李公麟白描传派.梁揩减笔画派 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:徐建融

出品人:

页数:122

译者:

出版时间:2004-7

价格:105.00元

装帧:

isbn号码:9787533018689

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
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好的，这是一份关于一本名为《李公麟白描传派·梁楷减笔画派》图书的详细简介，但内容完全不涉及该书主题，而是围绕其他艺术流派和历史背景展开： --- 《大唐气象：盛世长安的绘画艺术与文人风骨》 本书旨在深入剖析唐代（公元618年—907年）绘画艺术的恢宏发展脉络，重点聚焦于盛唐时期长安城作为世界文化中心的艺术辐射力，以及由此催生出的多种绘画风格和流派的内在联系与独特贡献。我们不探讨宋元以后对前朝风格的继承与演变，而是将视野完全定格在唐代的土壤之上，探究其作为中国古典艺术高峰期的独特面貌。 第一部分：长安的色彩——宫廷绘画的辉煌与规范 盛唐的繁荣不仅体现在政治和经济上，更深刻地反映在宫廷艺术的精细化和制度化之中。本部分首先考察了唐代画院的建立与运作机制。唐代的画院制度日趋完善，为国家级的艺术创作提供了制度保障。我们详细梳理了早期画院的组织结构、画师的选拔标准以及他们所承担的皇家委托项目，例如大型壁画的绘制、庆典活动的图样设计，以及对典籍的插图整理。 重点分析了吴道子及其同辈画家的“吴带当风”笔法。这不仅仅是一种技法上的描述，更是对盛唐气象的一种精神提炼。吴道子的线条如何在力度、韵律和空间感上达到极致，使其作品超越了简单的造型再现，而成为具有强大生命力的视觉符号。我们将结合现存的唐代壁画遗迹（如敦煌莫高窟的唐代中期壁画），分析宫廷画师如何将宗教题材与世俗审美相结合，形成一种既庄重又生动的皇家叙事风格。 第二部分：道释画的演变——从初唐的严谨到盛唐的浪漫 道释画作为中国绘画史上的重要组成部分，在唐代经历了深刻的变革。本书追溯了早期（初唐）画家如阎立本对人物精神气质的捕捉，那种略带凝重和仪式感的描绘方式，如何为盛唐的解放奠定基础。 随后，我们深入研究了盛唐时期道释画中对“气韵生动”的全新诠释。画家们开始大胆地在佛像和菩萨像中融入世俗的健康与柔美，使得神性形象更具亲和力与感染力。例如，对衣褶处理上，从早期的工整细密转变为后期更自由、更具雕塑感的流畅线条。我们还特别关注了金陵画派在江南地区对宗教题材的本土化处理，分析其与北方宫廷风格的差异与融合。 第三部分：山水画的独立——“气势磅礴”的早期探索 尽管山水画的成熟期在五代和宋代，但唐代，特别是盛唐，是其走向独立的关键时期。本章着重于唐代山水画从作为人物画背景的附属地位中脱离出来的艰难过程。 我们详细考察了李思训和他的儿子李昭道的“金碧山水”风格。这种风格以其浓丽的色彩和精密的勾勒，展现了唐代对富丽堂皇的审美追求。我们通过对现有摹本和文献记载的分析，探讨“金碧山水”如何通过矿物颜料的运用，构建出一个既真实又充满理想化的山河景象，体现了唐代对大地山川的敬畏与占有欲。 更进一步，我们探讨了早期文人山水画的萌芽。虽然证据相对稀少，但通过对杜甫、王维等诗人的诗歌文本中对自然景物的描述，可以反推出当时画家们对“意境”的初步探索。这部分将对比李思训的“界画”式精确描绘与王维可能倡导的写意式山水之间的潜在分野，预示着后世南北两派的发展方向。 第四部分：人物画的世俗化——从史诗叙事到日常生活速写 唐代人物画的一个显著特征是其题材的极大拓展和风格的世俗化趋势。本书详细分析了孙位等画家在墓室壁画中对贵族生活场景的描绘，如宴饮、狩猎、宫廷侍女群像等。这些作品不再仅仅服务于历史教化或宗教宣传，而是开始关注个体的形态、服饰的质感以及场景的氛围营造。 我们重点研究了唐代仕女画的发展。从周昉笔下雍容华贵的贵族女性，到张萱作品中那种略带内敛和矜持的闺中情态，展现了唐代女性地位提升后的多元形象。本书侧重于分析画家如何通过对发髻、面部化妆以及服饰花纹的细致描绘，来传达人物的身份和心境，使得人物画更具“可读性”和“时尚感”。 结语：一个时代的视觉语言 《大唐气象》最终总结了唐代绘画艺术在继承前代艺术精华的基础上，如何通过技术革新、制度保障和精神解放，构建起一种宏大、自信且充满生命力的视觉语言。这种语言不仅影响了其后的五代十国，更塑造了后世中国艺术对“大气象”的永恒追求。本书试图还原的，是那个尚未被后世风格完全覆盖、充满原始创造力的盛唐画坛的真实面貌。 ---

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从拿到手的那一刻起，就被那种沉稳而又不失雅致的气质所吸引。封面采用了高级的哑光纸张，触感细腻温润，中央的烫金书名在灯光下低调地闪烁着，仿佛预示着内页中蕴藏的深厚艺术底蕴。装帧的线条处理极其考究，边缘的倒角和侧边书脊的工艺都体现了制作者的匠心独运。我尤其欣赏它在细节上的坚持，比如内页纸张的选择，那种略带米黄色的棉麻质感，不仅保护了印刷的色彩，更营造了一种穿越时空的古朴氛围，让人在翻阅时能更沉浸于对古代绘画技法的探寻之中。整体来看，这本书的物质形态本身就是一件值得收藏的艺术品，它完美地平衡了学术的严肃性和艺术品的审美价值，即便是对画论研究不甚深入的爱好者，也会被其精美的外壳所折服，愿意将其置于书架的显眼位置，随时取阅，细细品味。这种对“物”的尊重，无疑也抬高了对其中所载内容的期待值。

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阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一次与古人精神的深度对话。作者的叙述逻辑极为清晰流畅，他没有停留在简单罗列前人成就的层面，而是深入剖析了不同画派在笔墨运用和造型理念上的核心差异。特别是在论及某些关键性笔法转折之处，作者会引用大量的古代文献佐证，使得论述极具说服力，绝非空泛之谈。比如，书中对某位大家用“渴笔”表现山石皴法的精妙解析，让我对以往流于表面的理解有了颠覆性的认知。作者的语言功底也十分深厚，他能将复杂、抽象的中国画理论，用一种既富有文学性又贴近实践操作的文字表达出来，阅读起来丝毫没有晦涩难懂之感，反而如同听一位技艺精湛的老师傅在耳边娓娓道来，每一个字眼都像是经过了反复推敲的笔触，精准而有力。

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这本书的配图质量堪称业界标杆，这对于一本美术鉴赏类书籍来说，简直是决定性的优势。排版人员显然下了大功夫，很多经典名作的复印件，其细节的还原度令人惊叹，即便是那些需要极细微观察的墨色浓淡变化，或是皴法的层次感，都能清晰地呈现出来。不同于市面上很多廉价印刷品那种黯淡、失真的图像，这里的插图仿佛能将原作的气息带到读者眼前。更贴心的是，作者在关键的图例旁，会用专门的注释框点出具体需要关注的技法细节，这种图文并茂的对照学习方式，极大地提高了学习效率。我甚至忍不住将其中一些局部细节用放大镜反复审视，体会古人对“气韵生动”的极致追求。可以说，没有这些高水准的图像支持，很多理论的阐述都会显得苍白无力。

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我发现这本书在艺术史脉络梳理上的贡献是巨大的。它巧妙地将不同时期、不同地域的绘画风格串联起来，构建了一个宏大而又精微的中国画演变图景。很多地方是教科书或基础读物中一带而过的内容，在这里却被挖掘出了惊人的深度和广度。举例来说，作者对于宋元之际文人画与院体画之间的互动和张力分析得入木三分，不仅指出了风格上的对立，更深入探讨了背后的社会阶层、哲学思想乃至文人自我身份认同的复杂关系。这使得读者在欣赏具体的画作时，不再仅仅停留在“好看”的层面，而是能够理解每一笔、每一墨背后所承载的历史重量与文化负载。这种由表及里，由技入道的探究方式，极大地提升了阅读的层次感和满足感。

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从一个纯粹的收藏者角度来看，这套书的价值是不可估量的。它不仅仅是一部理论专著，更像是一部带有作者个人印记的艺术档案集。在阅读过程中，我一直在揣摩作者选材的独特视角——他似乎总能从一个极其刁钻的角度切入，去解构那些被反复解读的经典。这种“旁观者清”式的分析，反而能带来耳目一新的感受。整本书的阅读体验是沉静而富有启发性的，它引导我重新审视自己以往的审美偏好和知识盲区。每次合上书页，总感觉脑海中多了一把衡量艺术高下的尺子，对未来接触其他画作时，心中会自然而然地产生更深一层的比较和思考。它不是一本速成的工具书，而是一份需要时间去消化的精神食粮，其价值在于对读者心性的长久塑造和影响。

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四星半。画论部分写得不错呀，为啥没有署名

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