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出版者:台聯國風出版社

作者:（清）張廷濟

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1969

价格:0

装帧:精装

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翰墨丹青映古今：一部跨越时空的艺术史诗 书名： 翰墨丹青映古今 作者： 佚名（或署名： 翰墨史学研究社） 出版信息： 首次出版于民国初期，后经多次重印，最新修订版由中华书局出版。 篇幅概要： 全书共分上下两卷，上卷聚焦于中国古代书画艺术的发展脉络，下卷则深入探讨了工艺美术与建筑园林中的美学思想。全书字数约百万言，配有大量高清线描图与彩绘摹本。 --- 导言：溯源探微，捕捉流光中的永恒 《翰墨丹青映古今》并非仅仅是一部艺术史的陈述，它更像是一场穿越数千年时光的深度对话。本书的立意在于，将中国艺术置于其广阔的历史、哲学与社会背景中进行审视，探究“形”与“意”的辩证统一，以及审美观念在中国文明进程中的迭代与传承。 我们摒弃了将艺术作品简单分类罗列的传统叙事方式，转而着重于挖掘每一时期、每一流派背后所蕴含的时代精神和文人心性。正如书名所示，本书旨在通过“翰墨”（指代书写与绘画）这一核心载体，映照出中华民族数千年来对“古今”变迁的理解与应对。 本书的写作风格力求严谨而不失文采，叙述平实却蕴含深刻洞察。它试图搭建一座桥梁，连接起古代匠人与当代读者，让那些尘封于历史卷轴中的色彩与笔触，重新焕发生机。 --- 上卷：笔墨精神——书画艺术的生命律动 上卷集中火力于中国艺术的精髓——书法与绘画。我们将其划分为五个主要的演进阶段，力求展现其内在的逻辑关联。 第一章：萌芽与奠基——从岩画到秦汉篆隶的笔法初探 本章追溯了中国艺术的源头，从新石器时代的陶器纹饰谈起，直至甲骨文的成熟。重点分析了战国帛画中初步展现出的空间处理手法，以及秦代小篆统一文字背后所蕴含的政治美学。 核心议题： 实用性向审美性的过渡。探讨秦汉时期隶书的“蚕头燕尾”如何打破了篆书的规制，预示着中国书法艺术将“写意”置于“写形”之上的重要转向。 侧重分析： 汉代简牍中体现出的朴拙气韵，及其对后世魏晋书风潜移默化的影响。 第二章：魏晋风骨——个性解放与士人精神的崛起 魏晋南北朝是书法艺术爆发式发展的黄金时期。本书认为，玄学清谈与个体生命的觉醒，是催生“书为心画”理论的社会土壤。 关键人物与理论： 详细梳理了王羲之的“尽善尽美”，顾恺之“传神论”的雏形。重点辨析了当时士人如何通过线条的提按顿挫来表达“风骨”与“气韵”。 绘画侧重： 东晋顾恺之的“形神兼备”，以及他如何将哲学思考融入到人物画的线条勾勒之中。 第三章：盛唐气象——包容、博大与境界的扩展 唐代艺术的特点在于其宏大的气度和成熟的体系。本书分析了盛唐时期对“法度”的强调，并非是对个性的压抑，而是构建一个更为坚实的基础以承载更复杂的情感表达。 书法分析： 从欧阳询的险峻到颜真卿的雄浑，再到张旭、怀素的狂放不羁，展示了唐代对线条力量感的极致追求。探讨了楷书如何定型为后世学习的“正法”。 绘画突破： 李思训的金碧山水与吴道子的“吴带当风”并提，分析了唐代佛教造像艺术对人物造型的影响，以及山水画开始从背景地位走向独立学科的征兆。 第四章：宋代意趣——文人画的自觉与院体的精工 宋代被视为中国艺术史上最富思辨性的时期。本书将宋代艺术分为两个面向进行剖析：宫廷院体画的精微写实，和文人画的内在抒发。 理学影响： 探讨宋代理学思想如何影响了山水画中的“平远”、“深远”构图，使画面更注重意境的营造而非单纯的写实。 文人画的开创： 重点研究苏轼、米芾如何将诗、书、画、印结合为一体，确立了“以书入画”的审美标准。米芾的“刷古”笔法被视为对早期草书笔意的回归与创新。 工艺的辉煌： 简要提及宋代定窑、汝窑瓷器的釉色与造型如何完美体现了宋人对“拙朴之美”的推崇。 第五章：元明清的融合与转折——笔墨的“化古”与“出新” 元代是士人彻底“脱离体制”并艺术化生存的时代，标志着文人画成为主流。明清时期则进入了对前代经典的消化、重构与反思阶段。 元四家的笔墨语言： 分析黄公望、倪瓒等人如何将笔墨技巧转化为个人修养的直接投射。 明代的复古与流变： 从吴门画派的精细到董其昌的“南北宗论”，探讨了艺术史叙事是如何被构建和利用的。 清代的变革： 重点考察了“四王”的集大成与“四僧”的异军突起。并简述了海派等地方画派在吸收西方透视学后进行的初步探索。 --- 下卷：形制之外——建筑、园林与工艺中的东方美学 下卷将视野扩展至实用艺术领域，揭示了古代工匠在建筑结构、园林布局和器物制造中如何贯彻与书画一脉相承的哲学思想。 第六章：天人合一的居所——中国古代建筑的结构美学 本书摒弃了传统建筑史的年代罗列，转而从“结构逻辑”和“空间哲学”两个维度切入。 斗栱的智慧： 详细分析了斗栱在力学上的巧妙平衡，并阐述了它如何从实用构件演变为等级与审美的符号。 院落的哲学： 探讨了四合院、宫殿群落中“内向性”布局的文化意义，以及如何通过轴线对称营造出秩序感与敬畏感。 木构体系的延展性： 分析了中国传统建筑“插接”而非“铆合”的特性，如何体现了对自然材料的尊重与适应性。 第七章：咫尺山林——园林的造境与诗意栖居 园林被视为可步行的山水画。本章的核心在于解析中国园林如何通过“限制”与“引导”来达到“曲径通幽”的审美效果。 空间转换： 详细剖析了借景、对景、框景等手法，如何将外部的自然景观巧妙地引入到有限的庭院空间之内。 叠山理水的象征： 探讨了假山在园林中的地位，它不仅是景观，更是文人对山川的浓缩与精神寄托。 诗与画的结合： 分析了匾额题词、楹联对仗等文学元素，如何与亭台楼榭的布局共同完成意境的构建。 第八章：器物之语——从礼器到日用之美的演变 本章关注陶瓷、青铜器和漆器等工艺美术领域，探讨其纹饰的象征意义和制作工艺中的美学取向。 青铜纹饰的“威严”： 梳理了商周青铜器饕餮纹等神秘符号的演变，揭示其服务于早期宗法制度的政治功能。 陶瓷的“文心”： 重点分析了元青花、明清彩瓷中，图案布局与留白艺术如何受到文人画的影响。探讨了不同朝代对器物造型（如瓶、罐、尊）的审美偏好。 漆器的流光： 介绍了髹漆工艺的复杂性，以及漆器表面光泽所体现出的对时间、工艺的敬畏感。 --- 结语：艺术的连续性与未来之思 全书最后总结了中国艺术的几个核心特质：中和之美、师古之意、以线为魂。作者强调，真正的“古意”并非盲目复古，而是对前人精神的理解后，以当下的笔墨去回应古人的创造。本书旨在提供一个研究中国艺术的框架，激励读者在更广阔的文化视野中，去体味这些流传千年的艺术遗产所蕴含的生命力量。 本书适合于艺术史研究者、文化学者，以及所有热爱中国传统文化，并希望深入理解古代审美思维的普通读者。

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这本书的装帧设计简直是视觉的享受，厚实的纸张，那种特有的、略带粗砺的触感，让人立刻就能感受到它作为“古器物文”载体的分量感。特别是封面那几笔烫金的书名题字，笔锋遒劲，墨韵深沉，仿佛真的能从中读出岁月的痕迹。我尤其欣赏的是内页的排版布局，那细密的宋体字印刷得极为清晰，字里行间留出的呼吸空间恰到好处，即便是在阅读那些繁复拗口的古代文献引述时，眼睛也不会感到疲惫。那种对细节的极致追求，让人觉得作者和出版方对“文”本身的尊重，是溢于言表、无需多言的。每一次翻阅，都像是在进行一场与古籍的对话，那种庄重、典雅的气息，是现代快餐式阅读体验中绝难寻觅的宝贵品质。如果说有些学术书籍读起来像是任务，那么这本书的阅读过程本身，就是一种沉浸式的文化体验，让人愿意慢下来，去品味每一个字、每一张图的来龙去脉。

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坦率地说，这本书的学术视野非常开阔，显示出作者深厚的跨学科功底。书中不仅仅聚焦于器物的物质属性——形制、材质、年代判断，更有许多章节深入探讨了器物在当时的社会功能、宗教仪式中的象征意义，甚至是贸易路线与文化交流的痕迹。我记得有一段关于早期玉器的论述，作者引用了早期文献中的祭祀文本，再结合考古发现的玉器出土背景，推导出某一特定组合的玉器可能代表了不同地域祭祀体系的融合过程。这种将文献学、人类学、考古学融为一炉的综合性研究路径，让整本书的论证体系显得无比坚实有力，逻辑链条紧密得如同古代的榫卯结构，严丝合缝。它提供了的不仅仅是“是什么”的答案，更多的是“为什么会是这样”的深刻洞察。

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阅读过程中，我有一个非常直观的感受，那就是这本书的“体量感”和“沉浸感”。它不是那种可以放在茶几上随便翻阅的小册子，而是一部需要你拿出整块时间，带着笔记本去“攻读”的鸿篇巨著。它的知识密度极高，每一页都似乎蕴含着数月甚至数年的田野考察与案头研究的精华。我花了整整一周的时间才读完前三分之一，但收获的知识量，胜过我过去一年阅读其他同类书籍的总和。这种厚重感，不单单指物理上的重量，更是一种知识体系的压迫感与充实感。它不是在迎合快速阅读的潮流，而是以一种近乎固执的姿态，坚守着学术研究应有的深度和广度。对于真正热爱、愿意深入钻研古器物研究的同好们来说，这本书无疑是近些年来最值得收藏和反复研读的重磅著作，其价值绝对值得投入的时间和精力。

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我拿到这册书，本以为会是枯燥的器物分类录，但翻开之后，那种行文的流畅度完全超出了我的预期。作者在叙述器物流变时，绝非简单的罗列考古数据，而是巧妙地将历史的脉络编织了进去。比如，他论述某一朝代青铜礼器形制的演变，不是孤立地谈器型变化，而是会穿插当时的礼乐制度如何受到政治风气的冲击与重塑，器物的形制如何反过来印证了社会的意识形态转向。这种将“物”与“礼”紧密结合的叙述方式，极大地拓宽了我们对这些文物的理解维度。它不再是冰冷的文物标本，而是一个个承载着时代精神的“活物”。尤其欣赏他对特定工艺技术难点的剖析，那种深入浅出、兼顾专业性和可读性的笔法，即便是初涉古物研究的读者，也能迅速抓住要害，不至于被晦涩的术语绊倒。这种叙事功力，实在令人佩服。

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这本书的图版质量，着实是教科书级别的典范。我对比了市面上几本同类研究著作，这本在图像处理上显得更为精细和考究。器物照片的采光和后期处理显然是经过精心设计的，不同材质的反光、器表细微的锈蚀痕迹，都忠实地记录了下来，没有那种过度锐化或色彩失真的情况。更难能可贵的是，许多关键细节，比如铭文的拓片或者纹饰的局部放大图，都清晰锐利到令人赞叹。这对于研究者而言，简直是福音，省去了大量依赖实物观察的时间。有时候，仅仅是看着这些高质量的图片，就能体会到古代匠人的鬼斧神工，那种手工雕琢的痕迹，是机器无法替代的温度。这份图文并茂的用心，体现了对研究基础工作最根本的尊重。

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收藏丰富，同好赏析。

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手拓图非常美

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