徐悲鸿画马技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:61

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出版时间:2008-5

价格:25.00元

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isbn号码:9787530536629

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• 绘画技法
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《中国古代绘画史纲要》 内容简介 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的中国古代绘画艺术发展脉络图。它并非聚焦于某一位艺术家的特定技法研究，而是立足于历史的纵深和文化的广博，系统梳理了自史前岩画至清代中晚期中国绘画艺术的演变历程、主要流派、核心审美取向以及其背后的社会文化思潮。 第一编：远古的萌芽与青铜的辉光（史前至秦汉） 本篇从中国艺术的源头——岩画与彩陶的抽象符号开始，探讨早期人类如何将生存的经验与对世界的认知，以最原始的图画语言记录下来。重点分析了新石器时代仰韶文化、马家窑文化中的纹饰图案如何为后世的写意精神埋下伏笔。 进入奴隶社会，绘画艺术开始服务于礼仪与政治。《青铜器铭文与装饰纹样研究》部分，详细剖析了商周时期青铜器上的饕餮纹、云雷纹等，揭示了早期“图腾”与“神性”在艺术中的体现，以及“礼”如何规范视觉表达。 秦汉时期，随着统一帝国的建立，绘画开始走向世俗化与叙事化。本书着重分析了壁画和帛画的成熟。汉代墓室壁画，如马王堆汉墓的帛画，不仅展示了高超的线条运用和设色技巧，更重要的是，它们承载了丰富的宗教信仰（如升仙主题）和世俗生活场景。本篇将阐述汉代“气韵生动”的雏形如何通过对人物动态的捕捉而初步实现。 第二编：魏晋风骨与盛唐气象（魏晋南北朝至唐代） 魏晋南北朝是中国思想史上“玄学”盛行的时期，这深刻影响了绘画的哲学基础。本章深入探讨了“顾恺之与传神论”，重点解析“以形写神”的理论如何确立了中国画“精神性”高于“写实性”的核心地位。同时，佛教造像艺术的兴盛，特别是云冈、龙门石窟的造像艺术，如何通过犍陀罗风格的传入与本土化的融合，为人物画注入了新的力量。 唐代是艺术的黄金时代。本篇分为“青绿山水与界画的兴盛”和“人物画的巅峰”两大部分。唐代阎立本、吴道子的画风，标志着人物画彻底摆脱了早期“以线造型”的僵硬，转为追求动态与气势。唐代山水画虽然尚未完全独立，但对自然景物的描摹已展现出壮阔的格局。书中还将通过对敦煌壁画的深入分析，揭示盛唐气象中那种自信、饱满、热烈的美学倾向，这种气象渗透到所有绘画门类之中。 第三编：文人画的崛起与山水画的革新（五代至宋代） 宋代是中国艺术史上的一个关键转折点。随着士大夫阶层的壮大，绘画的审美重心逐渐从宫廷的富丽堂皇转向了文人的内省与抒情。 本篇首先聚焦于五代，分析了荆浩、关仝如何将北方山水的雄伟与自身胸襟相结合，奠定了“全景式”山水画的格局。随后深入宋代。南唐董源、巨然的“披麻皲”技法，标志着文人山水画的开端，强调笔墨的“韵味”而非表面的“形似”。 宋徽宗时期，院体画的“写实”达到了极致，本书将对比分析院体画（如花鸟画）的严谨工整与文人画（如米芾父子）的率性洒脱，探讨这种并存现象背后的社会心理。宋代山水画理论的成熟，特别是“可行、可望、可游、可居”的美学要求，是如何指导画家进行创作的，将作为本章的重点。 第四编：笔墨的探索与画学的成熟（元、明、清前期） 元代是文人画“正统”的确立期。元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的研究是本篇的重中之重。本书详细阐述了他们如何继承了宋代董、巨的衣钵，并将“笔墨情趣”提升到压倒一切的位置。倪瓒的“折笔”与“空旷”，不仅是绘画技法，更是其隐逸人格的体现。 明代，绘画流派纷呈。本章将梳理“浙派”（以戴进、吴伟为代表的院派余风）与“吴门画派”（以沈周、文徵明为代表的文人正宗）之间的风格分野与内在联系。晚明时期，徐渭的狂放不羁与董其昌对“南北宗论”的提倡，标志着绘画理论的系统化和对笔墨语言的极致提炼。董其昌对“有笔有墨”的强调，为后世的笔墨理论奠定了基石。 清代初期，以“四王”（王时敏、王鉴、王原祁、王荟）为代表的正统派，将传统的“笔墨”系统化、程式化，达到了古典主义的顶峰。与之相对，石涛和“金陵八家”则以革新和个性解放的面貌出现，他们对“个性”和“变化”的强调，预示着绘画将进入下一个探索阶段。 全书最后以对明清之际绘画思想的总结收尾，梳理了数千年来中国绘画在“写实”与“写意”、“技法”与“心性”之间不断平衡与转换的复杂历程。本书力求以严谨的史料为基础，配合大量的经典图像分析，为研究中国传统绘画的观众提供一个全面、深入的视角。

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我向几位专业从事国画教学的朋友推荐了这本书，他们反馈都非常积极，尤其是对其中对于“笔墨精神”的阐述给予了高度评价。这本书的文字功底也相当了得，行文流畅，逻辑严密，即便是在讨论最为抽象的艺术理念时，也能用清晰的比喻和明确的示例来支撑观点，绝无故弄玄虚之感。有一部分章节专门讨论了不同纸张对墨色表现力的影响，并且附带了不同水性纸张的渲染效果对比图，这对于追求精确效果的实践者来说，提供了宝贵的参考信息。我个人对书中对“马蹄”的刻画分析印象尤为深刻，它不是简单地画出四条腿的末端，而是细致区分了蹄铁、蹄角与地面的接触瞬间所产生的力量反馈，这种对细节的极致追求，正是区分匠气与艺术的关键。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于徐悲鸿先生的书房，看着他一笔一划地勾勒，感受他作画时的心境。这本书的排版设计也十分考究，墨韵和留白的运用本身就极具中国式的美感，体现了出版方对艺术原作的尊重。它成功地搭建了一座桥梁，连接了古代的笔墨传承与现代的视觉需求。

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这本书简直是艺术学习的宝藏！我原本以为关于绘画技巧的书籍大多会陷入枯燥的理论和僵硬的步骤分解，但《徐悲鸿画马技法》完全颠覆了我的认知。作者以一种极其生动且富有洞察力的方式，带我们走进了这位艺术大师的创作世界。书中不仅仅是简单地告诉你“马的腿要怎么画”，而是深入剖析了徐悲鸿先生观察马匹动态的独特视角，那种捕捉瞬间神韵的哲学。比如，在谈到墨色的运用时，书中并没有停留在“浓淡干湿”的表层描述，而是通过大量图例对比，清晰地展示了如何通过墨色的微妙变化来表现马匹在不同光照下皮肤的质感，以及肌肉群的起伏感。特别是关于“势”的讲解，作者引用了古代骑术和武术中对“气”的理解，将抽象的运动感具象化为笔触的选择，让人茅塞顿开。我尤其喜欢其中关于“写意”的章节，它强调了写意并非随意涂抹，而是基于对形体的精准把握后，提炼出的最本质的精神内核。读完这部分，我再看徐悲鸿的任何一幅奔马图，都能感受到那种扑面而来的生命力和速度感，仿佛能听到马蹄踏地的回响。这本书的编排逻辑非常流畅，从基础的结构解析到复杂的情感表达，层层递进，即便是零基础的初学者也能找到清晰的路径，而对于有一定基础的画家来说，它更像是一次与大师面对面交流的深刻启示。

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坦白说，市面上的绘画书籍汗牛充栋，但真正能让人反复品读并从中汲取新知的，凤毛麟角。这本书就是那少数之一。它的价值远超出了“技法”二字所能概括的范畴。我欣赏作者在行文中所流露出的那种近乎虔诚的研究态度，资料的详实程度令人咋舌，很多细节的考证，比如特定时期徐悲鸿先生所使用的笔毫特性，都被考虑在内。最让我感到震撼的是关于“动态捕捉”的论述。作者通过分析大量的写生速写稿件，揭示了大师是如何在短时间内，通过对马匹重心的瞬间判断，来确定其姿态的根本。书中提供的那些结构简化图，简直是简化复杂形态的艺术，将奔马分解成最基本的几何形体，然后再层层叠加细节，这套方法论对于提高绘画效率和准确度具有立竿见影的效果。此外，书中对“光影”在水墨画中的应用进行了独到的解读，指出徐悲鸿先生是如何巧妙地利用水墨的洇化效果来模拟光线在马匹背部和颈部的反射，创造出体积感，这在传统水墨画教程中是极为罕见的深度探讨。这本书不是一本速成的“秘籍”，而是一部需要静下心来慢慢体悟的“心法”宝典。

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这本书带给我的最大收获，是一种构建自我观察体系的能力。它并未要求读者盲目模仿徐悲鸿先生的笔法，而是通过拆解其创作过程，教会读者如何建立属于自己的“观察-理解-表达”的艺术转化路径。书中对于“马的解剖结构”的介绍，不是那种冰冷僵硬的图谱，而是结合了运动学原理的动态结构分析，能清晰地解释为什么马匹在不同步态下，其身体的重心和肌肉张力会如何变化。这种基于科学和逻辑的分析，极大地增强了我对所画物体的内在理解，使得我的描摹不再停留在表象。此外，书中对于“墨分五色”在表现马匹运动速度感上的应用，有一套独到的见解，指出通过快速的、带有空气感的皴擦与缓慢、厚重的渲染相结合，能够创造出令人信服的速度错觉。这本书的深度和广度，使得它既可以作为艺术院校学生深入研习的教材，也可以成为成熟画家在面临创作瓶颈时，寻求突破的灵感源泉。它是一部关于如何通过线条和墨色，去捕捉和传达“生命力”的精湛论述，读后令人心潮澎湃，恨不得立刻拿起笔来实践一番。

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我是在一个偶然的机会接触到这本书的，起初抱着试试看的心态翻阅，结果立刻被其深入浅出的讲解方式深深吸引住了。与其他专注于技法展示的书籍不同，这本书更像是一本结合了美学理论和实践指导的精妙指南。它花了大量的篇幅去探讨“神似”的内涵，这一点对于传统绘画学习者来说至关重要。作者没有回避徐悲鸿先生在学习西方写实主义和中国传统水墨画之间进行融合的艰辛历程，反而将这一“中西合璧”的过程细致地拆解开来。例如，书中对“骨法用笔”的现代阐释非常精彩，它将传统国画中强调的筋骨结构与现代解剖学知识巧妙地结合，使得马的骨骼结构不仅形态正确，更充满了内在的力量感。我特别留意了关于鬃毛和尾巴的处理技巧，那几页的图解堪称教科书级别的示范。它展示了如何利用飞白和焦墨来制造出风驰电掣的动感，而不是简单地堆砌线条。这本书最让我受益的是它对于“留白”艺术的强调，它不仅仅是将留白视为背景，而是将其视为与马匹本身同样重要的“空间”和“呼吸”，这种对画面整体气息的把控，是很多绘画书籍容易忽略的深层意境的培养。阅读过程中，我感觉自己不仅仅是在学习画马，更是在学习如何观察世界，如何用画笔去捕捉生命最动人的一瞬。

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