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出版者:四川人民出版社

作者:陈多

出品人:

页数:374

译者:

出版时间:2001-9

价格:24.0

装帧:平装

isbn号码:9787220056154

丛书系列:

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《声韵流转：古典诗词的音乐性与意境探微》 图书简介 本书并非聚焦于舞台艺术的声腔结构或美学流派，而是深入探究中国古典诗词（尤其以唐诗、宋词为主体）在文学语言层面所蕴含的音乐性本质与空间意境的构建。我们旨在揭示，即便脱离了实际的吟诵或谱曲，那些凝练的文字本身是如何通过其音韵格律、词汇选择与句法安排，实现了对听觉、情感和想象空间的深刻调动。 第一编：文字的音律之舞——诗词的内在音乐性 古典诗词的美学成就，很大程度上建立在其严谨而又灵活的格律之上。本编将超越传统格律学的枯燥描述，侧重于分析音律如何在文学体验中发挥作用。 第一章：平仄的张力与呼吸 不同于现代文学强调的自由节奏，古典诗词的音乐性首先体现在其声调的交替运用上。本章将详细探讨平声与仄声（上、去、入）的组合模式如何影响诗句的“心跳”与“呼吸”。 节奏的生成机制： 分析七言律诗中“一三五不论，二四六分明”的内在逻辑，并非仅仅为了形式工整，而是为了在朗读时产生一种抑扬顿挫的流淌感，避免单调。例如，如何通过仄声的密集使用来营造紧迫、悲怆或开阔的听觉效果，而平声的连绵则带来悠远、宁静或舒缓的意境。 韵脚的张力释放： 探讨韵脚在诗歌结构中的“锚定”作用。韵脚不仅是形式上的要求，更是情感和意境在句末的集中爆发点或回响点。我们将对比不同韵部的特性（如上平声的清亮与下平声的沉郁），分析诗人如何利用韵部的转换来完成一次情绪的转折或意境的升华。 第二章：词汇的音色与质感 诗词的音乐性不仅在于声调高低，更在于词汇本身所携带的“音色”（Phonetic Color）。 舌尖音与舌根音的对比： 分析以“t、d、n、l”等清晰音为主的词汇（如“独立”、“寒冷”）与以“k、g、h”等摩擦音为主的词汇（如“萧瑟”、“古道”）在听觉上的不同质感。诗人如何巧妙地将这些音色配置在特定的情境描述中，使词语的“声音”与描摹的“景象”达到感官上的同构。 叠词与复沓的韵律强化： 探讨叠词（如“依依”、“茫茫”）和句式复沓在增强诗歌节奏感和旋律感上的作用。这种手法制造了一种回旋往复的听觉效果，极大地强化了情绪的渗透力与画面的定格感。 第二编：意境的叠层与空间塑形 古典诗词的另一核心美学在于其对“意境”（Atmosphere/Imagery Field）的营造能力。本编将着重分析诗词如何通过精炼的语言，在有限的空间内构建出广阔、深邃或幽微的心理与物理空间。 第三章：时空的错位与并置 诗词并非线性叙事，其高妙之处在于能将不同时间点或不同空间层次的意象进行并置，从而产生超越现实的丰富内涵。 “此时此地”与“彼时彼处”的交织： 分析如“明月松间照，清泉石上流”中，诗人是如何通过光影的描绘，将“松间”的幽暗与“石上”的清亮同时纳入画面，形成一种立体化的听觉感知。 静默中的动态描绘： 探讨如何利用极简的动词和形容词，在看似静止的画面中暗示着时间的流逝或主体的内在活动。例如，对“风吹草低见牛羊”中“低”这一动作的瞬间捕捉，如何展现出草原的广阔与风力的强劲。 第四章：留白与虚实相生的美学 诗词的意境之深，往往在于其“未尽之言”。本章聚焦于中国古典美学中至关重要的“留白”概念，将其视为一种主动的听觉缺席。 意象的隐喻与延展： 分析某些核心意象（如“残月”、“孤舟”、“空山”）是如何通过其文化积淀，在被提及的瞬间，自动激活读者心中一系列相关联的画面和情绪。这种激活依赖于读者对传统意象库的内在共鸣。 从“象”到“意”的跳跃： 阐释诗句如何通过具象描摹，最终导向对哲理、生命感悟或抽象情感的表达。这种跳跃并非突兀，而是通过音韵的收束和词汇的凝练达成的意境的压缩与释放。我们将考察“一切景语皆情语”在空间构建层面上的体现——景色的选择本身就是情感的投射。 第三编：诗词语言的提炼与审美功能 本编将回归到语言的本质，探讨古典诗词如何通过极致的凝练，实现对日常语言的升华，并形成独特的审美体验。 第五章：炼字之功——单音节词的冲击力 古典汉语的单音节词汇（如“霜”、“寒”、“逝”、“归”）拥有比现代多音节词汇更强的音节冲击力和语意密度。 语气的凝聚与密度： 分析单字词在句中的排列组合如何构建出强烈的节奏感和画面感。一个“冷”字和一个“冰凉”的词在听觉和心理层面带来的震撼是完全不同的。这种炼字手法是构建古典诗词独特“短促而深远”审美体验的关键。 第六章：格调的形成与情感的普适性 最后，我们将讨论诗词意境和音律的完美结合如何形成其独特的“格调”（Tone/Style）。 从个人哀乐到群体共鸣： 分析如“黍离之悲”或“家国情怀”等宏大主题是如何通过特定的音韵组合（如沉郁的仄声和深厚的意象）被成功地“编码”进诗词之中，从而实现了跨越时空的情感普适性。这种格调的形成，是声音、意象与哲思三者张力平衡的结果。 结语：超越舞台的听觉遗产 《声韵流转》旨在证明，即便在没有锣鼓伴奏的静默阅读中，古典诗词依然是一门高度结构化、充满内在旋律与空间构造的听觉艺术。它要求读者以一种“内在的耳朵”去聆听文字的张力、节奏的起伏和意境的幽远，从而获得一种独特的、超越视觉感官的文学审美愉悦。本书为所有热爱古典文学，并希望探究其深层结构美学的读者，提供了一个全新的解读视角。

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这本《戏曲美学》的书籍，我翻阅下来，感觉它更像是一部深邃的戏曲理论宝典，而不是我原本期待的那种轻松愉快的审美指南。我原以为会读到一些关于舞台调度、服装色彩如何烘托人物情感的直观描述，或者是一些经典剧目的赏析，带着一种“如何欣赏美”的视角去解读戏曲的魅力。然而，作者的笔触却似乎更倾向于挖掘戏曲背后的哲学根基和历史脉络。书中花了大量的篇幅去探讨“程式化”的意义，那种对时间、空间在舞台上被抽象化处理的深度剖析，对我这个初涉戏曲美学的读者来说，无疑是有些门槛的。比如，书中对“虚拟性”的论述，它不是简单地讲“马鞭就是马”，而是深入到本体论的层面去解释，这种虚拟是如何构建起一个独特的艺术时空，并与观众达成一种心照不宣的契约。整本书的语调是严谨且学术化的，大量引用了古籍中的论述，使得阅读过程需要极高的专注度。我个人觉得，如果对戏曲艺术的本体论和形而上层面感兴趣的专业人士，这本书无疑是一份极好的参考资料，但对于仅仅想提升自己日常观剧体验的普通爱好者来说，可能需要做好心理准备，因为它提供的知识密度远超一般入门读物。我合上书页时，脑海里萦绕的不是优美的唱腔，而是那些晦涩却又令人深思的理论框架。

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我买《戏曲美学》纯粹是因为我对舞台美术，尤其是戏曲脸谱和扮相的象征意义非常好奇。我一直觉得，一张脸谱本身就是一个浓缩的文化符号系统，里面蕴含了人物的性格、命运乃至阶层信息。我希望能在这本书里找到关于色彩学、符号学在戏曲脸谱设计中的应用，或者至少是关于不同行当在舞台形象塑造上的美学原则。然而，这本书对这些具象化的美学元素几乎是“一笔带过”的。作者的笔墨更多地投向了对“悲剧审美”和“喜剧审美”在传统戏曲中如何被解构和重构的探讨。比如，书中用极大的篇幅分析了“以乐景写哀情”的艺术手法，这种反差美学如何服务于中国传统文化中“含蓄”的表达方式。虽然这种分析很有深度，展现了作者深厚的文学素养，但对于一个想了解舞台视觉语言的读者来说，就显得有些“舍本逐末”了。书中的论证过程非常依赖逻辑推演，很少有直接的案例分析来佐证观点，使得整个阅读体验偏向于枯燥的哲学思辨。如果我需要了解的是“为什么这个红色脸谱代表忠勇”，这本书大概率会告诉我“忠勇在古代文化体系中的位置及其与火元素的关系”，而不是直接的视觉解读。

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我坦白，我希望这本《戏曲美学》能为我打开一扇通往“戏曲的魅力源泉”的大门，特别是那种能让观众沉浸其中的、近乎迷幻的舞台体验。我尤其关注那些非语言的表达，比如水袖的翻飞、身段的舒展，它们是如何超越语言本身，直接作用于观众的情感神经的。我期待书中能有详细的图解或者案例分析，展示某一个特定“亮相”动作是如何在美学上达到极致的。然而，这本书对这些表演技巧层面的讨论几乎是吝啬的，它将焦点完全放在了“意境的营造”和“情理的平衡”这一宏大叙事上。书中花费了巨大的篇幅去论证“虚实相生”的辩证关系，试图用这种思辨的方式来解释戏曲艺术的全部精髓。这种过于宏大和抽象的视角，使得我阅读时总感觉隔着一层玻璃在看戏，无法真正感受到那种扑面而来的艺术冲击力。书中的论述逻辑严密，结构完整，但阅读过程更像是在完成一项智力挑战，而非享受一次审美熏陶。对于追求具体美学元素解析的读者而言，这本书提供的理论高度，可能过高了些。

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不得不说，拿到这本《戏曲美学》时，我其实是带着一丝期望的，希望能看到一些关于“流派”之间审美差异的精彩对谈。比如，梅派的雍容华贵与尚派的刚劲洒脱，在美学层面上究竟是如何殊途同归又各有侧重的。遗憾的是，这本书的关注点似乎完全避开了这种具体的、可感知的流派分野。它更像是从更宏观的“中国古典艺术精神”这个角度去切入戏曲的审美特征，谈论的更多是“气韵生动”、“意境营造”这类抽象概念，而且论证过程相当繁复。我特别注意到，书中对“五音与五行”的关联性有非常详尽的阐述，试图用古代的宇宙观来解释戏曲的音乐结构，这部分内容在我看来，与我们现在听到的实际唱腔之间的跳跃感太大了。我期待的是能读到，为什么某个角色的一个亮相会让人心神俱颤，那种情感冲击是如何通过美学形式达成的，而不是沉溺于对古代典籍中关于“声律”的考据。这本书的文字风格极其古典，大量使用长句和排比，读起来有一种庄重感，但同时也牺牲了阅读的流畅性。它更像是一部研究报告，而非一本面向大众的审美普及读物。读完之后，我反而对如何实际去感受舞台上的美感感到更迷茫了，因为所有的美都被提升到了理论的高度，反而失去了落地的触感。

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这本书的“美学”二字，在我看来，更接近于“哲学”的范畴，它探讨的是艺术的“道”，而非艺术的“术”。我本来是想找一本能指导我如何欣赏昆曲的韵味，或者如何区分京剧不同板式的节奏之美的书。我期待能读到一些关于舞台空间处理的精妙之处，比如演员如何利用有限的舞台调动观众的想象力，那种空间调度带来的视觉张力。遗憾的是，《戏曲美学》里充斥着大量关于“中和之美”、“阴阳辩证”等传统哲学思想在戏曲结构中的投射。书中对“戏”与“非戏”的界限划分进行了漫长的辩论，这无疑是对戏曲本质的深入挖掘，但对于我这种侧重于“表演艺术”层面的读者来说，感觉像是在读一本晦涩的古代哲学导论。书中的语言风格非常典雅，句式结构复杂，充满了对传统文化语境的依赖，使得一些现代读者在理解上会感到吃力，需要频繁查阅注释或反复阅读。它提供的知识是高屋建瓴的，但缺乏那种能立刻在剧场里被验证和感受到的“可操作性”美学观察点。

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戏曲的物质媒介决定其特殊性；写意戏剧观的《易经》渊源（形而上者谓之道，形而下者谓之器）；动人以情（抒情文学性而非叙事性）；美形取胜（美学观念支配表演形式；歌舞为主构成形式追求）

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写得很认真，全是干货。很感佩！

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写得很认真，全是干货。很感佩！

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受益匪浅，戏曲美学干货之作，许多学术观点都十分精进新颖，虽然书比较老，可怎奈我是个新手渣渣。好书，鉴定完毕。

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写的有点乱 书有点老。 让我死 让我死 让我死。