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出版者:University Of Chicago Press

作者:Jacques Derrida

出品人:

页数:402

译者:Ian McLeod

出版时间:1987-7-15

价格:USD 35.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780226143248

丛书系列:

图书标签:

• 德里达
• 哲学
• 艺术
• 法国
• deconstruction+painting
• 藝術
• 解构主义
• 西方哲学
• 绘画艺术
• 真实表达
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• 艺术哲学
• 当代绘画
• 色彩心理学
• 艺术家视角
• 图像真相
• 审美体验
• 文化反思

《画中的真实》 《画中的真实》并非一本探讨绘画技巧或艺术史的工具书，也非一本罗列名人画作背后的趣闻轶事的闲谈集。相反，它深入潜行于艺术创作的肌理之中，试图揭示艺术家在画布上倾注的，那些超越色彩、线条和构图本身，更为恒久、更为根本的“真实”。这本书并非直接讲述某幅画作的“真相”，而是聚焦于“真实”在绘画中的生成、存在与消解，以及这种“真实”如何与我们观看者的感知、理解和情感产生共振。 作者以一种颇具挑战性的方式，将绘画视为一种独特的哲学实践。他认为，画家在创作过程中，并非简单地复制现实，而是通过对物质媒介的探索、对形式语言的驾驭，以及对内心世界的挖掘，来构建一种不同于物理现实的“绘画真实”。这种真实，可能体现在对光影的细致捕捉，对人体结构的精准描摹，对自然景物的提炼与升华，亦可能体现在艺术家对某种情感状态的抽象表达，对某种存在困境的具象化呈现。这本书将带领读者穿越那些精美的画框，去审视艺术家在这场与材料、与形式、与自我博弈中的“真实”付出。 全书的叙事结构并非线性，而是如同艺术家在工作室中反复试验、不断修正的创作过程。作者在不同的章节中，穿梭于不同的艺术媒介、不同的创作时期，甚至不同的文化语境，来探讨“真实”的多元面向。他会审视一幅古典肖像画中，艺术家如何通过对人物面部表情、服饰纹理的刻画，来捕捉人物的性格与内在精神，这是一种对个体生存状态的“真实”呈现。同时，他也会转向一幅抽象表现主义的作品，分析艺术家如何通过色彩的碰撞、笔触的挥洒，来传达一种原始的、非理性的情感力量，这又是一种对人类普遍情感体验的“真实”揭示。 本书并非从宏观的艺术史角度来评判艺术家的成功与否，而是聚焦于那些构成艺术作品生命力的微观“真实”要素。例如，在谈及材料的“真实”时，作者会深入探讨颜料的质感、画布的纹理、画笔的痕迹是如何承载和传递艺术家的意图的。他会分析不同媒材的物理属性，如何影响艺术家对色彩的运用，如何塑造画面的触感，进而影响观看者对作品的感知。这是一种对艺术创作“手艺”层面的尊重，也是对构成作品物质基础的“真实”的强调。 同时，《画中的真实》也极为关注形式语言的“真实”。作者会仔细剖析艺术家如何通过构图的均衡与失衡、色彩的和谐与冲突、线条的柔美与刚劲，来构建作品的情感张力与叙事逻辑。他会认为，形式本身并非空洞的技巧，而是艺术家表达思想、传递情感的载体。一种精心设计的构图，并非仅仅是为了美观，而是为了引导观看者的目光，强调作品的视觉重点，甚至营造一种特定的心理氛围。这种对形式的“真实”解读，旨在打破将形式视为纯粹技艺的误解，揭示形式背后蕴含的深层意义。 更为引人入胜的是，作者在书中反复强调了观看者在“真实”生成过程中的参与性。他认为，“真实”并非完全由艺术家单方面赋予，而是需要观看者通过自己的经验、知识、情感来共同构建。当我们面对一幅画作时，我们并非被动地接收信息，而是主动地参与到作品的解读之中。我们的目光在画面上游走，我们的情感在作品中激荡，我们的经验在作品中得到映照。这种互动，使得“真实”在观看者心中得以复活和延展。这本书鼓励读者放下对艺术作品“标准答案”的执着，以一种开放的心态去与作品对话，去发现属于自己的，那份独一无二的“真实”。 书中涉及的讨论，有时会触及艺术作品的“非真实”之处，但这并非是为了否定艺术的价值，而是为了更深入地理解“真实”是如何在“非真实”的构建中显现的。例如，一位艺术家可能在描绘一个不存在的奇幻世界，但其对光影的运用、对人物情感的刻画，却能唤起我们内心深处对未知的好奇、对梦想的渴望。这种“非真实”的描绘，反而能触及更深层的、更普适的“真实”。作者认为，正是这种对现实的超越与变形，才使得艺术能够超越日常生活的局限，触及人类精神世界的广阔领域。 《画中的真实》并非一本教你如何“看懂”画的指南，而更像是一次与艺术家共同探索“真实”的旅程。它会挑战你固有的认知，让你重新审视那些你曾经习以为常的艺术作品。它可能会让你对某幅你曾经匆匆掠过的画作产生全新的理解，让你在那些熟悉的色彩和线条中，发现前所未有的深刻。这本书，旨在启发读者对艺术创作的本质，对“真实”在人类精神生活中的地位，以及对我们自身感知与理解能力的深刻反思。它是一次对艺术创作背后“无形”力量的追溯，一次对“真实”在绘画这一古老媒介中，永恒存在的探索。 在阅读的过程中，你可能会发现，那些被精心描绘在画布上的形象，远比它们表面的物质形态更为复杂。它们承载着艺术家的思想、情感、技艺，也承载着时代的回声、文化的印记，更承载着观看者自身的生命体验。这本书，试图为读者打开一扇门，让你得以窥见，在那片色彩与形状的海洋之下，究竟隐藏着怎样一种关于“真实”的，深刻而动人的叙事。它将引导你，不仅去欣赏画作的美丽，更去理解画作的深邃，去感受那份在画笔之下，得以永恒存在的，名为“真实”的呼吸。

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这部书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，色彩的运用大胆而富有张力，让人一眼就能感受到作者在探讨主题上的那种不妥协的态度。装帧的质感也极其考究，厚实的纸张，细腻的触感，仿佛每一次翻阅都是在与一本珍贵的艺术品进行对话。我特别喜欢扉页上那句引言，它以一种近乎挑衅的姿态，将读者直接推入了一个关于“表象与实在”的哲学迷宫。我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论著作，但作者的行文方式却出乎意料地富有节奏感，即使面对复杂的概念，也能用日常的、充满画面感的语言去阐述。书中对几位关键艺术家的分析，比如那位擅长处理光影的巴洛克大师，其笔触的精微之处被描述得淋漓尽致，让人仿佛能透过文字闻到画布上油彩的醇厚气息。尤其是关于构图如何被用来操纵观众情感的那一章，作者提出的那些细微观察点，完全颠覆了我过去对欣赏画作的固有认知。它不仅仅是告诉你“看到了什么”，更是在拷问你“你是如何被看到的”。我花了大量时间去反复阅读那些关于色彩心理学的段落，作者将颜料的化学属性与人类精神状态的波动精准地联系起来，这种跨学科的洞察力实在令人叹服。整本书的排版也极为用心，留白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又使得那些精心挑选的艺术作品插图（虽然我没有提到它们的名字）能够独立地呼吸和发声。

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我必须承认，这本书的密度极高，初读时，某些段落需要反复咀嚼才能领会其深意。它对“再现”这个词汇的解构，达到了近乎庖丁解牛的境界。作者不断地强调，任何试图完美捕捉现实的尝试，最终都暴露了自身局限性。这种对“完美捕捉”的拒绝，体现在全书对图像如何“失败”的细致分析上。这种对“缺陷美学”的推崇，让我联想到一些非主流的艺术运动，它似乎在赞颂那些被主流艺术史所忽略的、边缘化的创作实践。作者的语言风格是一种强有力的、充满内在张力的散文体，句子结构常常拉得很长，充满了复杂的从句，但其核心的论点却异常清晰。这种张力，正如作者所揭示的艺术作品本身所应具备的那种矛盾性。阅读过程中，我常常会产生一种“豁然开朗”的瞬间，但紧接着，作者又会用一个更深层次的问题将我拉回原点，迫使我重新审视刚才的那个“答案”。这是一种非常高级的、能够持续激发读者思考的写作技巧，它有效地避免了将读者变成被动的知识接受者。

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这本书最让我印象深刻的，是它对“观看者主体性”的彻底颠覆。作者没有将读者视为一个被动的美学享受者，而是一个积极的、充满偏见的“意义制造者”。书中有一部分专门探讨了博物馆展示的权力结构，分析了墙壁的颜色、灯光的角度，甚至是导览牌的措辞，是如何潜移默化地塑造我们对艺术品的“正确”理解的。作者的论述充满了对既有权威的挑战精神，但其挑战方式并非是喧哗的口号，而是通过严谨的、近乎病理学的分析。我特别喜欢作者在分析特定历史时期艺术的“焦虑”时所采用的社会学视角，它将艺术品的创作置于特定的经济和政治气候之下，使得那些看似永恒的杰作，瞬间带上了时代的烙印和挣扎的痕迹。这本书的体量虽然不小，但由于其论点层层递进，逻辑环环相扣，反而让人有一种欲罢不能的感觉。它不仅仅是一本关于艺术史或美学的书，它更像是一本关于如何更清醒、更负责任地活在由图像构建的世界中的行动指南。读完后，我感觉自己对“眼见为实”这句话的理解，彻底变得复杂和微妙了。

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这本书的叙事节奏把握得极为高明，它没有采用那种平铺直叙的编年史写法，而是像侦探小说一样，围绕着几个核心的“谜题”展开，每一个章节的推进都伴随着新的线索和更深的迷雾。我感觉自己像是在跟随一位博学的导师，进行一场私密的、一对一的研讨会。作者在讨论媒介的物质性时，提出了一个非常具有启发性的观点，那就是作品的“老化”过程本身，就是其意义生产的一部分。时间对作品的侵蚀，并不是损耗，而是累积了更多的历史重量。这种对时间维度在艺术分析中的强调，在我以往的阅读经验中是很少见的。书中穿插了一些作者的个人经历和观察，这些看似随性的片段，实际上如同精准的楔子，将抽象的理论牢牢地楔入具体的、可感知的经验之中。我记得有一段写到光线穿过一个旧工作室的窗户，投射在木地板上的场景，那种对光影的描述，简直像是海明威的散文与梅洛-庞蒂现象学的一次奇妙结合。它让那些宏大的艺术史叙事瞬间变得可亲近，充满了人性的温度和对日常瞬间的珍视。

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读完这本书，我感到自己的感知世界被彻底重塑了。它不是一本提供标准答案的教科书，更像是一场精心策划的智力冒险，作者像一位经验丰富的向导，引领我们穿越艺术史的重重迷雾，直抵核心的困惑地带。我尤其欣赏作者那种近乎偏执的对细节的捕捉能力。比如，书中对一件雕塑作品中“未完成”部分的讨论，作者花费了近十页的篇幅去剖析这种“留白”所蕴含的权力关系——创作者选择在哪里停止雕刻，实际上是在界定观众想象力的边界。这种对创作意图的深层挖掘，远超出了学院派的常规解读。阅读过程中，我经常需要停下来，合上书本，起身走到窗边，试图用书中所描述的“观看方式”重新审视周围的环境，无论是街角的霓虹灯，还是天空中云朵的瞬息万变。这本书成功地将“观看”这个被动行为，转化为一种主动的、充满批判性的建构过程。它强迫你质疑你所依赖的所有视觉参照物，让你意识到，我们所认为的“客观现实”，往往只是被精心包装过的叙事。这中间的哲学思辨相当尖锐，作者的论证逻辑严密，但行文又不失那种法国知识分子特有的那种优雅而略带玩世不恭的语调，读起来酣畅淋漓，充满智性上的快感。

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The lack of ergon calls for parergon, 是很难读，但确实有意思。

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找到中文版以后可能需要再有勇气读一遍 because you know it is Derrida and he quotes Kant all the time 感觉西方语境里就提供了很多二元结构的词语 比如说nature &landscape, frame & painting, 德里达试图提供空白 深渊这样射线性词语 把这些对立的关系组合起来 像中国山水画的留白一样 但也不太一样 我也不知道

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