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出版者:Paris : Bordas

作者:Jacques Pinthurault

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:1990

价格:0

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isbn号码:9782040184964

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法国电影的黄金时代：流金岁月的光影传奇 法国电影，一个承载着无数艺术梦想与民族精神的词汇，它如同一坛陈年的佳酿，历久弥香，散发着独特的魅力。从默片时代的先驱者，到新浪潮的颠覆者，再到当代影坛的锐意创新，法国电影始终走在世界电影艺术的最前沿，书写着属于自己的光辉篇章。本书将带领读者穿越时空，深入探寻那段星光璀璨、创意勃发的黄金时代，领略那些塑造了法国电影面貌、影响了世界影坛的伟大导演、杰出演员以及不朽杰作。 第一章：播撒艺术的种子——法国电影的黎明与早期探索 电影的诞生，本身就是一个充满魔力的奇迹。1895年，卢米埃尔兄弟在巴黎大咖啡馆的放映，标志着电影艺术的正式启程。而在法国，这颗艺术的种子很快便落地生根，孕育出勃勃生机。本章将回顾那个令人振奋的开端，探讨早期电影的先驱者们如何用最原始的技术，捕捉生活中的瞬间，将现实世界的流动之美搬上银幕。 我们将目光聚焦在那些奠基性的名字上：乔治·梅里爱（Georges Méliès），他以其天马行空的想象力，将电影变成了奇幻的舞台，用特效和剪辑创造了一个个令人惊叹的梦幻世界，《月球旅行记》至今仍是电影史上的经典范例。再如费尔南·莱热（Fernand Léger），他试图将立体主义的美学理念融入电影，探索电影的抽象与形式美。这一时期，法国电影更多的是一种新奇的玩意儿，一种街头杂耍，但其中蕴含的艺术潜力和叙事可能，已经初露锋芒。 我们还将审视早期的叙事尝试，尽管当时的电影语言还显粗糙，但一些导演已经开始尝试构建更复杂的故事，捕捉人物的情感。那些黑白影像中闪烁的光芒，是那个时代艺术家们对未知领域的好奇、对表达的热情，以及对电影艺术无限潜力的初步探索。这一阶段的法国电影，就像一颗刚刚发芽的幼苗，虽然稚嫩，却充满了蓬勃的生命力，为日后的繁荣奠定了坚实的基础。 第二章：时代的镜子——现实主义的崛起与社会写照 20世纪初，法国社会经历了剧烈的变革，两次世界大战的阴影，经济的波动，以及社会思潮的碰撞，都深刻地影响了法国电影的走向。现实主义思潮开始在电影中占据重要地位，导演们不再满足于纯粹的娱乐，而是开始将镜头对准社会现实，关注普通人的生活，揭示人性的复杂与社会的弊病。 本章将深入探讨“诗意现实主义”（Réalisme Poétique）的兴盛。这一流派的代表人物如让·雷诺阿（Jean Renoir）和马赛尔·卡尔内（Marcel Carné），他们以细腻的笔触，描绘了底层人民的命运，城市的街角，工厂的烟囱，以及酒吧里的谈笑与叹息，构成了一幅幅充满诗意的社会画卷。《人间的兽》（La Bête humaine）、《雾码头》（Le Quai des brumes）和《天堂的孩子们》（Les Enfants du paradis）等影片，便是这一时期现实主义的杰出代表。 这些影片并没有回避生活的残酷，但却在苦难中注入了人性的温暖和对美好爱情的渴望。导演们善于利用镜头语言，营造出一种忧郁而浪漫的氛围，将观众带入人物的内心世界。演员们精湛的表演，将那些充满悲剧色彩的角色刻画得入木三分，他们的眼神、他们的动作，都充满了生活的气息。现实主义电影的出现，标志着法国电影开始承担起更深刻的社会责任，它成为了时代的镜子，折射出当时法国社会的真实面貌，引发人们的思考与共鸣。 第三章：打破陈规，重塑影像——法国新浪潮的革命 如果说现实主义是法国电影的土壤，那么新浪潮（Nouvelle Vague）无疑是这场土壤上绽放出的最耀眼的花朵，是一场颠覆性的艺术革命。20世纪50年代末到60年代，一群年轻、充满激情的影评人，同时也是导演，如让-吕克·戈达尔（Jean-Luc Godard）、弗朗索瓦·特吕弗（François Truffaut）、阿涅斯·瓦尔达（Agnès Varda）、克洛德·夏布罗尔（Claude Chabrol）等，以其锐利的视角和独特的创作手法，彻底改变了法国乃至世界电影的面貌。 新浪潮的出现，是对传统电影制作模式、叙事方式以及审查制度的一次全面反叛。他们摒弃了传统的 studio system，采用更自由、更灵活的拍摄方式，常常在真实的外景地拍摄，使用手持摄影机，捕捉最自然、最真实的瞬间。在叙事上，他们打破了传统的线性叙事结构，引入了闪回、跳切、直接对话等手法，强调导演的个人风格和“作者电影”（Auteur Theory）的理念，认为导演才是影片真正的作者。 本章将深入分析新浪潮的核心理念及其代表作品。《精疲力尽》（À bout de souffle）、《四百击》（Les Quatre Cents Coups）、《呼吸》（Vivre sa vie）等影片，都成为了新浪潮的标志性作品。这些影片中，年轻的演员们以其自然、不做作的表演，成为了银幕上的新面孔。新浪潮的出现，不仅在艺术上带来了巨大的冲击，更重要的是，它激发了电影创作的自由精神，鼓励了对影像语言的不断探索，为后来的电影发展开辟了无限的可能性，其影响力至今仍在延续。 第四章：情色、暴力与哲学——后新浪潮的多元探索 新浪潮的火焰逐渐熄灭，但它所点燃的艺术火种，却在后来的法国电影中以更加多元、更加大胆的方式延续和发展。20世纪60年代末至80年代，法国电影在艺术上继续保持着旺盛的生命力，涌现出了一批风格各异、题材广泛的优秀作品。 本章将探讨“后新浪潮”时期法国电影的多元化发展。一方面，一些导演在继承新浪潮精神的基础上，继续探索更具挑战性的主题和叙事方式。例如，路易·马勒（Louis Malle）的《烈火焚身》（Au revoir les enfants）虽然不是新浪潮的直接产物，但其深刻的人文关怀和对历史的审视，展现了法国电影在情感表达上的深度。 另一方面，一些影片开始更直接地触及情色、暴力以及哲学思辨。如皮埃尔·保罗·帕索里尼（Pier Paolo Pasolini）虽然是意大利导演，但他的作品在法国也产生了深远影响，其对宗教、神话以及人性的反思，在法国影坛也得到了呼应。一些法国导演开始在影像中融入更强烈的个人表达，对社会道德、政治议题以及存在的意义进行更深入的探讨。 我们还将关注那些在商业上取得巨大成功，但同时又不失艺术追求的影片。法国电影并未完全走向纯粹的艺术殿堂，而是找到了艺术与市场之间的平衡点。这一时期的法国电影，更加自由、更加开放，敢于挑战禁忌，敢于表达自我，展现了法国电影强大的生命力和包容性。 第五章：当代法国电影的魅力——传承与创新，世界舞台的闪耀 进入21世纪，法国电影依然保持着其在全球电影版图上的独特地位。它既承载着悠久的电影传统，又不断吸收新的元素，在传承与创新中焕发新的生机。 本章将聚焦当代法国电影的最新发展。我们看到，那些曾经的新浪潮旗手们，如戈达尔，依然在不断地挑战自我，他的晚期作品更是充满了哲学思辨和形式实验。同时，一批新的导演如奥利维耶·阿萨亚斯（Olivier Assayas）、阿诺·德普莱尚（Arnaud Desplechin）、蕾雅·赛杜（Léa Seydoux）等，他们以其独特的视角和创作手法，吸引了全球观众的目光。 当代法国电影在题材上更加广泛，从温情的家庭故事到激烈的社会批判，从浪漫的爱情喜剧到深刻的惊悚片，几乎无所不包。它们在国际电影节上屡获殊荣，如戛纳电影节、威尼斯电影节等，不断证明着法国电影的艺术实力。 同时，法国电影也在积极拥抱新技术，但始终将内容和情感放在首位。它们依然以其独特的法式浪漫、人文关怀以及对生活细致入微的观察，打动着世界各地的观众。本章将通过分析一些近年的优秀影片，展现当代法国电影的多元魅力，以及它在国际舞台上的持续闪耀。 结语：永不落幕的光影史诗 法国电影，是一部永不落幕的光影史诗。从黑白默片时代的启蒙，到现实主义的深刻反思，再到新浪潮的革命性突破，以及当代电影的多元探索，它始终以其独特的艺术魅力和人文关怀，影响着世界电影的发展。本书旨在为读者打开一扇通往法国电影殿堂的大门，让您领略那些伟大的作品，认识那些卓越的创作者，感受那份对电影艺术不懈追求的热情。愿这段光影之旅，能带给您深刻的启迪和无尽的享受。

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这部关于法国电影大师的著作，说实话，我期望能更深入地探讨一些被忽视的流派和幕后人物。它花了大量的篇幅去剖析新浪潮的几位核心导演，这一点我能理解，毕竟他们的影响力是巨大的。然而，当我读到对让·雷诺阿（Jean Renoir）的分析时，感觉有些浮光掠影，没有真正挖掘出他作品中那种复杂的人性和社会批判是如何通过镜头语言一步步构建起来的。比如，在分析《大幻灭》时，书中仅仅提到了其反战主题，却对光影调度、景深运用与人物心理状态之间的精妙关联着墨不多，这对我这个喜欢从技术层面理解电影的人来说，实在有些意犹未足。我更希望看到的是，作者能拿出一些具体的镜头截图，逐帧分析当时的剪辑节奏是如何故意打乱叙事流畅性，以达到情感上的冲击效果。书中引用的访谈材料虽然不少，但大多是些老生常谈的观点，缺乏新鲜的、能够挑战既有认知的解读视角。整体而言，它像是一份优秀的入门指南，能帮你快速了解法国电影史上的几座丰碑，但若想探寻其艺术深处的奥秘，恐怕还需要辅以更多的专业影评或导演自述。它更像是一本“教科书式”的总结，缺少了那种“私人化”的、充满激情的电影痴迷者的独到见解，使得阅读体验略显平淡，期待未来能有更具颠覆性的研究问世。

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这本书在介绍“左岸派”时，似乎陷入了一种学院派的窠臼，过度强调了其文学根源和哲学思辨性，反而忽略了其实践层面的创新。尤其是在讨论克里斯·马克（Chris Marker）时，几乎是以一种近乎膜拜的态度来描述他的蒙太奇技巧，但对于他早期在摄影和影像采集方面所做的艰苦工作却一带而过。马克那种游走于不同文化间的“观察者”视角，其实深受其旅行经历和对人类学田野调查的兴趣影响。书中对这些“在地性”的探讨显得苍白无力，使得马克——这个本身就极具神秘色彩的影像诗人——被扁平化成了一个纯粹的理论家。对于我这种对全球化视角下的电影语言发展感兴趣的读者来说，这本书提供的框架太局限了。它似乎只关注法国本土的“高雅艺术”对话，而对法国电影如何影响乃至被全球其他地区的电影流派所吸收和转化，缺乏足够的篇幅进行论证。读完后，我感觉自己仿佛被困在了巴黎左岸的一间布满灰尘的放映室里，看不到窗外世界的广阔变化。

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我拿起这本书，原本是想找一些关于电影配乐与法国电影美学之间关系的论述，但遗憾的是，这方面的探讨几乎是空白。书中的焦点完全集中在了视觉叙事和剧本结构上，这对于理解“法兰西之美”而言，无疑是缺失了重要的一环。法国电影的魅力，很大一部分源于其对音乐的克制运用，或者说是对特定类型音乐的精准拿捏，比如德彪西式的朦胧感在某些片子中起到的烘托作用。书中提到戈达尔（Godard）时，大多集中在他对传统叙事的解构上，却鲜有提及他对爵士乐和流行音乐的碎片化拼贴，以及这种拼贴如何反过来塑造了角色的疏离感和时代的躁动不安。这让我想起了六十年代末期，咖啡馆里那些充满了反叛精神的年轻人，他们的内心世界不可能是寂静无声的。我甚至翻阅了附录，寻找关于某几位配乐大师的介绍，结果同样令人失望。这本书像是只看得到了“骨架”，却错过了“血肉”与“灵魂”的交织。对于希望通过声音进入法国电影氛围的读者来说，这本书提供的帮助非常有限，更像是一份目录，而非沉浸式的体验指南。

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阅读过程中，我最大的困惑在于作者对女性导演群体的处理方式。显然，法国电影史的叙事中，女性导演的声音长期被边缘化，而这本书，坦白说，也未能有效地扭转这种偏见。它将焦点牢牢锁定在那些已经“功成名就”的男性大师身上，而像阿涅斯·瓦尔达（Agnès Varda）这样的先驱，其篇幅与分析深度，与她的历史地位完全不成正比。瓦尔达的作品充满了对日常生活细微之处的敏锐捕捉，以及对社会边缘群体的深切关怀，这些元素往往比宏大的政治宣言更能触动人心。书中对她的描述，仿佛只是将她视为“新浪潮中那位女性”的标签，而没有深入剖析她如何运用纪录片手法来模糊虚构与现实的界限，这种技巧在后来的独立电影中影响深远。我期待的是一种更具批判性的回顾，能揭示这种性别失衡是如何在电影工业的运作中被固化的，而不是仅仅简单地罗列男性导演的作品。这种选择性的叙事，让整本书的学术价值大打折扣，因为它未能提供一个真正完整和公正的历史图景。

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坦白讲，我对本书的排版和插图质量感到非常失望。作为一本关于视觉艺术的专业书籍，其图片的选择和分辨率简直称得上是敷衍了事。很多关键场景的剧照模糊不清，色彩失真严重，这极大地削弱了对电影画面美学的讨论效力。试想，当作者在洋洋洒洒地描述某部电影中“阴影的层次感”时，读者面前却只有一张黑白灰糊在一起的低清图像，这如何能进行有效的对照和理解？此外，书中对一些关键的法国电影术语缺乏准确的翻译和解释，比如“Chanson”在特定语境下的微妙含义，或者对某些早期电影制作设备名称的直译，使得非法语母语的读者在理解其深层文化指涉时，需要不断地查阅其他资料，极大地打断了阅读的流畅性。这本书在内容深度上或许还有可取之处，但在作为一本“媒介”载体的表现上，它无疑是失败的。它仿佛是一份准备仓促的讲稿，而非一本精心打磨、供人珍藏的艺术史著作，实在是对法国电影艺术的不尊重。

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