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出版者:西安交通大学出版社

作者:马西平

出品人:

页数:157

译者:

出版时间:2008-11

价格:18.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787560510507

丛书系列:

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古琴演奏入门与精进 一部系统梳理古琴历史、文化、演奏技法与曲目赏析的权威指南 本书特点： 溯源而上，深度解读古琴文化： 详述古琴在中国古代文人阶层中的地位演变，从《诗经》、《礼记》中的记载，到历代琴学大家如嵇康、郭沔、严澂的理论构建，为读者提供一个坚实的文化背景。 技法解析，由浅入深，精细入微： 针对初学者从零开始，详细讲解调音、持琴、坐姿等基础规范，重点剖析“基础指法”——如八法（弹、挑、勾、剔、抹、啄、扣、摘）的正确手型、力度控制与音色美学。进阶部分则深入探讨“散、泛、按”三大技法的变化运用，特别是徽位、上徽与下徽的精准触点，以及如何通过“进退”和“往来”的指法组合，营造出丰富的音乐层次感。 曲目精选与赏析，兼顾经典与技巧： 本书精选了十余首不同风格、不同难度级别的代表性曲目，如《流水》、《广陵散》、《梅花三弄》、《平沙落雁》等。每首曲目均附有详细的指法谱注（工尺谱与减字谱对照讲解），并辅以对该曲的历史背景、情感内涵及演奏重难点的分析，确保读者在掌握技法的同时，能真正理解和表达音乐的意境。 科学的练习方法与进阶路径： 提供了科学的练习模块设计，指导学习者如何分配练习时间，如何通过慢速模仿、分解练习、注重气韵来提升演奏水平。同时，对如何发展个人的“琴音”风格，如何处理乐曲中的“虚实”变化，提供了富有启发性的指导。 --- 第一部分：古琴的“形”与“神”——基础构建 第一章：溯源：穿越千年的七弦之音 古琴，作为中国最古老的弹拨乐器之一，其历史可以追溯到三千多年前的尧舜时代。它不仅仅是一种乐器，更是中国古代“士”的修身养性之器。本章将带领读者走过古琴的演化历程：从早期的五弦琴到周代的七弦琴的确立；从汉代的“琴志”，到魏晋南北朝时期文人雅士对琴学理论的奠基。我们将详细探讨“琴、瑟、筝”在古代的区别，明确古琴的独特地位。 琴体结构详析： 深入剖析琴体的各个部件——面、底、岳山、轸、徽位、琴轸等，理解它们如何共同作用于音色的生成。对不同材质（如杉木、梓木）和不同时期（如宋徽宗“冷香丸”时期）的琴体特点进行对比介绍。 徽位与定位： 详细解释古琴上十三个徽位的命名及其与泛音、按音的物理关系。学习如何通过视觉和触觉快速定位这些关键点，这是准确演奏的前提。 第二章：调音与坐姿：演奏的基石 演奏古琴，对演奏者的状态要求极高。本章聚焦于准备工作，确保身体与乐器达到和谐统一。 七弦定音法详解： 介绍古代常用的“弦度法”（以竹节或特定的参照音确定音高）以及现代常用的“固定音高法”（以钢琴或音叉定音）。重点讲解“宫、商、角、徵、羽”五音的音高关系，以及常用的调式（如正宫调、六字调等）。 规范的坐姿与持琴： 姿势决定气息与指力。细致描述正确的坐姿、身体重心分配、以及如何稳固地放置古琴，防止琴体晃动影响演奏。介绍手部的自然放松与支撑结构，为后续指法练习打下坚实基础。 第二部分：指法入门与音色雕琢 第三章：基础指法（上）：右手“弹挑”的初步训练 右手是古琴发声的主要来源，其技法复杂精妙。本章集中训练最基础的八法中的“弹”与“挑”。 “弹”与“挑”的动作分解： 强调指尖的触弦角度、击弦的力度与回弹的速度。讲解如何通过不同的触弦深度和速度，在同一根弦上演奏出“清音”和“浊音”。 练习曲目与技巧强化： 选取如《小放 গোষ্ঠী》中的基础音阶练习，重点关注左右手的协调性。引入“长短音”的概念，训练手指的独立性和均匀性。 第四章：基础指法（下）：内敛的“勾剔”与外放的“抹啄” 本章深入学习内收、向内的指法，这些技法往往决定了乐句的连贯性和情绪的内敛表达。 “勾”与“剔”： 详细解析“勾”的动作要领——指甲的内侧或正面贴弦，如何利用腕部的带动力量，发出清晰、内敛的声音。重点区分“勾”与“抹”在方向和力点上的细微差别。 “抹”与“啄”： 探讨“抹”法在多弦扫弦中的运用，以及“啄”法（通常与“挑”配合使用）的快速交替技巧。通过合练“弹挑勾剔”，形成完整的右手基础循环。 第五章：按指的精微：左手技巧的建立 左手在古琴演奏中负责“按、滑、吟、揉”，是塑造音乐表情的关键。 按音的准确性与稳定性： 强调按音时手指要垂直于弦，指腹或指尖要靠近徽位，以确保音准。讲解如何通过手指的“立、沉、聚”来控制按音的力度，避免“沙音”。 滑音（上行与下行）： 详细区分“上行滑音”（如“上”、“进”）和“下行滑音”（如“退”、“复”）。分析滑音的“速度”与“幅度”对乐曲情绪的影响，例如慢滑的“悠长”与快滑的“急促”。 吟、猱、绰、注的内涵： 深入解析吟、揉等装饰音的技法，理解它们如何模仿人声的叹息、哭泣或欢愉。指导读者如何通过手腕和手指的微小振动，为长音增添“生命力”。 第三部分：曲目研习与意境表达 第六章：初识减字谱与工尺谱 古琴谱的学习是演奏的钥匙。本书采用直观方式帮助读者掌握这两种独特的记谱法。 减字谱的结构解析： 逐一拆解“散”、“上”、“下”、“进”、“退”、“勾”、“剔”等符号的含义，学会如何从谱子上准确复原指法、弦位和徽位。 工尺谱的对照学习： 将常见的工尺谱与减字谱进行对应，特别是对“宫”、“商”、“角”等音名在谱上的标记进行清晰标注，帮助读者建立起视觉上的关联。 第七章：经典曲目入门精讲 选取三首不同风格的入门级曲目进行深入分析。 《梅花三弄》： 侧重于“泛音”的练习，解析散音、泛音、按音在乐曲中的转换节奏。重点指导如何通过泛音的疏密，表现梅花傲雪的清冷意境。 《酒狂》： 探讨不规则节奏与快速指法组合，训练手指的灵活性与爆发力。分析该曲中模仿醉态的“错位”和“跳跃”感是如何通过指法实现的。 《平沙落雁》： 着重于“意境”的表达。指导如何使用大段的吟揉和滑音，模仿大雁展翅高飞、盘旋降落的感觉，强调气息的连贯性。 第八章：进阶技巧：散、泛、按的融合与“气韵”的追求 当掌握了基本指法后，如何将这些技巧有机地结合起来，形成流畅的音乐，是本章的核心。 “散”音的力度变化： 探讨散音在乐曲开头、结尾及段落连接中的作用，如何通过散音的轻重缓急来奠定或结束乐曲的氛围。 泛音的节奏处理： 进阶练习连续的泛音组（如三弦、四弦的连续泛音），要求音色统一且节奏稳定。 处理“虚”与“实”： 探讨古琴音乐中“虚实”的哲学含义——“实”指明确的音符，“虚”指音与音之间的空隙、气息的停顿。指导读者如何通过控制指尖的“离弦”速度，来调节乐曲的呼吸感。 第四部分：养护与发展 第九章：琴的保养与修复基础 一把好琴需要精心呵护。本章提供日常的保养常识，确保乐器长久保持最佳音质。 温湿度控制： 强调古琴对环境湿度的敏感性，指导如何选择合适的放置环境，避免暴晒或受潮导致琴体开裂或漆面受损。 日常清洁与处理： 介绍使用特定材料清洁琴面、琴弦的正确方法，避免使用化学清洁剂。 第十章：古琴的传承与未来展望 鼓励学习者超越教材，走向自我探索。 聆听与模仿： 推荐历代名家的经典录音版本（如管平湖、吴景略、龚一等），指导学习者如何带着“批判性思维”去聆听，吸收不同流派的演奏特点。 个性化风格的探索： 强调技法是基础，风格是灵魂。引导读者将自身的情感体验融入到演奏中，形成独特的“琴风”。 --- 本书适合对象： 对中国传统音乐文化有浓厚兴趣的初学者。 希望系统学习古琴演奏技法，避免走弯路的自学者。 零基础入门，渴望在短期内掌握古琴基础并能独立演奏简单曲目的爱好者。 现有学习者，希望通过深入的理论解析来提升演奏意境与指法精度的中级演奏者。

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读了市面上好几本电子琴教材后，我发现很多书都有一个共同的弊端：它们要么过于学术化，充满了深奥的术语和理论推导，让人望而却步；要么就是过于娱乐化，仅仅停留在流行歌曲的简易改编上，缺乏体系。而这本教程非常精准地找到了一个完美的平衡点。它在引入乐理知识时，总能做到“润物细无声”。例如，在教授琶音技巧时，作者并没有直接抛出“琶音”这个词，而是先设计了一组需要快速跨越多个音的练习，待读者自然而然地感受到这种连贯演奏的流畅性后，才引入“琶音”的正式概念，并解释其在电子琴上如何通过特定节奏型实现。这种基于实践感受进行理论升华的教学路径，让知识点不再是孤立的记忆单元，而是有机的经验总结。我个人认为，对于想要扎实打好基本功，未来不想被局限于某一特定曲风的学习者来说，这本书提供的坚实基础是无比宝贵的，它教会的不是“怎么弹”，而是“为什么这么弹”。

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这本书的编排实在让人眼前一亮，它没有像市面上大多数教材那样堆砌枯燥的乐理知识，而是非常注重实战性和趣味性。比如，书中对和弦的讲解部分，简直是为我这种零基础的初学者量身定制的。它不是简单地告诉你C和弦由C、E、G组成，而是通过一个非常形象的比喻——就像搭建积木一样，一步步引导你理解和弦的构成原理和在不同风格音乐中的应用。更绝的是，它还穿插了很多当下流行歌曲的简化版谱例，让你在学习基本指法的同时，就能立刻上手弹奏出耳熟能详的旋律，这种即时满足感极大地激发了我继续学习下去的动力。我记得我刚开始学的时候，对着那些密密麻麻的五线谱感到头大，但这本书里，它用大量的图示和表格清晰地展示了电子琴键盘上的音符位置和手型，即便是从来没有接触过乐器的人，也能迅速找到方向。它对于节奏感的培养也有一套独到的方法，书中提到了一些“跟着心跳学节奏”的小练习，比起单纯的节拍器枯燥重复练习有效得多。总的来说，这本书更像是一位耐心又充满创意的私人老师，它懂得如何化繁为简，让复杂的音乐知识变得平易近人，让学习过程充满探索的乐趣。

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最让我感到惊喜的是，这本书对电子琴这件乐器的“电子”属性的挖掘深度。很多教程都把电子琴当作钢琴的替代品来教，忽略了它自带的丰富音色库和节奏伴奏功能。然而，这本书有一个专门的章节详细介绍了如何利用电子琴自带的自动伴奏功能，进行简单的“独奏+伴奏”的配合。它甚至用图表的形式，清晰地演示了如何根据旋律线，手动切换节奏型和和弦标记，让初学者也能快速“假装”自己是一个小型乐队的主脑。这种前瞻性的教学角度，极大地拓宽了电子琴的演奏场景。此外，书中对维护和常见故障排除也有简短但实用的介绍，比如如何清洁琴键、如何正确连接外部设备等，这些都是在其他教学书中很少能看到的实用信息。可以说，这本书不仅是一本演奏指南，更像是一本完整的“电子琴使用手册”，它覆盖了从购买、学习、演奏到维护的全生命周期，体现了作者对教学对象需求的全面关怀。

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坦白讲，我买这本书之前其实是抱着试试看的态度的，因为市面上的“自学”教程往往到后期都会显得力不从心，很多关键的技巧和进阶内容只是草草带过。然而，这本书在曲目编排和难度递进上展现出的专业性和细致度，完全超出了我的预期。它不是那种“什么都教一点点”的百科全书式教材，而是专注于将电子琴的核心演奏技巧——比如滑音、颤音、分奏等——进行系统且深入的剖析。书中对于“音色选择与控制”那一章的论述尤其深刻，它没有停留在“按这个按钮就是钢琴音色”的层面，而是探讨了不同音色在不同情感表达中的作用，甚至提供了如何通过调整延音和力度来模仿真实管弦乐器的技巧。对于追求演奏质量的爱好者来说，这部分内容简直是宝藏。我特别欣赏作者在讲解复杂段落时，会提供“慢速分解练习方案”和“常见错误纠正”两个小节，这确保了学习者在遇到瓶颈时，总能找到精准的突破口。这种注重细节、力求完善的编辑思路，让我在使用过程中极少感到迷茫，它真正实现了“自学”的承诺，让我在家中也能享受到接近专业指导的系统性训练。

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这本书的装帧设计和排版风格，透露出一种古典与现代交融的美感，这对于一个学习艺术的门外汉来说，也是一种无形的熏陶。我尤其喜欢它在曲谱展示上的处理方式。它没有采用那种死板的、全是黑白线条的传统乐谱，而是巧妙地结合了彩色的键盘图示和手位标记，即使是对乐理一窍不通的朋友，也能通过颜色和位置的对应关系，迅速理解哪个手指应该放在哪个键上，弹奏出正确的音符。这种视觉化的教学方式，极大地缩短了从“看”到“弹”的认知距离。此外，书中的一些附加章节，比如“如何为你的演奏录音”或者“基础的即兴伴奏概念入门”，都是非常贴近现代音乐实践的内容。这些内容超越了单纯的“弹会一首歌”的层面，开始触及到音乐创作和自我欣赏的领域。它鼓励读者不仅仅是工具的操纵者，更是音乐的表达者。阅读过程中，我感受到的与其说是学习乐器，不如说是在进行一场充满逻辑性和创造性的思维游戏，让人欲罢不能。

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看不了啊

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怎么看不了

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