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出版者:北京大学出版社

作者:陈晓春

出品人:

页数:420

译者:

出版时间:2005-1

价格:48.0

装帧:平装

isbn号码:9787301078143

丛书系列:

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电影与电视剧的深度解析：从创意到荧幕的幕后之旅 图书名称： 电影与电视剧的深度解析：从创意到荧幕的幕后之旅 内容简介： 本书旨在为所有对电影和电视剧制作流程怀有浓厚兴趣的读者提供一份详尽且深入的行业指南。我们聚焦于从概念诞生到最终成品问世的全过程，剖析每一个关键环节所蕴含的艺术性、技术挑战以及管理学原理。这不是一本关于“如何拍摄”的简单操作手册，而是一份关于“如何构建一个可行、高效且富有创造力的制作体系”的深度思考录。 第一部分：创意的孵化与开发——故事的源头活水 本部分将追溯影视作品诞生的起点：创意。我们将探讨灵感的捕捉、市场需求的洞察以及概念的初步筛选。 章节一：剧本的生命周期——从草稿到蓝图 一个引人入胜的故事是影视作品成功的基石。本章将详细阐述剧本创作的结构主义理论，包括三幕式结构、英雄之旅模型以及非线性叙事在当代影视中的应用。我们不仅关注情节的跌宕起伏，更深入分析人物弧光的塑造，以及如何通过对话和场景调度提前为后续的制作环节埋下伏笔。同时，探讨“开发阶段”中的剧本修改（Rewrites）是如何与投资方、导演的愿景进行多方博弈和平衡的过程，以及如何评估一个剧本的“可制作性”（Feasibility）。 章节二：前期准备的战略部署——资源整合与风险评估 一旦核心概念和剧本确定，前期准备工作便拉开了序幕。本章侧重于“制片人视角”下的战略规划。我们将分析如何根据剧本对预算进行初步匡算，并建立详细的“成本估算模型”。这包括对主要演员的谈判策略、外景地的勘察与锁定、以及技术选型的初步决策。特别关注在跨国合作或涉及复杂特效的场景中，如何提前识别并建立风险规避机制，例如保险的购买策略和法律合同的拟定要点。 第二部分：制作的熔炉——现场执行的艺术与科学 制作阶段是创意真正被实体化的过程，也是对管理能力要求最高的阶段。本部分将详细解构现场执行中的各个专业部门如何协同运作。 章节三：导演的视觉语言与场景调度 导演是现场的最终决策者，本章将探讨导演如何将剧本转化为可拍摄的视觉方案。深入剖析运镜（Camera Movement）的选择、布景与灯光的哲学意义，以及如何有效地与摄影指导（DP）沟通，确立统一的视觉风格。我们将分析不同拍摄风格（如写实主义、表现主义）对演员表演的要求和现场调度的影响。此外，处理突发状况——天气变化、演员状态不佳——时的应变艺术也将是本章的重点。 章节四：美术部门的构建：从概念艺术到实景还原 美术部门是构建“世界观”的核心。本章将细致区分美术指导（Production Designer）、场景设计师和道具师各自的职责。重点分析如何通过材质、色彩和比例来服务于故事的主题。例如，在历史题材中，如何平衡历史准确性与视觉冲击力；在科幻题材中，如何运用前沿技术（如3D打印、数字建模）来快速实现概念设计。我们还将探讨道具采购、定制与管理的流程，确保每一个细节都精准到位。 章节五：声音的雕塑——录音、混音与情绪的放大器 声音在影视作品中的作用常常被低估。本章深入探讨现场录音的挑战，包括如何处理环境噪音、确保对白清晰度，以及选择合适的麦克风技术。随后，我们将转向后期声音设计，分析拟音（Foley）、环境音效的收集与创造，以及混音工程师如何在动、静、声场空间中进行微妙的平衡，从而引导观众的情绪走向。 第三部分：后期的精雕细琢——从素材到成品的蜕变 后期制作是“第二次创作”的过程，是技术与艺术交汇的复杂战场。 章节六：剪辑的节奏学与叙事重构 剪辑师是故事的最终守护者之一。本章将解析剪辑理论，包括“连续性剪辑”、“跳切”等手法在不同类型片中的效用。我们将剖析素材管理的重要性，以及“粗剪”（Assembly Cut）、“精剪”（Fine Cut）直至“锁定版本”（Picture Lock）的迭代过程。如何通过剪辑的节奏（Pacing）来控制观众的悬念感和情感释放，是本章探讨的核心。 章节七：视觉特效（VFX）的集成与流程管理 在当代的影视制作中，特效已不再是锦上添花，而是结构的一部分。本章将详细梳理VFX的制作流程，从“预可视化”（Pre-visualization）到“拍摄中的捕捉”（On-set Supervision），再到最终的“合成”（Compositing）。我们将讨论如何有效地与特效公司沟通，确保他们提供的素材能无缝融入实拍画面，并评估不同特效方案（如实景特效与数字特效的组合）的成本效益。 章节八：调色与母带制作——确立最终的视觉情绪 调色（Color Grading）是赋予影片最终氛围的关键步骤。本章将解释色彩科学基础，分析“色彩方案”（Color Palettes）如何与影片的主题和人物情感相呼应。我们将探讨数字中间片（DI）流程，以及如何确保最终成片在不同放映平台（影院、流媒体、电视）上都能保持一致的视觉质量和标准。 第四部分：发行、营销与版权的商业闭环 制作完成只是万里长征的第一步。本部分将探讨作品如何到达观众手中，并实现其商业价值。 章节九：发行策略的制定与市场推广 本章聚焦于电影和剧集的“窗口期”策略。我们将分析院线发行、数字点播（VOD）以及传统电视播出的先后顺序和市场逻辑。重点探讨市场营销活动的设计，包括预告片的剪辑艺术、社交媒体的病毒式传播策略，以及如何利用影评人和口碑效应来最大化作品的曝光率和票房潜力。 章节十：版权、许可与衍生价值的开发 影视作品的生命周期远超首轮放映。本章将涵盖版权保护的基础知识，包括国际发行许可的谈判、周边商品的开发授权，以及音乐版权的管理。理解这些“后期收入流”对于制片方进行可持续发展至关重要。 本书通过对上述十个核心环节的系统性梳理，旨在为读者提供一个宏大而精微的鸟瞰图，理解一部影视作品从无到有的复杂、协作与挑战，是理解当代媒介产业运作逻辑的必备读物。

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读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一次全面的行业‘体检’。它将原本看似散乱的制片流程梳理得井井有条，条理清晰到令人赞叹。我最欣赏的地方是它对‘人’的重视。书中强调，再精密的计划也抵不过一个高效、专业的团队。作者花费了大量篇幅阐述如何组建一支‘梦之队’，以及如何在拍摄现场处理各种突发的人际冲突和沟通障碍。这种注重实操、强调情商与管理能力的叙事方式，比那些空泛的理论陈述要来得实在得多，让我对‘幕后英雄’的工作有了更深层次的理解和敬意。

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这部书的深度和广度令人印象深刻，尤其是在探讨影视工业的运作机制方面。它不仅仅停留在理论层面，更是深入剖析了从项目启动到最终播出的每一个关键环节。我特别欣赏作者对于风险管理和预算控制的独到见解。在当今这个变化莫测的市场环境下，如何平衡艺术追求与商业现实，这本书提供了一套系统且实用的框架。它没有回避那些行业内常见的‘灰色地带’和潜在的陷阱，反而直面问题，为从业者提供了一份清醒的路线图。无论是对于初入行的制片人，还是资深人士，都能从中汲取宝贵的经验，避免走弯路。

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对于我们这些长期关注文化产品市场趋势的人来说，这本书的价值在于它提供了一个‘反向工程’的视角。它不仅告诉你如何把一个项目做出来，更重要的是，它告诉你如何‘卖出’这个项目，并确保它能达到预期的社会和经济效益。特别是关于IP的孵化和价值最大化那几章，简直是宝藏。作者的分析非常犀利，直指当前内容生产的痛点——同质化和审美疲劳。这本书无疑是帮助我们跳出‘内容生产陷阱’的一剂良药，让制片思维不再局限于单一的制作环节。

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这本书的结构设计非常巧妙，每一章节都像是一个独立的单元剧，但最终又汇聚成一个完整而宏大的制片史诗。我特别喜欢它在讨论技术革新时所展现出的前瞻性。在AI、虚拟制作等新技术层出不穷的今天，作者没有沉溺于追逐热点，而是冷静地分析了这些技术将如何从根本上重塑制片部门的职能和人员构成。这种务实而又具有预见性的分析，使得这本书的参考价值能够在未来很长一段时间内保持其生命力，绝对是值得反复研读的案头必备工具书。

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这本书的叙事风格非常独特，它不像一本教科书那样刻板，反而更像是一部经验丰富的‘行业老炮’在深夜茶馆里跟你分享的肺腑之言。它充满了鲜活的案例和生动的细节，让你仿佛能闻到片场的尘土味儿，听到导演的争吵声。它没有回避创作中的妥协与挣扎，那些关于版权谈判、发行策略的描述，简直是教科书级别的‘防坑指南’。我曾以为制片工作就是简单地协调资源，但这本书彻底颠覆了我的认知，让我明白这背后是多么精密的数学、心理学和艺术的结合体。

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通俗易懂，能使人对制片工作有个大致了解。但感觉有点浅，案例占了很大篇幅。内容有重复，例子也是，感觉反反复复就举那几个电视例子。毕竟写的挺早的，例子也缺乏新鲜性与时代性。

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这类书其实需要勤出新版。

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