小型乐队编配 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:人民音乐

作者:赵德义

出品人:

页数:239

译者:

出版时间:2007-9

价格:27.00元

装帧:

isbn号码:9787103033296

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 配器法
• 配器
• 艺术
• 管弦乐队
• 管弦乐
• 民乐
• 古典音乐
• 编配
• 小型乐队
• 音乐教学
• 乐谱
• 音乐创作
• 合奏
• 音乐理论
• 排练
• 演奏
• 音乐技巧

《弦上舞：管弦乐队的色彩与织体》 一、 作者的话：为何写这本书？ 《弦上舞》并非一本从零开始教授编配技巧的书籍，也不是对某一特定乐器进行深入剖析的专著。它的诞生，源于我多年来在指挥台上、在排练室，以及在无数个深夜沉思时，对管弦乐队这一庞大而精妙的乐器群体所产生的深深着迷与敬畏。我曾多次感受到，当不同的音色、不同的旋律线条、不同的节奏模式汇聚在一起时，那种如同星辰大海般涌动的力量；也曾体验过，在某一刻，所有声部如同被一只无形的手牵引，奏响一段纯粹而动人的乐句。 然而，也正是在这些体验中，我意识到，很多时候，我们对管弦乐队的理解，停留在“有多少种乐器”这个层面。我们或许熟悉小提琴的优雅，大提琴的深沉，长笛的明亮，圆号的悠扬，但当我们试图将它们融合成一幅宏大的声音图景时，便会感到一种难以言喻的隔阂。如何让这些独立的个体，如同画家手中的颜料，互相辉映，创造出前所未有的色彩？如何让它们如同建筑师手中的砖石，严丝合缝，构建出雄伟壮丽的殿堂？这便是《弦上舞》想要探讨的核心。 这本书，更多的是一种“观察”与“体验”的梳理。它不是一本填鸭式的教程，而更像是一次邀请，邀请你一同走进管弦乐队的内心世界，去感受它的呼吸，它的脉搏，它的情感张力。我希望通过这本书，帮助那些已经具备一定音乐基础，或者对管弦乐队有着浓厚兴趣的爱好者、学生、甚至年轻的作曲家和指挥家，能够更深入地理解管弦乐队在声音织体、色彩运用、和声布局以及表现力上的无限可能。 我深信，音乐的编配，不仅仅是音符的堆叠，更是情感的传递，是思想的具象化。管弦乐队，作为人类最复杂的乐器之一，承载着最丰富的情感光谱，也最能将抽象的思想转化为可感的声音。这本书，正是试图揭示这其中的奥秘，引导读者去“听见”编配的艺术。 二、 书的灵魂：管弦乐队的“色彩”与“织体” 《弦上舞》的核心概念，便是“色彩”与“织体”。 色彩， 在这里并非指物理意义上的可见光，而是指管弦乐队发出的声音所具有的独特质感、情绪倾向和情感色彩。不同的乐器，乃至同一乐器在不同的演奏技巧、音区和力度下，都会呈现出截然不同的色彩。例如： 木管族的色彩： 短笛的尖锐与轻盈，长笛的圆润与明亮，双簧管的忧郁与鼻音，单簧管的温暖与柔和，巴松的低沉与庄重。它们如同水彩，轻柔而富有层次。 铜管族的色彩： 小号的辉煌与号角，长号的厚重与悲壮，圆号的浑厚与悠远，大号的深沉与威严。它们如同油画，浓烈而富有力量。 弦乐族的色彩： 小提琴的高亢与热情，中提琴的忧伤与沉静，大提琴的深邃与歌唱，低音提琴的稳定与基础。它们如同丝绸，光滑而富有流动性。 打击乐族的色彩： 鼓的节奏与力量，钹的闪耀与锐利，定音鼓的神秘与色彩变化，以及各种效果乐器的独特音响。它们如同点睛之笔，带来惊喜与变化。 而“色彩运用”，便是如何在作品中巧妙地搭配这些乐器，制造出特定的氛围、描绘出特定的场景、表达出特定的情感。例如，一段描绘宁静夜晚的音乐，可能会大量运用低音弦乐的沉静和木管乐器的柔和；而一段展现战争场景的音乐，则会调动铜管的宏大、打击乐的猛烈和弦乐的急促。 织体， 则是指这些不同的声音色彩如何交织在一起，形成一个整体。它关乎声音的密度、层次、走向和相互关系。管弦乐队的织体可以极其丰富，也可以极其简洁。 单音织体（Monophony）： 少数情况下，例如独奏或非常简单的合唱，只有一条旋律线。 主调织体（Homophony）： 一条清晰的旋律线，其余声部提供和声支持。这是最常见的织体类型。 复调织体（Polyphony）： 两条或多条独立的旋律线同时进行，互相独立又相互协调。赋格、卡农等都是复调的典型形式。 混合织体： 将以上几种织体在同一作品中进行穿插和结合，创造出更为复杂和多样的声音效果。 《弦上舞》将深入探讨如何通过对乐器色彩的理解，以及对不同织体结构的运用，来构建出引人入胜、富有表现力的音乐。它不会直接告诉你“把这个音符放在哪个乐器上”，而是引导你去思考： “我想表达的是一种怎样的情绪？哪种乐器或乐器组合最能触及这种情绪？” “我想描绘的是一个怎样的场景？哪种声音的质感最能唤起听众的联想？” “我希望音乐是紧凑而有力的，还是疏松而飘逸的？这又会影响到我对织体的选择。” 三、 内容梗概：一次深入的探险 《弦上舞》的内容安排，并非遵循传统的“理论-练习”模式，而是以一种更具启发性的方式展开： 第一部分：管弦乐队的声音地图 各声部的声音特质与表现力： 详细分析木管、铜管、弦乐、打击乐这四大声部中主要乐器的音色特点、演奏技巧、擅长表现的情感和功能。这里会引用大量的经典作品片段，让你“听”出它们的区别。 乐器组合的化学反应： 探讨不同乐器组合在一起时产生的“协奏”与“碰撞”。例如，弦乐与木管的结合，铜管与打击乐的配合，以及它们如何产生更丰富、更具想象力的声音。 音区的运用与音色的变化： 解释同一个乐器在不同音区发出声音的差异，以及如何利用音区变化来创造戏剧性和情感张力。 第二部分：织体的魔法：层层叠加的声音殿堂 从单音到复调：织体的基本形态： 介绍音乐织体的基本概念，并着重讲解主调织体在管弦乐队中的应用，以及如何在主调的基础上加入对位性的旋律，形成更丰富的层次。 复调的精妙：独立旋律的对话： 深入剖析复调织体在管弦乐队中的表现，如何让不同的旋律线相互独立又和谐共存，产生如同复杂对话般的听觉效果。 密度与疏密：控制声音的空间感： 探讨如何通过增减乐器数量、改变和弦的复杂程度来控制音乐的“厚度”和“密度”，从而营造出不同的空间感和情绪氛围。 第三部分：色彩的魔法：勾勒心灵的画卷 和声的色彩：色彩的调色板： 探讨不同和弦、和声进行如何产生不同的色彩感，以及如何在管弦乐队中运用和声来支持旋律、塑造情绪。 旋律的轮廓与色彩： 分析旋律线在管弦乐队中如何被“包装”和“赋形”，如何通过乐器和织体的选择来赋予旋律不同的情感色彩。 节奏的脉搏与情绪： 探讨节奏在管弦乐队中扮演的角色，它如何影响音乐的活力、动力和情绪。 第四部分：表现力的飞跃：从技术到艺术 动态与力度：声音的张力与释放： 探讨管弦乐队在动态变化上的无限可能，以及如何运用渐强、渐弱、突强等手法来创造戏剧性的效果。 音色变化与表情： 深入研究各种演奏技巧（如颤音、拨奏、揉弦、弱音器等）如何为音乐增添细腻的表情和独特性。 管弦乐队的叙事性： 探讨如何运用管弦乐队的各种手段来构建音乐的叙事性，讲述故事，描绘画面，表达哲学思想。 案例分析：大师的智慧： 精选一系列不同时期、不同风格的管弦乐作品，进行深入的分析，剖析作曲家在色彩与织体运用上的匠心独运。 四、 谁适合阅读这本书？ 《弦上舞》的目标读者非常广泛，主要包括： 音乐学院的学生： 尤其是在作曲、指挥、音乐学等专业学习的学生，这本书将是他们理解管弦乐队编配的有力补充。 有一定音乐基础的业余爱好者： 对管弦乐有着浓厚兴趣，希望能够更深入地理解音乐背后的编配原理，提升听音乐的层次和品味。 年轻的作曲家： 渴望创作出更具表现力、更富色彩的管弦乐作品，需要拓展视野，学习如何更有效地运用管弦乐队这一庞大的音响资源。 指挥专业的学生和年轻指挥家： 帮助他们更深刻地理解乐谱背后的编配意图，从而更准确、更富有表现力地进行排练和指挥。 对声音和音乐有着强烈好奇心的人： 任何对声音的构成、乐器的特性以及音乐如何影响情感感兴趣的人，都将在这本书中找到乐趣和启发。 五、 阅读体验：一场声音的洗礼 阅读《弦上舞》，你将不会感到枯燥的理论堆砌。我会尽量以一种生动、形象、充满激情的语言，带领你进行一场深入的声音探险。大量的音乐实例分析，将帮助你“听”懂这些抽象的概念。书中会附带大量的乐谱片段，鼓励读者去聆听、去对比、去感受。 这不仅仅是一本书，它更是一个邀请，邀请你用耳朵去感受音乐最深刻的灵魂，用思考去理解声音最精妙的组合。希望在阅读完《弦上舞》后，你能够用全新的视角去聆听管弦乐队，去感受那些在乐谱上跳跃的音符，如何汇聚成一场又一场震撼心灵的“弦上之舞”。 这本书，是献给所有热爱音乐、热爱管弦乐队的人。愿它能为你打开一扇通往更广阔音乐世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太引人注目了！封面采用了那种略带复古感的哑光纸张，触摸起来有一种温润的质感，让人忍不住想多摩挲几下。设计上选用了非常简洁的几何色块拼接，但色彩搭配却出人意料地和谐，主色调是沉稳的深海军蓝，点缀着跳跃的亮橙色和克制的米白，恰到好处地传达出一种既专业又不失活力的气息。我特别喜欢封面上方那个小小的、用手写体印上去的“乐队灵感速查”的副标题，虽然很小，但看得出设计者在细节上的用心。书脊的处理也很考究，文字清晰易读，即便是放在拥挤的书架上，也能一眼被找到。拿在手里的时候，就能感受到它有一定的分量，感觉内容必然是充实而有深度的。而且，翻开扉页后，内页的纸张选择也令人惊喜，并非那种刺眼的亮白，而是偏向柔和的米黄色，对长时间阅读非常友好，这对于需要仔细研读乐理和编配技巧的读者来说，简直是福音。整体而言，光是捧着这本书，就仿佛已经踏入了某种充满创意的音乐空间，准备好迎接一场知识的洗礼，光是外在就给了我极大的阅读期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图例设计是其最大的加分项之一。很多音乐书籍在展示乐谱或和弦图时，要么字体过小，要么对比度极差，看得人眼睛生疼。但这本书在这方面做得非常出色。所有的示例图谱都采用了清晰的三行或四行对照格式：第一行是标准的五线谱，第二行是简化的数字六线谱（方便吉他手），第三行甚至还有对应的和弦图或键盘图示，极大地降低了跨乐器读谱的门槛。更值得称赞的是，它没有仅仅停留在静态的乐谱展示上，很多复杂的对位或律动变化，都配上了详细的动态分解图，甚至用箭头清晰地标示了声部的进行方向和强弱变化。对于那些更偏向听觉学习的读者，书中的每一个关键段落都清晰地标注了可以在哪里找到对应的音频参考，让理论和实践能够实时无缝对接，这种多媒体化的阅读体验，让枯燥的理论学习变得生动直观，极大地提升了学习效率和学习的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我最近尝试着从纯粹的演奏者转型到幕后编曲，市面上很多教材不是过于理论化，就是过于注重某种特定风格的速成技巧，让人感到无所适从。这本书的叙述方式，简直像是一位经验丰富的前辈坐在我身边，耐心地、一步步地拆解着一个复杂的音乐结构。它没有上来就抛出那些令人望而生畏的和声进行图表，而是从最基础的“乐器角色定位”开始讲起，比如鼓组在不同音乐场景下的功能性变化，贝斯是如何构建律动基础，以及吉他声部之间如何进行有效的空间划分。讲解过程中，作者似乎非常注重“实用性”，总会穿插一些“实战小贴士”，比如“当主唱音域偏低时，如何调整键盘和弦的内声部来避免‘打架’”这类只有真正做过编配的人才会注意到的细节。语言风格上，它避免了教科书式的僵硬，而是用了一种非常口语化，但逻辑性极强的文风，偶尔还能看到一些幽默的自嘲，让整个学习过程变得轻松愉悦，感觉自己不是在啃知识点，而是在听一场高质量的音乐讲座。这种既有深度又不失趣味的平衡感，实在难得。

评分☆☆☆☆☆

读完之后，我感觉自己像是完成了一次系统化的“音乐思维重塑”。这本书的整体结构设计非常巧妙，它不是线性地堆砌知识点，而是围绕着“如何构建一个完整、平衡且具有生命力的乐队作品”这一核心目标展开。作者在讲解每一个技术点时，都会将其置于整体的音乐语境中去考量，例如，在讨论如何为鼓手写一个“点睛之笔”的Fill-in时，他会先回顾前一个段落的能量积蓄，再展望下一个段落的情绪过渡，确保这个小小的技术点服务于整体的叙事。这种全局观的培养，是很多注重局部技巧的书籍所欠缺的。它教会我的不只是“如何写”，更是“为什么要这样写”，这种对音乐逻辑和情感表达的深度探索，让我开始跳出自己惯有的思维定式，尝试用更广阔的视野去审视和构建我自己的音乐作品，这对于任何一个渴望在音乐创作上有所突破的人来说，都是一次非常值得的投资。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经摸索了几年编曲的乐手，我最怕的就是那种泛泛而谈的书籍，读完后感觉什么都知道一点，但真要应用起来又抓不住重点。这本书最让我眼前一亮的地方，是它对“织体（Texture）”处理的细致入微。它没有停留在简单的“多一层乐器就多一层声音”的层面，而是深入探讨了如何通过对乐器音色、动态范围乃至演奏手法的微小调整，来营造出截然不同的听觉画面感。比如，书中关于如何用清音吉他的琶音去“填补”人声与主旋律之间的“空隙”，而不是简单地加入一个和声衬托，这种层次感的构建方式，让我豁然开朗。此外，它还专门辟出一个章节探讨了“降噪”和“留白”的重要性，提醒我们，编配中的“不写”往往比“多写”更关键，这对于很多容易过度编曲的新手来说，是极具警示意义的宝贵经验。这种对音乐空间美学的深入挖掘，体现了作者深厚的音乐修养和对听觉心理学的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

其实就是一本配器法的入门，也可以理解为速成的小型配器法。可以作为赛缪尔阿德勒和柏辽兹的《配器法》的入门，但是要是没听过很多乐队的录音，脑子里会没有什么概念，说多了都是没用的。

评分☆☆☆☆☆

其实就是一本配器法的入门，也可以理解为速成的小型配器法。可以作为赛缪尔阿德勒和柏辽兹的《配器法》的入门，但是要是没听过很多乐队的录音，脑子里会没有什么概念，说多了都是没用的。

评分☆☆☆☆☆

其实就是一本配器法的入门，也可以理解为速成的小型配器法。可以作为赛缪尔阿德勒和柏辽兹的《配器法》的入门，但是要是没听过很多乐队的录音，脑子里会没有什么概念，说多了都是没用的。

评分☆☆☆☆☆

其实就是一本配器法的入门，也可以理解为速成的小型配器法。可以作为赛缪尔阿德勒和柏辽兹的《配器法》的入门，但是要是没听过很多乐队的录音，脑子里会没有什么概念，说多了都是没用的。

评分☆☆☆☆☆

其实就是一本配器法的入门，也可以理解为速成的小型配器法。可以作为赛缪尔阿德勒和柏辽兹的《配器法》的入门，但是要是没听过很多乐队的录音，脑子里会没有什么概念，说多了都是没用的。