中国陶瓷纹饰 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:北京工艺美术

作者:周淑兰

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:2009-6

价格:68.00元

装帧:

isbn号码:9787805268286

丛书系列:

图书标签:

• 陶瓷
• 纹饰
• 瓷器
• 工艺美术
• 陶艺
• 艺术/设计/画集
• 文化
• 艺术类》中国古代艺术》综合
• 中国陶瓷
• 陶瓷纹饰
• 传统图案
• 艺术设计
• 历史文化
• 纹样演变
• 手工技艺
• 东方美学
• 古代工艺
• 纹饰风格

秘境探源：古希腊雕塑艺术中的神祇与人性 图书简介 本书是一部深入剖析古希腊雕塑艺术，特别是聚焦于其对神祇形象塑造与人性表达的学术专著。它并非专注于东方艺术形式，更没有涉及任何关于陶器、瓷器或纹饰的研究，而是将目光完全投向爱琴海畔那辉煌的古典文明的石头咏叹。 第一章：爱琴海畔的曙光——原始与古风时期的雕塑奠基 本章追溯了古希腊雕塑艺术的源头，从米诺斯文明与迈锡尼文明时期遗留下来的零星陶塑和象牙雕刻中，初步探寻早期人物形象的特征。重点分析了受埃及和近东艺术影响的“古风时期”（Archaic Period）雕塑，如著名的“青年雕像”（Kouros）与“少女雕像”（Kore）。我们详尽考察了这些早期作品的程式化面容、标志性的“古风式微笑”（Archaic Smile），以及它们如何从僵硬的纪念碑式造型，逐渐向更具生命力的表达过渡。特别指出，此时期的雕塑虽然服务于宗教和墓葬目的，但已显露出对人体结构比例的初步探索，为后世的古典盛期奠定了坚实的几何与解剖学基础。 第二章：古典的黄金分割——菲狄亚斯与理想化的人体美学 进入古典时期（Classical Period），希腊雕塑迎来了其艺术生命力的顶峰。本章的核心在于解读“古典正统”（High Classicism）的核心精神——即对“理想化人性的表达”。我们将围绕伯里克利时代的雅典展开叙述，详细剖析“三大师”——米隆、波留克列特斯和菲狄亚斯——的创作理念。 米隆的《掷铁饼者》被视为动与静的完美平衡，我们深入分析其捕捉的“运动前瞬间”的内在张力，而非纯粹的动态记录。波留克列特斯提出的“对身法”（Canon）理论，特别是其《持矛者》，展示了如何通过数学比例构建出完美的、超越个体差异的“理想男性”形象。 然而，本章的重点聚焦于菲狄亚斯及其对奥林匹亚宙斯神像（已失传，主要依赖文献和仿制品研究）和帕特农神庙雕塑群的贡献。菲狄亚斯如何将神祇塑造成具备至高无上威严，同时又流露出“人性的光辉”（Humanized Divinity）？我们通过分析神庙檐壁上的神祇与人间的互动场景，探讨了希腊人如何通过雕塑来构建他们与诸神之间的精神契约与视觉崇拜体系。 第三章：神祇的面孔：从神性威严到情感流露 本章专门研究古希腊雕塑中对不同神祇的形象定型与演变。我们区分了不同神祇的视觉符号系统：雅典娜的智慧与战盔、阿波罗的青春与和谐、宙斯的威严与胡须、阿佛洛狄忒的诱惑与柔美。 重点分析了从古风时期的程式化神像到古典时期的“神人同形同性”的转变过程。探讨雕塑家如何通过细微的面部表情、身体姿态（如“对立式平衡”——Contrapposto的成熟运用）来暗示神祇的内在情绪，例如胜利的喜悦、沉思的忧郁或临战的决断。这部分内容将完全侧重于雕塑本身的形式语言，而非其在其他艺术媒介中的体现。 第四章：悲剧的重量——希腊化时期的人性深度挖掘 随亚历山大大帝的东征，希腊文化进入了“希腊化时期”（Hellenistic Period）。本章阐释了雕塑艺术如何从古典时期的和谐、节制，转向对强烈情感、戏剧冲突和个体命运的关注。 希腊化雕塑不再满足于理想化的英雄或宁静的神祇，转而拥抱“非理想化”的人性表达：痛苦、衰老、绝望、以及民间生活。我们将详细考察如《萨莫色雷斯的胜利女神》（Nike of Samothrace）的狂风中的动感、《拉奥孔与儿子们》的极度痛苦挣扎，以及《垂死的伽太基人》对失败者尊严的刻画。这些作品标志着雕塑主题从宏大叙事转向对个体心理深度的挖掘，体现了文化冲击下，人们对生命无常的深刻体悟。 第五章：材料、技艺与失落的色彩：雕塑的物质性 本章将技术层面的细节作为研究的基石。我们详细考察了古希腊雕塑的主要材料：大理石（特别是帕罗斯岛和彭特利孔山的大理石）、青铜铸造技术（如失蜡法）的精湛工艺，以及木材在早期和陪葬品中的应用。 特别澄清一个重要的历史误区：现代人所见的白色大理石雕塑是其原始面貌的重大偏差。本章深入探讨了“多色性”（Polychromy）在古希腊雕塑中的普遍性。通过科学分析和文献比对，重建了雕像原本鲜艳的色彩，解释了色彩如何与雕塑的形体、纹理（如衣褶、头发、眼睛）的雕刻技法相结合，共同服务于再现生命感和增强叙事效果的目标。本书对任何与彩绘陶器或瓷器相关的技术描述均未涉及。 结语：永恒的对话 总结古希腊雕塑艺术对西方艺术史的深远影响，分析其在罗马时期、文艺复兴乃至新古典主义中的回响。本书旨在提供一个聚焦于石头、青铜与人体形式的纯粹的艺术史考察，使读者能够透过历史的尘埃，直接面对古希腊艺术家们对“美”、“力量”与“人性”的永恒探索。 本书特色： 视角纯粹： 完全聚焦于雕塑艺术（Sculpture），不涉及绘画、建筑装饰或任何形式的陶瓷艺术。 深度剖析： 结合考古发现、古代文献（如普林尼的记载）与现代艺术史理论，深入解读创作动机与美学原则。 图版丰富： 包含大量高清、多角度的雕塑作品图版（多为古典时期的杰作），便于读者进行直观的形态分析。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我之前接触过一些关于中国绘画史的书籍，但关于“纹饰”这一主题的著作，大多停留在对图案的描述和分类上，鲜有能触及到其“媒介转换”这一核心问题的。这本书最让我感到耳目一新、甚至有些颠覆认知的，是它对于不同载体间纹饰的“移植”与“适应”过程的探讨。作者没有将陶瓷、织锦、漆器上的同一主题纹饰视为孤立的案例，而是深入分析了当一个原本用于木雕或丝织品上的纹样，被转移到高岭土的胎体上时，其线条如何变得更流畅、其色彩如何被釉料的限制所重塑。特别是关于“晕染”效果的讨论，揭示了工匠们如何在“可塑性”极强的泥土上，模拟出“流动感”极强的丝绸效果。这不仅仅是“画什么”的问题，更是“怎么画”和“能画成什么样”的哲学思辨。这种跨媒介的比较视角，极大地提升了本书的学术厚度和阅读趣味性，让我开始重新审视中国传统工艺美术的内在联系，意识到所有的艺术表达形式其实共享着一套共通的审美逻辑。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我是一个对古典艺术理解力比较薄弱的读者，很多术语，比如“缠枝莲的枝条处理”、“宝相花的结构解析”这类，往往让我望而却步。我原本担心这本书会是那种充满了行话、需要反复查阅字典才能勉强读下去的“硬骨头”。然而，这本书的作者在行文过程中，展现出了惊人的教学天赋。他似乎总能预判到读者可能会在哪里感到困惑，并立刻用一种极其生动且形象的比喻来解释复杂的概念。比如，他描述“夔龙纹”的“C”形结构时，并不是直接引用古籍上的定义，而是将其比作“山峦盘旋，蓄势待发的气势”，一下子就抓住了那种动态的美感。更妙的是，他并不回避现代科技的应用，在探讨纹饰的“设计母题”时，他竟然引入了现代设计中的“模块化”和“重复性”概念进行对比分析，这让一个非科班出身的人也能迅速领悟到古代匠人们在批量生产中如何保持审美的统一性。阅读过程如同进行一场高水平的私人讲座，逻辑清晰，论证充分，绝无故作高深之嫌，非常适合希望入门却又对深度有要求的爱好者。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书，本意是想快速查阅一下清中期景德镇出口瓷上常见的“开光”纹饰的具体图案来源，没想到却被它后半部分关于“民间器物”的章节深深吸引住了。通常的陶瓷图录或研究，总是不自觉地将焦点集中在宫廷御用器或文人雅玩上，那些“阳春白雪”自然令人赞叹，但总觉得离日常生活稍远了些。这本书的作者显然有着一种平民情怀，他花了大量的篇幅去解读那些在灶台、祠堂中常见的，甚至是被视为“粗陋”的民间陶器上的图案。这种对比极其震撼：从精美绝伦的龙凤纹到朴素却寓意深远的“万寿无疆”花卉组合，再到单纯为了驱邪避灾而刻画的几何图案，无不透露出那个时代普通百姓最真实的精神诉求。我感觉自己不再是隔着玻璃欣赏博物馆里的展品，而是亲手触摸到了那些充满烟火气的日常物件。书中对这些民间纹饰的解读，充满了人类学的视角，它不仅仅是在“看图说话”，而是在“读懂符号背后的生活哲学”。这种对“失语者”艺术的重新发掘和尊重，让我对中国传统文化的理解维度拓宽了许多，绝对是一部有温度的研究著作。

评分☆☆☆☆☆

这本书，光是封面那深邃的蓝色调和几笔遒劲有力的金色纹饰，就足够让人心神为之一振。我原以为它会是一本晦涩难懂的学术专著，毕竟“陶瓷纹饰”这个主题听起来就带着一股子干燥的历史气息。然而，翻开扉页，我立刻被作者那细腻入微的文字功底所吸引。它没有急着罗列历代名窑的出品信息，而是像一位经验老到的导游，带着你穿梭回那个窑火升腾的年代。我尤其欣赏它对“釉色变化”的描述，那种对矿物配比、烧制气氛的捕捉，简直像是诗人写景，将冰冷的化学反应转化成了有生命力的色彩叙事。比如，书中对宋代钧瓷那种“雨过天青云破处”的蓝色层次感，分析得入木三分，让我忽然明白了为什么仅仅是颜色的细微差别，就能让几件器物在历史长河中拥有截然不同的地位。这本书的叙述节奏张弛有度，时而宏大叙事，追溯纹饰从石器时代到明清的演变脉络，时而又聚焦于某一处细节，比如某件青花盘上龙纹的鳞片画法，那种考据的严谨和对工艺美学的赞叹交织在一起，读起来实在是一种享受。它更像是一部关于“中国古代审美情趣变迁史”，而陶瓷纹饰，只是那个宏大画卷上最精美绝伦的局部细节。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身，就仿佛是作者撰写内容的一种延伸和呼应。我非常欣赏它在版式编排上所体现出的对“留白”艺术的理解。在很多页码中，作者会用大段文字描述某一种繁复的缠枝花卉纹，但紧接着的下一页，往往只配以一幅极简的、焦点明确的纹饰局部特写，并辅以作者自己提炼的几句精炼的概括性文字。这种视觉上的疏密有致，完美地模拟了中国传统艺术中“计白当黑”的精髓。它避免了传统图录那种密密麻麻、信息过载的弊病，让读者在知识的汲取中得以喘息和回味。这种“留白”不仅是物理空间上的，更是思维层面的引导——它鼓励读者不要被图像的洪流淹没，而是要去思考纹饰背后的“空”与“意”。这种对阅读体验和审美节奏的精心调控，显示了作者对读者的尊重以及对艺术本身的深刻体悟。可以说，这本书的阅读体验是全方位的，从拿起的那一刻起，它就在用一种高级的美学方式与你对话。

评分☆☆☆☆☆

有各种纹饰的图案，印刷的质量还不错~ 只是陶瓷文化博大精深，书也只是沧海中的一粟罢了

评分☆☆☆☆☆

把中国陶瓷的历史和门类简洁地过了一遍，是一本很好的彩绘图集，值得收藏。去年二五折从朝阳书市收的，倒是很值当。

评分☆☆☆☆☆

当瓷瓶的花纹展开后，我发现了个惊喜~~

评分☆☆☆☆☆

不算详尽，但已经不错了。。

评分☆☆☆☆☆

当瓷瓶的花纹展开后，我发现了个惊喜~~