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出版者:河南美术出版社

作者:段正渠（主编）

出品人:

页数:15

译者:

出版时间:2001-6

价格:10.00元

装帧:

isbn号码:9787540109462

丛书系列:西方当代绘画大师[第一辑]

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艺术的脉络：二十世纪与新世纪的视觉探寻 图书名称：艺术的脉络：二十世纪与新世纪的视觉探寻 作者： 史蒂芬·马洛里 出版社： 寰宇文汇出版社 ISBN： 978-7-5688-6041-2 --- 图书简介 《艺术的脉络：二十世纪与新世纪的视觉探寻》是一部旨在全面梳理自1900年至今，全球艺术思潮、流派更迭与核心议题的深度学术专著。本书避开了对单一媒介（如绘画）的过度聚焦，转而以广阔的“视觉文化”为框架，探讨了艺术如何回应工业化、两次世界大战、全球化、信息爆炸以及技术革命带来的社会结构性转变。 全书共分为六个主要部分，层层递进，构建起一幅复杂而丰富的现代与后现代艺术图景。 第一部分：现代性的黎明与形式的解放（1900-1945） 本部分深入剖析了二十世纪初艺术从模仿自然向探索自身媒介属性的根本性转向。我们不再仅仅关注艺术“画了什么”，而是“如何去画”。 核心议题： 1. 色彩与情感的重构： 考察野兽派（Fauvism）如何将非自然色彩用作纯粹的情感载体，以及德国表现主义（如“桥社”与“蓝骑士”）中对城市异化和个体焦虑的深刻描摹。 2. 空间与时间的瓦解： 重点分析立体主义（Cubism）对传统透视法的颠覆，从早期的分析立体主义到后期的综合立体主义，探讨毕加索和布拉克如何将三维实体解构并重置于二维平面之上。随后，本书将目光投向未来主义（Futurism），分析其对速度、机械和暴力的迷恋，以及如何试图将运动的痕迹融入静止的图像中。 3. 非理性的胜利： 详细解读达达主义（Dadaism）作为对战争荒谬性的直接回应，考察其反艺术立场、偶然性原则以及现成品（Readymade）的引入如何挑战了艺术品的本体论地位。紧接着，超现实主义（Surrealism）的章节将侧重于弗洛伊德精神分析学对梦境、潜意识的视觉化尝试，分析达利、马格里特等人的图像学策略。 4. 抽象的诞生与宣言： 本部分将专门梳理抽象艺术的源头，从康定斯基的“精神在艺术中”到马列维奇的至上主义（Suprematism）与绝对的几何纯粹追求。探讨蒙德里安的风格派（De Stijl）如何试图以最简约的线条和色彩实现宇宙秩序的和谐统一。 第二部分：战后焦虑与美国艺术的崛起（1945-1960） 二战结束后，艺术的中心从巴黎转移至纽约。这一时期的艺术反映了深刻的生存危机、个体自由的重申以及对抽象表现主义（Abstract Expressionism）宏大叙事的探索。 核心议题： 1. 行动绘画的本体论： 深入分析波洛克（Pollock）的滴画技术（Drip Technique）如何不再是关于描绘对象，而是关于“过程”和“在场”（Presence）。考察德·库宁（de Kooning）对具象与抽象之间紧张关系的持续拉锯。 2. 色域绘画的沉思： 区分行动绘画的力度与色域绘画（Color Field Painting）的静谧。重点研究罗斯科（Rothmann）如何通过悬浮的色块营造出近乎宗教体验的崇高感，探讨色彩对观众情绪的直接诱导作用。 3. 纽约学派以外的声音： 本章补充探讨了战后欧洲的艺术动向，如“非形式艺术”（Informel）和“Tachisme”，以及在英国和日本等地对材料和抽象的独特运用。 第三部分：媒介的边界消融与消费文化的介入（1960-1970） 本部分是艺术史上一次剧烈的转向，艺术家们开始质疑“原创性”和艺术市场的神圣性，并将目光投向了大众文化、媒体和日常商品。 核心议题： 1. 波普艺术的日常革命： 详尽分析安迪·沃霍尔（Andy Warhol）对丝网印刷技术的运用如何模糊了艺术品与商品复制之间的界限。探讨李奇登斯坦（Lichtenstein）如何借用漫画网点和口吻，讽刺性地重述美国梦的肤浅。 2. 极简主义的“物性”回归： 考察唐纳德·贾德（Donald Judd）、卡尔·安德烈（Carl Andre）等如何通过使用工业材料和精确的几何形态，强调艺术品的“特定物”（Specific Object）属性，拒绝任何暗示性或象征性意义。 3. 观念艺术的语言转向： 重点阐释观念艺术（Conceptual Art）的核心主张——“艺术即观念”。分析约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）对语言逻辑的解构，以及索尔·勒维特（Sol LeWitt）将指令和过程置于最终作品之上的做法。 第四部分：身体、环境与政治的交织（1970-1980） 随着后结构主义思潮的兴起，艺术不再满足于在画廊空间内进行自我指涉，而是走向了更广阔的社会和政治领域。 核心议题： 1. 大地艺术的尺度与持久性： 考察罗伯特·史密森（Robert Smithson）的《螺旋防波堤》等作品如何利用地貌作为媒介，探讨时间、熵变和人造干预的宏大主题。 2. 身体政治的探寻： 深入分析女性主义艺术对父权制视觉语言的挑战，如对身体的客体化、性别角色和女性经验的再书写。同时，探讨录像艺术（Video Art）如何被用作一种直接、非中介化的媒介，介入身份政治。 3. 行为艺术的现场性： 梳理行为艺术（Performance Art）的发展，从早期探索身体极限到后来对社会行为的模仿与干预，分析其即时性、不可复制性如何对抗市场机制。 第五部分：全球化背景下的多元叙事（1980-2000） “后现代主义”的成熟期，艺术史观从单一的、线性的进步史观转向了分散的、多中心的叙事。全球化加速了不同文化间的碰撞与对话。 核心议题： 1. 新表现主义的回潮与质疑： 探讨1980年代早期，如德国的“新野兽派”和意大利的“认同回归”（Transavanguardia）如何重新拥抱绘画技巧与情感张力，以及这股潮流与观念艺术之间的张力。 2. 身份政治的深化： 探讨来自非西方背景、边缘群体和少数族裔艺术家的声音如何进入主流话语体系，聚焦于如赛瑟（Cindy Sherman）对摄影中“角色扮演”的持续解构，以及对殖民历史和文化挪用的批判。 3. 摄影的媒介地位确立： 分析摄影技术在九十年代如何被提升至与传统艺术同等的地位，探讨其在纪实、虚构与社会评论中的复杂角色。 第六部分：数字时代与当代视域（2000至今） 本章展望了21世纪初艺术面临的新挑战：数字技术的普及、互联网的影响，以及环境危机的紧迫性。 核心议题： 1. 新媒体艺术的崛起： 探讨从装置艺术到交互式媒体、虚拟现实（VR）和增强现实（AR）如何重新定义了“观众体验”和“作品完成度”。 2. 数据、算法与后人类： 讨论艺术家如何利用大数据、生物技术和人工智能作为新的创作工具或批判对象，探讨“后人类”语境下的主体性问题。 3. 跨学科的融合： 总结当代艺术中科学、哲学、社会学介入的趋势，强调艺术不再是孤立的创作活动，而是参与社会结构性对话的复杂场域。 --- 本书价值： 《艺术的脉络》不仅仅是对流派和大师作品的罗列，更致力于梳理隐藏在视觉表象之下的思想脉络。作者通过严谨的文献考证和深刻的理论分析，为读者提供了一套理解过去一百年艺术如何塑造和反映我们当代世界的批判性工具。本书适合艺术史专业学生、策展人、文化理论研究者，以及所有渴望超越表象、深入探究现代社会文化基因的普通读者。它引导读者思考：在爆炸性的视觉信息时代，艺术的本质和功能究竟在何处？

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我必须得说，这本书的撰写角度非常新颖，它避开了那种传统学院派的枯燥叙事，而是采用了一种更贴近当代语境的对话方式来解读这些大师的作品。书中关于后现代主义绘画的章节，尤其吸引我，它不是简单地给出定义，而是通过对比不同艺术流派在解构传统叙事上的异同，展现了艺术如何回应社会政治变迁的复杂性。我特别欣赏作者在阐述概念时所使用的那种流畅且富有逻辑性的论证结构，比如它在讨论德国新表现主义时，如何将战后创伤与个体情感表达巧妙地联系起来，那种强烈的表现力和情绪张力，在文字中被描绘得淋漓尽致。这本书的优点还在于它提供了大量的侧面资料，比如一些艺术家的访谈片段和私人信件节选，这些“幕后花絮”让那些原本高高在上的艺术形象瞬间变得立体可感，我仿佛能听到他们彼此间的争论和对艺术未来的憧憬。对于那些想要深入理解当代艺术思潮变迁的读者来说，这本书提供了坚实的理论基础和丰富的实例支撑，阅读体验非常酣畅淋漓，绝非那种泛泛而谈的入门读物可比拟。

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这本《西方当代绘画大师》的书，简直就是一场视觉的盛宴，我光是翻阅介绍就感觉像是走进了一个个大师的工作室。它不光是简单地罗列作品，更深入地剖析了每一位艺术家是如何在时代洪流中找到自己独特的发声方式。比如，我对其中探讨波普艺术那几页印象特别深刻，作者没有停留在对丝网印刷技术的表面描述，而是着重分析了安迪·沃霍尔如何将商业符号提升到艺术殿堂，以及这种手法对当时社会文化冲击的深远影响。书中的图版印刷质量极高，色彩的还原度非常精准，这对于研究当代绘画中对色彩运用和肌理表现的读者来说，简直是太重要了。我记得有一张关于抽象表现主义的分析，作者用非常细腻的笔触描绘了杰克逊·波洛克“行动绘画”时身体与画布之间的张力，那种近乎原始的创作状态，隔着纸页都能感受到笔触中蕴含的能量，感觉自己也跟着进入了那种心流状态。这本书的排版设计也十分考究，留白恰到好处，没有让大量的文字和图片挤压在一起，读起来非常舒适，真是一本值得反复品味和收藏的艺术宝典，绝对超出了我对一本艺术史著作的预期。

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老实讲，我之前对一些当代艺术流派总是感觉有些隔阂，觉得难以捉摸，但这本书的出现，彻底改变了我的看法。它最让我惊喜的是对材料和技法的细致分析。比如，书中专门花了大篇幅讨论了观念艺术如何影响到后来的绘画实践，重点分析了几位艺术家如何将非传统材料（比如装置、影像的元素）巧妙地融入到画布创作中，这种跨媒介的思考方式真是让人大开眼界。我记得在讲解关于光影和空间感的处理时，作者使用了非常专业的术语，但同时又配上了极具启发性的图解说明，使得原本晦涩难懂的技术细节变得清晰明了，仿佛作者就站在我身边手把手地教学。这种深度和广度的结合，让这本书不仅适合专业人士，也对渴望提高自身艺术鉴赏能力的业余爱好者非常友好。每一次翻阅，我都能发现新的细节和更深层次的解读，这本书的价值，绝对是经得起时间考验的。

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如果要用一个词来形容阅读完这本《西方当代绘画大师》的感受，那一定是“震撼”。它带来的冲击力不仅仅是视觉上的，更是思维层面的。我最欣赏的地方在于，它勇于触及那些最具争议性的作品和艺术家，并提供了多角度的解读框架，使得读者可以自己去形成判断，而不是被动接受标准答案。例如，书中对特定时期政治波普艺术的分析，揭示了艺术如何成为对抗主流意识形态的有力武器，文字的力度之大，让我对这些作品的社会功能有了全新的认识。书中的参考文献和延伸阅读的建议也非常丰富和精准，这对于想要进行更深入研究的读者来说，无疑是巨大的福音。总而言之，这本书的深度、广度以及其独特的叙事视角，完全超越了同类书籍的水平，它不仅是一部工具书，更像是一本能激发创作灵感和拓宽艺术视野的伙伴。

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这本书的编辑功力着实令人佩服，它的装帧设计和内容组织都透露着一种对艺术的敬畏感。我尤其喜欢它在介绍不同艺术运动过渡时所做的精妙衔接，比如如何从极简主义那种冷静、克制的表达，自然而然地过渡到对个体经验和身份政治关注的绘画作品中去。这种流畅的时间线索，极大地帮助读者梳理了西方当代绘画数百年来错综复杂的演变路径。它不仅仅是一本画册，更像是一部带有强烈个人洞察力的艺术批评史，作者的笔触带着一种批判性的审视，不盲目崇拜，也不肆意贬低，而是用一种客观而又充满热情的态度去梳理历史脉络。当我读到关于女性主义艺术在当代绘画中崛起的那一部分时，我能清晰地感受到作者对这一重要转变的重视和深刻理解，那种对被边缘化声音的重新发掘和肯定，让这本书的思想深度拔高了一个层次。

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