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出版者:成都时代出版社

作者:王鹰

出品人:

页数:257

译者:

出版时间:2005-07-01

价格:32.00

装帧:平装

isbn号码:9787807050476

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音乐理论与实践的桥梁：当代音乐教育新探 本书旨在为音乐学习者提供一个全面、系统且富有启发性的理论与实践结合的学习框架，重点关注西方音乐体系的基石——和声学、曲式结构分析以及演奏技巧的深化。 本书摒弃了传统教材中过于刻板和教条化的叙述方式，转而采用一种更贴近现代音乐创作与理解的视角，引导读者构建起坚实的音乐逻辑思维。 --- 第一部分：和声学的深度构建与应用 第一章：调性体系的再认识与扩展 本章从巴赫时代的传统调性（大调与小调）出发，深入探讨了其内在的逻辑关系、功能和声的运作机制。我们不仅复习了传统的三和弦、七和弦的构成与解决，更着重于功能和声在不同时期（古典、浪漫）作曲家手中的延伸与突破。 导向性音程与色彩和声： 详细解析了九和弦、十一和弦及十三和弦的构建方式及其在色彩营造中的作用。重点分析了如何利用这些复杂和声来丰富音乐的情感层次，而非仅仅停留在和弦的名称记忆上。 半音化和弦的精细处理： 对那波利斯六和弦、减七和弦、增三和弦等半音化和弦的功能与转位进行了详尽的对比分析。特别加入了对这些和弦在浪漫主义后期音乐中如何被用作转调工具或制造紧张感的实例剖析。 离调与转调策略： 不满足于简单的关系调转调，本章着重讲解了“色彩转调”和“和声连接转调”的高级技巧。通过分析莫扎特、肖邦等人的作品片段，展示了作曲家如何巧妙地使用不协和音程或共同音来平滑地过渡到远关系调，保持音乐流动的连贯性。 第二章：对位法——织体构建的智慧 对位法被视为音乐“语法”的核心。本章将对位法的学习置于声部独立性与整体和谐性的辩证统一中进行阐述。 严格对位法的基础训练： 按照“两声部模仿对位”的传统方式，从严格的音程关系开始，逐步过渡到三声部和四声部的对位练习。强调对位线条的旋律性，确保每个声部都能独立歌唱。 赋格曲结构的剖析： 以巴赫的《平均律钢琴曲集》为主要蓝本，系统拆解了主调、应答、间奏、呈示部、展开部和再现部的结构逻辑。本节内容侧重于如何分析主题的动机发展、移位和展开技巧。 自由对位在室内乐中的运用： 超越严格的对位规则，本章探讨了在浪漫主义及二十世纪音乐中，作曲家如何灵活运用对位手法（如自由卡农、叠加对位）来增强织体的密度和对话感，例如在勃拉姆斯室内乐作品中的体现。 --- 第二部分：曲式结构与音乐叙事 第三章：从古典到浪漫的结构演变 理解曲式，即理解作曲家如何组织音乐材料以实现叙事目标。本章聚焦于西方古典主义和浪漫主义音乐中最核心的曲式结构。 奏鸣曲式的内涵与动态： 深入分析呈示部（主题的介绍与对比）、展开部（动机的破碎与冲突）和再现部（解决与统一）这三大板块的功能。重点剖析了“呈示部不完全再现”以及“庞大展开部”的结构变化，以贝多芬的奏鸣曲为例，展示了结构如何服务于戏剧性。 主题与变奏的深度挖掘： 不仅仅是旋律的装饰，变奏曲是对音乐思维极限的挑战。本章区分了“旋律变奏”、“和声变奏”、“节奏变奏”和“织体变奏”，并辅以门德尔松、勃拉姆斯等人的变奏作品进行实例分析。 复调曲式与套曲结构： 对组曲（Suite）和幻想曲（Fantasia）的非固定结构进行了归纳。强调幻想曲中材料的自由流动性与内在的情感连贯性是如何相互作用的。 第四章：现代音乐形式的初步探索 本章将视野拓展至二十世纪及当代音乐，介绍一些新的结构组织方式。 序列主义与十二音技法概述： 简要介绍了勋伯格建立的音列组织原则，重点在于理解其如何打破传统调性中心，建立起新的组织逻辑。 拼贴（Collage）与非线性结构： 探讨了当代作曲家如何通过“剪辑”不同风格或材料片段来构建音乐叙事，这种“非线性”的结构如何影响听者的感知。 --- 第三部分：演奏实践中的理论指导 第五章：音色控制与触键机制的物理学 本章将理论知识与乐器演奏的物理感知相结合，旨在提升演奏者对声音的精确控制能力。 共振与泛音列的演奏应用： 详细解释了泛音列的物理学原理，并指导读者如何利用不同的触键深度、速度和击弦点（针对弦乐器或键盘乐器）来主动激发或抑制特定的泛音成分，从而获得“明亮”、“柔和”或“金属感”等精确音色。 节奏的精确性与灵活性： 在精确掌握节拍的基础上，本章深入探讨了如“重音的动态分布”、“微小的速度弹性（Rubato）”如何服务于音乐的呼吸感。通过对古典时期乐句处理与浪漫主义时期情感释放的对比，说明节奏灵活性的不同尺度。 第六章：力度与表情的心理学基础 力度变化不仅是音量的增减，更是情感强度的体现。 动态范围的层次化： 将传统 $p$ 到 $f$ 的标记细化为更精密的层次（如 $ppppp$ 到 $ffff$ 的实际听感差异），并结合演奏者的生理反馈进行探讨。 表情术语的准确理解： 对意大利语、德语、法语等音乐术语进行系统梳理，强调术语背后的文化和情感意涵，避免机械地执行指令。例如，区分 dolce (甜美地) 与 teneramente (温柔地) 在细微的触感差异。 --- 结语：理论与创造的无界 本书的最终目标是让学习者认识到，音乐理论并非束缚创作的枷锁，而是理解和发展个人音乐语言的强大工具。通过对和声、曲式和演奏技术的深入剖析，我们期望读者能够将这些知识内化为直觉，最终实现理论指导下的自由表达。本书适合所有希望系统提升音乐理解力，并将其应用于深入学习或独立创作的音乐爱好者、学生及教师。

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我对这本《民谣吉他考级标准教程》的教材设计赞不绝口，这大概是市面上最能体现“体系化构建”的教程了。它的分级难度过渡极其平滑，你很难找到一个突然的“陡坡”。比如，初级部分对五线谱和六线谱的对照讲解，非常适合那些既想打下正规乐理基础又想快速上手演奏的学员。而到了中级，它开始引入不同调性下的固定音型练习，这极大地拓展了指板的熟悉度，让我摆脱了长期局限在C调和G调的舒适区。我发现，很多教程往往在曲目选择上过于保守，但这本书的选曲兼顾了经典性和现代性，既有能锻炼基本功的民谣小品，也有一些带有当代指弹元素的片段，让人在学习的每一步都能感受到进步的成就感。整体设计思路非常清晰，就像是为吉他学习绘制了一张详尽的航海图。

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翻开这本《民谣吉他考级标准教程》，我最直接的感受就是它的“实用性”达到了一个新的高度。我之前考过几个其他乐器的等级考试，很多教材的考点和日常演奏脱节，背谱子多过真正理解音乐。这本书在这方面做得非常出色，它把考级要求的曲目融入到了一个完整的技术提升体系中。例如，在涉及到“扫弦节奏型变化”的章节，它不仅仅是给出标准节奏谱，还附带了非常详细的口诀和手型示意图，甚至还提到了不同风格（如乡村、布鲁斯）的扫弦细微差异，这对于想要全面发展的学习者来说，简直是宝藏。我尤其喜欢它关于“和弦转位与色彩”那一块的讲解，它让我明白了为什么同样是C和弦，在不同的歌曲背景下听感会完全不同。这套教程的编排逻辑是“技法服务于音乐表达”，而不是为了考试而练习枯燥的技巧，这一点非常契合我对吉他学习的期待。

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说实话，作为一名已经摸索了几年吉他的“半路出家”爱好者，我对技术手册类的书籍通常抱有警惕心，总怕内容过于陈旧或不接地气。然而，这本《民谣吉他考级标准教程》在保持严谨性的同时，展现出了极强的时代感。它对现代民谣吉他演奏中非常关键的“推弦、闷音（Muting）”等技巧的讲解，运用了现代录音技术的分析角度，比如如何通过麦克风拾音来检验你的闷音是否干净彻底。此外，它对一些进阶乐理知识的融入也相当巧妙，没有采用生硬的符号教学，而是结合具体的指弹曲例来讲解和声进行，让抽象的理论瞬间变得具象化可操作。我感觉这本书不只是教你“怎么弹”，更重要的是教你“如何思考你弹出的每一个音符的意义”，这对于提升演奏的深度非常有帮助。

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我过去尝试过好几本所谓的“速成”教程，结果都是虎头蛇尾，没多久就因为缺乏明确的目标和反馈机制而束之高阁。这本《民谣吉他考级标准教程》的价值就在于它提供了一个明确且可衡量的学习路径。它不仅仅是提供练习曲，更像是提供了一套完整的“自我评估系统”。每完成一个模块的学习，书里都会附带一个“自测环节”，让你对照标准来审视自己的不足，而不是完全依赖老师的即时反馈。我对其中关于“即兴伴奏”的初步引导印象尤其深刻，它没有把它复杂化，而是从最基础的I-IV-V级和弦循环入手，教你如何根据旋律线条进行简单的根音行走和节奏变化，这为后续的自由演奏开启了一扇门。这本书真正做到了将“考级”的结构化与“自我提升”的灵活性完美结合，让人愿意持续地翻阅和实践。

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这本新买的《民谣吉他考级标准教程》真是让我眼前一亮。我一直觉得市面上很多教程都太侧重理论堆砌，或者只教弹唱和弦，缺乏系统性。但这本书不一样，它从最基础的持琴姿势、指甲打磨这种细节入手，讲得非常到位。比如，关于右手拨弦的力度控制，它不是简单地说“要均匀”，而是通过具体的练习方法，比如分指练习的节奏变化，让你真切感受到不同力度对音色圆润度的影响。我花了几天时间按照书里的“基础音阶与琶音模块”进行练习，明显感觉手指的独立性和灵活性提升了一大截。更值得称赞的是，它在古典指法和指弹（Fingerstyle）的衔接部分处理得非常自然流畅，为后续学习打下了坚实的功底。教材中的乐谱排版清晰，很多经典的民谣改编曲目穿插其中，既能保持学习的趣味性，又不至于因为难度骤升而让人望而却步。总的来说，它像一位经验丰富的老琴师在你身边循循善诱，让人感觉每一步练习都是朝着专业化迈进。

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弹过几首|･ω･｀)

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编选的曲目还是略显out。

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民谣级别难以考察，但是乐理还是讲述的比较调理。

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弹过几首|･ω･｀)

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民谣的，我更喜欢小调。不过吉他基础知识书讲得还是比较详尽。