具体描述
作者简介
鲁道夫·阿思海姆（Rudolf Arnheim，1904-1994),原籍德国，1946年定居美国。曾先后就任于纽约社会研究院和劳伦斯学院，1968年后担任哈佛大学艺术心理学教授，1974年退休后担任密西根大学艺术史系访问教授，1976年获“全美艺术教育协会突出贡献奖”。主要著作有《艺术与视知觉》、《视觉思维—审美直觉心理学》、《电影作为艺术》、《艺术心理学新论》、《熵与艺术》等。
滕守尧，1945年生，山东人，曾先后就读北京大学西方语言文学系和中国社会科学院研究生院哲学系美学专业，现任中国社会科学院哲学所研究员，博士生导师；北京大学艺术学系兼职教授，中华美学学会副会长，常务理事。主要著作有《审美心理描述》、《艺术社会学描述》、《中国怀疑论传统》、《文化的边缘》、《艺术化生存——中西审美文化比较》、《道与中国文化》等14部，美学译著有《艺术与视知觉》、《视觉思维》等7部，文学译著8部
目录信息
读后感
这本书还是大学时候看的84版,学校老图书馆卡片式的借书模式. 大学图书馆里艺术类的书很少很少 有也是很老的版本. 于是一本本借过去,可以看的书就非常少,于是这本书我借了六次,最后一页的借阅卡上留下六次我的名字. 但不得不说,这是非常值得一看的书,借了六次是因为每次都看不...
评分我的职业是建筑师，非常喜欢这本书，一直常伴案头的良师益友！对工作和建立自己的形式设计体系大有裨益！ 新版也买了，感觉比老板好！图清晰，翻译也简练些！
评分书是真心不错！但翻译是不是应该要尊重原作者的基础，我承认翻译这类理论，有时必须要加入翻译人自己的理解，才能表达。但是不得不说，这也损失了原著大量信息和内涵。如原著在第八章中有一个举例用的是“毛毛虫”，翻译改成“拖车”。当然这个改变无伤大雅，也基本不会太影响...
评分能打通古今中外艺术的艺术理论。就凭这一点，就震今烁古了。 1、看原文、看原文、看原文！ 2、先翻翻其它艺术理论、和知觉、心理学理论，再看这本书，就知道什么叫“震今烁古”了。 举些第1章的读后感： “知觉”不是（简单地）量出来的，而是秒懂的一些特征、关系。 知觉是整...
评分看起来，艺术似乎正面临着被大肆泛滥的空头理论扼杀的危险，近年来，真正堪称为艺术的作品已经不多见了。它们似乎在大量书籍、文章、学术演讲、报告会、发言和指导等——这一切都是想要帮助我们弄清楚什么是艺术，什么不是艺术；什么人在什么情况下创造了什么作品，他为什么或...
用户评价
这本书简直是为我量身定做的！我一直对那些能够“骗过”眼睛的艺术作品感到着迷，比如那些看起来像真实照片但实际上是绘画的作品，或者那些能够让你产生空间错觉的装置艺术。在阅读《艺术与视知觉》之前，我总觉得这些作品背后一定有什么神秘的技巧，而我这种“普通人”是无法理解的。但这本书，就像一个神奇的万花筒，它把那些复杂的视觉原理，用一种非常易懂，甚至带点趣味性的方式呈现了出来。我尤其喜欢书中对“视觉引导线”和“构图平衡”的分析。以前看画，我只觉得画面看起来“舒服”或者“不舒服”，现在我明白了，原来艺术家们在构图时，会巧妙地利用线条来引导观众的视线，让他们不自觉地朝着他们想要强调的部分移动。而“平衡”也并非仅仅是左右对称，它涉及到色彩的重量、形状的大小、肌理的粗细等等多种因素的综合考量。作者在解释这些概念时，大量引用了经典的绘画作品作为案例，这让我受益匪浅。我翻出了很多我以前看过的画册，对照着书中的讲解，重新审视它们，突然间，那些曾经让我感到“莫名其妙”的画面，一下子就变得豁然开朗了。这种“顿悟”的感觉，真的非常美妙。这本书不仅仅是让我学会了“看”，更是让我学会了“理解”和“感受”艺术。
评分拿到《艺术与视知觉》这本书，我内心是有些期待的，因为我一直对那些能够“以假乱真”的写实油画作品非常感兴趣，也对一些抽象画中看似随意却蕴含着深刻哲理的构图感到好奇。这本书并没有让我失望，它用一种非常科学且艺术的方式，将视觉的奥秘展现在我眼前。我特别欣赏书中关于“透视法”的讲解，作者不仅介绍了不同类型的透视（一点透视、两点透视、三点透视），更重要的是，他解释了透视法是如何影响观众的空间感知，以及艺术家是如何利用透视法来创造出立体感和深度感的。这让我回想起第一次看到那些街头3D立体画时的震撼，原来，那背后有着如此严谨的数学和几何原理。同时，书中对“色彩混合”的理论性探讨，也让我受益匪浅。我一直以为颜色的混合就是简单的物理叠加，但作者却深入浅出地解释了光学混合和颜料混合的区别，以及色彩在不同光照条件下会呈现出的不同色调。这对于我理解那些印象派画作中，艺术家们如何用并置的色彩来模拟光线的闪烁感，提供了非常重要的理论基础。这本书就像一位知识渊博的向导，带领我一步步探索视觉世界的奇妙之处，让我对那些曾经让我惊叹的艺术作品，有了更深入的理解。
评分拿到《艺术与视知觉》这本书，我首先就被它的封面设计所吸引，那种简洁而富有深意的构图，就已经预示着这本书将是一场视觉的盛宴。阅读过程中，我更是被作者深厚的学养和独到的见解所折服。书中关于“形体与空间”的论述，让我对艺术作品中的立体感有了全新的认识。我一直以为，画面的立体感是靠透视法来完成的，但这本书却告诉我，形体的体积感、表面的起伏感，以及它们在空间中的相互关系，同样是至关重要的。作者通过对雕塑、建筑以及一些古典绘画作品的案例分析，详细讲解了艺术家是如何通过光影的明暗、线条的走向、肌理的质感，来塑造出具有真实感的形体，并将其巧妙地置于空间之中。这让我回想起第一次看到那些具有强烈空间感的建筑设计图时的震撼，原来，那不仅仅是线条的堆砌，更是对我们空间感知能力的深刻理解。这本书还强调了“观看距离”对作品理解的影响。近看细节，远观整体，不同的观看距离，会带来完全不同的视觉体验。这让我意识到，艺术欣赏的过程，也是一个与作品不断互动、不断调整观看方式的过程。
评分初次翻开《艺术与视知觉》这本书，我以为它会是一本枯燥的技术性读物，然而，它却以一种出乎意料的细腻和深刻，将我带入了一个全新的观察世界的方式。我向来对艺术的喜爱仅停留在“喜欢”的层面，看到一幅画，我会赞叹其色彩的鲜艳，构图的精巧，或者故事的动人，但仅此而已。这本书却像是为我打开了一扇通往艺术“内在”的窗户。它不再满足于表面上的欣赏，而是深入探究我们眼睛看到的、大脑接收到的视觉信息是如何被处理、被理解的。书中关于光影、色彩、线条、形状这些最基本的艺术元素，不再是简单的描摹，而是被赋予了心理学和生理学的维度。比如，关于色彩的章节，作者不仅仅列举了红色的热情、蓝色的宁静，更是探讨了不同文化背景下色彩的象征意义，以及色彩在不同媒介（油画、水墨、数字艺术）中呈现出的微妙差异。我印象最深的是关于“错视画”的讲解，那简直颠覆了我过去对“真实”的认知，原来我们看到的，很多时候是大脑的一种“解读”，而艺术家正是巧妙地利用了这种解读的机制，来创造出令人惊叹的视觉效果。这本书就像一位循循善诱的老师，它不直接告诉你答案，而是引导你去思考，去感受，去用一种全新的视角去审视你周围的一切，甚至是你曾经熟悉的那些艺术作品，在读完这本书后，你都会发现它们有了更深的层次和更丰富的内涵。
评分我一直认为，艺术创作的核心在于情感的表达，但《艺术与视知觉》这本书，却让我看到了一个完全不同的维度——视觉本身的力量。它不像一些艺术评论那样，过多地强调作者的情感和背景，而是将焦点放在了观众的视觉体验上。书中对“留白”的解读，让我印象深刻。我总觉得留白是为了省事，或者是一种极简主义的风格，但这本书却告诉我，留白不仅仅是“没有”，它更是“有”的延伸，是让观众能够自由想象的空间，是创造出深邃意境的关键。作者通过分析大量的东方水墨画，以及一些现代简约派的作品，阐释了留白是如何通过对比、节奏和虚实关系，来增强作品的表现力的。我开始重新审视自己过去对“满”和“空”的理解，原来，真正的丰富，并不在于画面上堆砌了多少东西，而在于它能够激发多少思考。此外，书中关于“纹理”和“肌理”的章节也让我大开眼界。我之前只会觉得，某个作品的表面摸起来是什么感觉，但这本书却把它提升到了视觉语言的高度。不同材质的肌理，在光线下产生的不同质感，以及这些质感对观众心理产生的微妙影响，都被作者一一剖析。读完这本书，我感觉自己对艺术的理解，从“看热闹”进入了“看门道”，甚至开始尝试去“玩味”视觉的细节。
评分我一直对色彩有着莫名的偏爱，但对于如何让色彩在画面中发挥最大的作用，却感到困惑。《艺术与视知觉》这本书，为我打开了一扇通往色彩奥秘的大门。我尤其喜欢书中关于“色彩对比”和“色彩和谐”的章节。作者并没有简单地列举颜色之间的搭配原则，而是深入分析了不同类型的色彩对比（冷暖对比、补色对比、明度对比）是如何影响观众的情绪和感知，以及艺术家是如何通过巧妙的色彩运用，来营造出画面的张力和视觉冲击力。这让我重新认识了那些色彩鲜艳、充满活力的画作，原来，它们不仅仅是“好看”，更是运用了精妙的色彩理论。同时，书中关于“色彩的联觉”的讨论也让我大开眼界。我从来没有想过，一种颜色竟然能够引发另一种感官的体验，比如听到某种声音，或者尝到某种味道。作者通过引用一些艺术家的创作实践，以及相关的心理学研究，揭示了色彩与我们其他感官之间的神秘联系。读完这本书，我感觉自己对色彩的理解，不再停留在表面的“喜欢”与“不喜欢”，而是能够更深入地去体会色彩在艺术作品中所蕴含的丰富意义和情感力量。
评分我曾经以为，艺术欣赏是一种纯粹的感性体验，但《艺术与视知觉》这本书，却彻底颠覆了我的认知。它用严谨的理论和生动的案例，向我展示了视觉感知背后深刻的科学原理，以及艺术家是如何巧妙地运用这些原理来触动我们的心灵。我尤其被书中关于“图形与背景”的章节所吸引。作者通过大量的例子，解释了大脑是如何将画面中的元素区分成“图形”和“背景”，以及这种区分是如何影响我们对整体画面的理解。我突然明白，为什么有些画作看起来会“抢眼”，有些则会“沉闷”，原来，这都与图形和背景之间的关系有着密不可分的关系。此外，书中关于“节奏”和“韵律”在视觉艺术中的应用，也让我耳目一新。我一直以为节奏和韵律是音乐的专属名词，但作者却指出，在绘画、雕塑甚至建筑中，同样存在着视觉的节奏和韵律。通过重复的线条、形状、色彩或纹理，艺术家能够创造出一种流畅的视觉体验，让观众在欣赏作品时，能够感受到一种和谐的美感。读完这本书，我感觉自己仿佛获得了一种“超能力”，能够更敏锐地捕捉到艺术作品中那些隐藏的视觉语言，也更能理解那些令人过目难忘的艺术杰作是如何诞生的。
评分拿到《艺术与视知觉》这本书，我并没有抱太大的期望，以为它只是一本关于艺术史的泛泛之谈。然而，当我翻开它，立刻就被书中独特的视角和严谨的论证所吸引。我尤其喜欢书中关于“动态与静态”在视觉艺术中的表现。我一直认为，画作是静止的，但这本书却让我看到了画面中蕴含的“运动感”。作者通过对人物的动态姿态、景物的流淌线条，以及色彩的跳跃对比，来分析艺术家是如何在静态的画面中，营造出一种动态的视觉体验。这让我回想起那些表现战争场面、体育比赛的画作，它们之所以能够如此震撼，正是因为艺术家捕捉到了运动的瞬间，并将之凝固在了画面之中。此外，书中关于“比例与和谐”的论述也让我受益匪浅。我一直觉得，艺术作品的美感，很大程度上来自于其精妙的比例关系。作者通过对黄金分割、斐波那契数列等数学原理在艺术中的应用进行讲解，让我明白了，那些看起来赏心悦目的画面，往往蕴含着深刻的数学逻辑。这本书就像一位循循善诱的老师，它用科学的语言，拆解了艺术的奥秘，让我对艺术的理解，上升到了一个新的高度。
评分一直以来，我对那些能够“说故事”的画作情有独钟，总觉得艺术的魅力在于它能够传达情感，引发共鸣。然而，《艺术与视知觉》这本书，却以一种完全不同的视角，让我重新审视了艺术与观察者之间的关系。它并非只关注艺术家的创作意图，而是深入探讨了我们的大脑是如何“解读”视觉信息的，以及艺术家是如何利用这种“解读”机制来构建作品的。我非常喜欢书中关于“叙事性构图”的分析，作者通过对不同时期、不同风格画作的案例研究，详细阐述了艺术家是如何通过人物的姿态、眼神、手势，以及画面中景物的安排，来引导观众理解故事的发展和人物的情感。这让我意识到，原来一幅画不仅仅是色彩和线条的堆砌，它更是一个精心设计的“视觉文本”，等待着我们去阅读和解读。这本书还特别强调了“观看的角度”对作品理解的影响。同一个物体，从不同的角度观看，呈现出的形态是截然不同的，而艺术家正是利用了这一点，来创造出多样的视觉效果。读完这本书，我感觉自己不再是被动地接受艺术，而是能够主动地参与到艺术的解读过程中，更能体会到“阅读”艺术的乐趣。
评分我一直对那些充满“意境”的艺术作品情有独钟，总觉得它们能够触动人心深处最柔软的地方。然而，《艺术与视知觉》这本书，却以一种非常“理性”和“科学”的方式，向我揭示了“意境”背后的视觉逻辑。我尤其被书中关于“模糊与清晰”的运用所吸引。作者指出，艺术家可以通过对景物的模糊处理，来引导观众的注意力，营造出一种朦胧的美感，或者强调画面的重点。这让我回想起那些中国山水画中，远处的山峦被薄雾笼罩，近处的景物则清晰可见，正是这种虚实结合，营造出了深远宁静的意境。这本书还深入探讨了“视觉焦点”的形成。我们的大脑是如何在纷繁复杂的画面中，快速找到我们最想关注的部分？艺术家又是如何通过构图、色彩、对比等手段，来确定和引导我们的视觉焦点？这些问题，在这本书中都得到了详尽的解答。读完这本书，我感觉自己仿佛获得了一种“洞察力”，能够更深入地理解那些富有诗意和哲理的艺术作品，也更能体会到“少即是多”的艺术魅力。
评分1、basic 需要和科技史结合起来才能发现意义吧 干读没意思 2、贡布里希评价，儿童艺术一章很有教益，但是对风格问题收敛较少，过于急切效仿里格尔的“客观性”，也过于急切地为20c艺术的种种实验辩护。
评分早就应该看的一本书 可惜只有真做学问的时候才能静心读懂
评分没有读完== 如果喜欢设计，这本书要读一读。对我来说，更像科普读物（我现在读什么都觉得是科普读物……）
评分当初着迷画图时，对相关理论很是痴迷，今已不再在图上下功夫，到失了当日的求索与急切心情。
评分太抽象
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