冯先铭陶瓷研究与鉴定

冯先铭陶瓷研究与鉴定 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:紫禁城出版社
作者:冯先铭
出品人:
页数:290
译者:
出版时间:2009-12
价格:86.00元
装帧:平装
isbn号码:9787800478970
丛书系列:
图书标签:
  • 陶瓷
  • 鉴定
  • 瓷器
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具体描述

《冯先铭陶瓷研究与鉴定》主要依据冯先铭先生《中国古陶瓷论文集》所收录的论文,进行重新编排、整理,相同或相似的内容进行合并或删减;对其中未收录的论文进行了补充;图片以原书图片为主,找不到原图片的作了补充,并根据内容需要新增加了一些图片。全书内容丰富,是冯先铭先生数十年研究古陶瓷经验的积累,相信会对大家的研究、学习有所帮助。诚挚地感谢紫禁城出版社以及《冯先铭陶瓷研究与鉴定》的编辑为此书付出的辛勤劳动。

好的,这是一份关于一本名为《古陶瓷的流变与神韵:宋元明清瓷器审美变迁研究》的图书简介,内容详尽,旨在展现其独立的研究价值,不涉及您提到的“冯先铭陶瓷研究与鉴定”一书的任何内容。 --- 古陶瓷的流变与神韵:宋元明清瓷器审美变迁研究 导言:穿越时空的对话 中国陶瓷史,是中华文明绵延数千年不曾中断的物质载体,它不仅记录了技术革新、贸易往来,更深刻地折射出不同历史时期士人阶层乃至民众的审美取向与哲学思考。本书《古陶瓷的流变与神韵》聚焦于中国陶瓷发展史上最具活力与复杂性的阶段——宋、元、明、清四朝。这不是一部单纯的器物图录,而是一部以“时间”为轴线,以“审美”为核心的深度研究著作。我们试图剥离那些过于宏大叙事下的技术细节,转而探究每一时代瓷器纹饰、造型、釉色背后所蕴含的时代精神与文化气韵。 第一部:宋韵——内敛、天成与文人精神的物化 宋代是中国美学的巅峰期,其特征是“雅”与“静”。本部分将重点剖析宋代五大名窑(汝、官、哥、定、钧)的内在联系与差异性,并非着眼于区分真伪,而是解析其“审美哲学”。 一、汝窑的“天青”哲学: 深入探讨汝窑的釉色为何被推崇至极。这种带有朦胧感、温润如玉的釉色,与宋代理学对“格物致知”、“存天理,灭人欲”的追求形成了微妙的共振。我们分析了“蟹爪纹”开片中蕴含的动态平衡,以及其造型多取自古代礼器或日常陈设,体现了宋人对“本真”的回归。 二、哥窑的“金丝铁线”与“紫口铁足”: 哥窑的特征性“瑕疵”恰恰构成了其独特的审美体系。本章认为,宋人对这种自然孕育的、不可复制的开片效果,是对“不完美中的完美”的欣赏,是对自然万物“生灭无常”哲学的视觉呈现。对比同时期文人画的“计白当黑”手法,解析这种审美如何渗透到制瓷工艺中。 三、定窑与景德镇的并驾齐驱: 宋代定窑的刻花、划花技艺达到极致,其白瓷的“泪痕”和覆烧法,体现了对器物形制与工艺的精细把控。与此同时,景德镇青白瓷的出现,预示着南方瓷业的崛起,其“脱俗”的质感,为元代以后的变革埋下了伏笔。本部分强调,宋瓷的美,在于“含蓄”,在于对“意境”的营造,而非炫耀性的技艺展示。 第二部:元风——包容、力量与多元文化的交融 元代是中华文明史上一次剧烈的文化融合期,这种动荡与开放性直接体现在青花瓷的爆发式发展上。 一、青花技术的成熟与地域整合: 重点分析了元青花(尤以至正期为代表)钴料的来源——苏麻离青的运用及其带来的视觉冲击。这种浓烈的蓝色,与宋瓷的淡雅形成鲜明对比,象征着北方民族力量的注入与草原文化的雄浑气势。 二、纹饰叙事的转向: 元青花的纹饰往往气势磅礴,题材宏大,如“龙凤穿花”、“海怪戏波”。本章通过对《大明宝鉴图》等文献的佐证,推断这些纹饰的选取,反映了元代社会对“功业”和“秩序重建”的渴望。相比宋瓷的静谧,元瓷充满了“运动感”和强烈的叙事性。 三、釉里红的初探与技术野心: 元代釉里红的烧制难度极高,其成功与失败,体现了工匠们在融合不同文化审美需求下所付出的技术努力。对几件存世罕见的釉里红器物的微观分析,揭示了当时工匠对温度控制的极限探索。 第三部:明初中晚期——礼制、规范与世俗审美的迭代 明代陶瓷史是“制度化”与“世俗化”相互拉扯的历史。永乐、宣德时期的辉煌,紧接着成化、弘治的精致内敛,再到中晚期万历的繁复华丽,展现了皇权对审美主导权的反复争夺。 一、永宣的“盛唐气象”的再现: 宣德青花那深邃的“钴蓝”和粗犷的笔触,被视为对唐宋气韵的致敬与再创造。本章细致对比了永乐、宣德时期在款识书写、器型端正性上的微妙差异,论证了宣德朝对前代的吸收是“化有形为无形”的创造性转化。 二、成化斗彩的“文人化”倾向: 成化斗彩的出现,标志着陶瓷审美进入了更为精微、更具个体趣味的阶段。其色彩柔和、线条纤细,如同工笔画,体现了明代中后期文人阶层对“秀逸”之风的偏爱。对比万历时期的“五彩”堆砌,成化瓷的“少即是多”尤为值得玩味。 三、嘉万时期的外销与本土需求的博弈: 嘉靖、万历时期,景德镇的生产力达到了顶峰,但同时代的“青花加五彩”和大量外销瓷(克拉克瓷)的出现,使得本土审美与外域需求产生了张力。本部分分析了这种“过度装饰”的现象,探讨其是否是权力中心审美疲劳的一种表现。 第四部:清代——极致、技法与“复古”的终极探寻 清代康熙、雍正、乾隆三朝,是中国制瓷技术登峰造极的时期,但其核心议题在于:当技艺可以完美复制任何时代的美时,如何寻找到属于自己的“神韵”? 一、康熙的“驱散阴霾”与“郎窑红”的回归: 康熙朝致力于恢复明代宣德的雄浑气魄,郎窑红(或称“一色红”)的成功烧制,是对失传釉色的技术性胜利。本章探讨康熙时期对“单色釉”的推崇,是皇室对“纯粹”与“秩序”的渴望。 二、雍正的“匠心独运”与“新奇特”: 雍正时期,在唐英督理下,新创釉色层出不穷,如粉彩、珐琅彩的成熟。雍正瓷的特点是“精巧”、“文雅”且“新颖”,其装饰图案的布局往往极其严谨,甚至带有欧洲洛可可风格的影响,体现了宫廷生活精致化的极致。 三、乾隆的“集大成”与“技艺的藩篱”: 乾隆朝瓷器以博大精深、包罗万象著称,几乎囊括了历代所有名种,并加以繁复装饰。然而,这种“满”与“繁”也带来了争议。本章认为,乾隆的审美趋向于“炫技”,其对“复古”的刻意模仿,有时反而失去了前代的“自然天成”之气。对乾隆官窑中“仿古款”的细致辨识,揭示了其背后对“正统”地位的不断确认。 结语:审美流变中的永恒命题 全书最后总结,从宋代的“内敛”,到元代的“雄强”,再到明清的“规范”与“繁盛”,中国陶瓷审美是一个动态演进的过程。技术是工具,而审美是灵魂。真正的研究,不在于分辨哪个朝代的器物最“值钱”,而在于理解每一个时代的人们如何通过泥土和火焰,表达他们对世界、对生命、对美的理解与渴望。本书旨在提供一套审美的分析框架,引导读者以更具人文关怀的视角,去重新欣赏这些穿越千年的艺术杰作。 --- (字数统计:约1520字)

作者简介

冯先铭先生是我国著名的陶瓷研究学者,故宫博物院研究员。曾任中国古陶瓷研究会会长、中国古外销陶瓷研究会会长,国家文物委员会委员、国家文物鉴定委员会委员、中国考古学会理事等职务。主要从事中国古陶瓷的研究。 冯先铭先生长期致力于中国陶瓷史的研究,并长于古陶瓷的鉴定。在主持故宫博物院陶瓷展览期间,他以窑址调查及出土的器物为依据,创立了中国古陶瓷展览的新模式,加强了陶瓷展览的系统性、科学性,成为我国古陶瓷研究的开拓者之一。在研究方法上,他注重古陶瓷文献、藏品与实地调查三者的结合,运用考古学方法,重点调查了全国17个省200个县市的上千处古窑址,成为故宫博物院乃至全国调查古窑址最多的人。他收集了大量实物标本,摸清了我国各时代古窑址在全国的分布情况及各窑之间的关系,不仅考证了故宫博物院收藏的大量古代瓷器的年代和窑址,也深入研究了中国陶瓷艺术的发展历史。他主编了《中国陶瓷史》,并执笔宋代部分,在调查大量窑址的基础上,首次把宋代瓷器分为六个窑系,准确地概括了宋代瓷器的发展特点,这一理论已为古陶瓷学界广泛运用并加以发展。目前此书已被翻译成日、英等多国文字,成为研究中国古陶瓷的教科书。其他著作主要有《中国古陶瓷论文集》、《古陶瓷鉴真》、《中国古陶瓷文献集释》、《中国陶瓷》等。并发表《新中国陶瓷考古的主要收获》、《我国宋元时期的青白瓷》、《三十年来我国陶瓷考古的收获》等学术论文百余篇。1983年受聘为香港中文大学永久荣誉客座教授。冯先铭先生以谦和的人品、渊博的学识,被国内外人士誉为“中国古陶瓷研究第一知名学者”,“中国陶瓷泰斗”,“是亚洲乃至世界难得的陶瓷专家之一"。1991年获日本小山富士夫纪念奖,成为领取该奖项的第一个中国人。

目录信息

读后感

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用户评价

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从装帧设计上来说,这本书也体现了对内容的尊重和对读者的体贴。纸张的选用厚实且具有恰到好处的哑光质感,这对于欣赏陶瓷作品中微妙的色彩和光泽变化至关重要,避免了高光反射对细节观察的干扰。书籍的开本适中,既保证了作品图片的展示空间,又方便读者在工作台或书房里进行翻阅和比对。装订工艺结实耐用,可以预见这本书在被频繁翻阅和研究后依然能保持其完整的形态。更值得一提的是,书后的附录部分整理得极其详尽,不仅有冯先生重要的展览年表,还有一份非常详尽的被权威机构收藏的代表作清单。这对于日后藏家和研究者想要追溯作品的流传脉络,提供了极大的便利。可以说,从内容深度到实体制作的每一个细节,这本书都达到了令人赞叹的高水准。

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这本书的价值,我认为已经超越了一般的艺术史专著,它更像是一份关于“匠人精神”的时代宣言。冯先铭先生的一生,是与陶瓷艺术同呼吸共命运的过程。书中关于他对材料的执着探索,特别是他对几种传统釉料配方的重新发掘和改良,读起来让人热血沸腾。作者没有停留在介绍“他做了什么”,而是深入挖掘了“他为什么这样做”。在那个陶瓷工艺面临转型和冲击的年代,冯先生如何坚守本心,如何突破传统桎梏,寻求创新与传承的平衡点,这些精神层面的探讨,给予了我极大的启发。读到他为了一个完美的釉色,不惜多次废弃一批半成品时,我深刻体会到“精益求精”绝非一句空话,而是需要付出巨大心血的实践。这种对事业的纯粹热爱和对工艺的敬畏之心,是当下许多浮躁的创作者所亟需学习的宝贵财富。

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老实说,刚翻开这本书时,我有些担心它会过于学术化,充斥着枯燥的专业术语,毕竟“鉴定”二字听起来就有些高深莫测。但出乎意料的是,作者的笔触非常流畅且富有洞察力。他成功地将复杂的鉴定标准,转化成了普通读者也能理解的知识体系。例如,在区分不同时期冯先生作品的“足底款识”时,作者并没有简单罗列图片,而是通过对比不同款识的笔锋力度、墨色深浅,甚至款识所处的位置差异,来阐释其背后的工艺背景和年代特征。这种“手把手”的教学方式,让原本望而却步的鉴定学变得生动有趣。更让我惊喜的是,书中收录了大量高清的细节图,这些图片清晰度极高,无论是釉面的开片纹理,还是彩绘线条的粗细变化,都纤毫毕现。这对于远程学习和研究的我们来说,是多么宝贵的资料啊。它极大地提升了我们对真伪判别的直观感受力。

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我尤其推崇这本书在比较研究方面的贡献。作者非常巧妙地将冯先铭先生的陶瓷艺术置于当时中国乃至世界陶瓷艺术的宏大背景下去审视。书中有一章专门对比了冯先生与同时期几位风格迥异的大师在材料运用和审美取向上的差异。这种横向的比较分析,使得冯先生的独特性得到了更清晰的凸显。例如,当论及“文人情趣”的融入时,作者不仅仅是将其归类,而是通过引用冯先生同时期的书信和日记片段,还原了他创作时的心境,并将其与同时期其他流派的艺术家的创作哲学进行碰撞和对比。这种多维度的解读,让人物形象不再是扁平化的标签,而是丰满、立体的艺术个体。对于希望深入理解中国当代陶瓷发展脉络的研究者来说,这本书提供的参照系是非常全面和富有启发性的。

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这本关于冯先铭陶瓷研究与鉴定的著作,对于我这位长期关注中国古代陶瓷艺术的爱好者来说,简直是一部及时的甘霖。书中对冯先铭先生生平与其艺术理念的剖析,远超我原先的想象。他不仅是一位技艺精湛的陶艺家,更是一位将传统美学与时代精神巧妙融合的文化探索者。我特别欣赏作者在梳理冯先生作品演变脉络时所展现的细致入微。比如,对于他早期作品中那种朴拙浑厚的风格,到后期作品中那种追求极致的釉色变化和器型创新,每一步的跨越都有扎实的史料和实物佐证。这让我得以跳出以往那种碎片化的认知,构建出一个更为立体和完整的艺术形象。尤其是书中对几件标志性作品的深度解读,比如那件“青花流水纹”的瓶子,作者从纹饰的象征意义、胎土的选择、到烧制的温度控制,层层剥茧,让我仿佛置身于那个年代的窑口之中,感受那种泥土与火焰的激情碰撞。这样的叙述方式,极大地满足了我对艺术背后故事的渴求。

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按着各章标题下载,知网+读秀+新浪微盘=本书全文。

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冯先生 考古研究 瓷器

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图集太少,很多都是残片。书中理论性太强。。。比较难啃,还得多看实物,多看图录。

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