的解读所吸引。它不是简单的风景描摹，而是将自然之美巧妙地引入室内，通过窗棂、隔扇，将室外的四季变化，甚至是远处的一抹山色，都化为室内空间的一部分。这种“内外相融”的设计哲学，在书中被阐释得淋漓尽致。我甚至能够想象到，在这样的空间里，一个悠然的午后，捧着一本古籍，品一杯清茶，看窗外竹影摇曳，感受那种回归自然、返璞归真的状态。书中的插画也极其精美，线条简洁却又不失韵味，将各种花卉的姿态表现得栩栩如生，仿佛能闻到淡淡的香气。那些关于茶室、和室的细节描述，更是让我对日本传统居所的雅致与功能性有了全新的认识。这本书不仅仅是知识的灌输，更是一种生活态度的引领，让我开始重新审视自己的居住环境，思考如何在其中融入更多自然与美学的元素。

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耐人寻味～～～

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蚊香笑尿。做得像PPT，内容像presentation。而且为什么现在搞设计的都会拿符号学跳大神==

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65至84页重复装订，容易脱页。