京剧丛谈百年录 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中华书局

作者:王元化顾问

出品人:

页数:742

译者:

出版时间:2011-1

价格:118.00元

装帧:精装

isbn号码:9787101075809

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《戏梦人生：清末民初上海滩的梨园浮沉》 作者：张文远 出版社：文汇出版社 出版时间：2023年10月 --- 内容提要： 本书以史料为基石，深度剖析了清末民初至抗战爆发前，上海这座“东方巴黎”的戏曲生态变迁。它并非泛泛而谈的剧种介绍，而是聚焦于特定历史时期、特定地域的社会文化现象——即京剧如何在传统与现代的激烈碰撞中，在租界林立、中西文化交汇的上海滩，完成了一次深刻的“在地化”转型。 张文远先生以其深厚的历史功底和敏锐的社会洞察力，将叙事焦点集中于那些在舞台上光芒万丈，在生活中沉浮挣扎的伶人、票友、以及幕后推手们。全书通过对大量鲜为人知的档案、私人信札、报刊广告及回忆录的钩沉索隐，构建了一个立体、鲜活、充满张力的上海梨园图景。 第一部分：新旧交替的序曲——晚清的滩上足迹 (约300字) 清朝鼎革之际，京剧作为“国粹”的地位尚未完全稳固。本书开篇追溯了最早一批京班子弟如何从津津乐道的“科班子弟”转变为在上海滩立足的“江湖戏班”。重点刻画了光绪年间，以四大名旦的前辈们为代表的艺术家们，如何在英租界和法租界的交界处，面对既有的昆曲与地方戏的强大势力，艰难地开辟出属于京剧的一方天地。此阶段的演出，多半是为官府宴饮或富商权贵助兴，市场化程度不高，但已初显海派京剧兼容并蓄的底色。我们详细考证了早年间沪上戏园子的票价结构、观众构成，以及“堂会”文化的兴衰，为后续的繁荣奠定了基础。 第二部分：黄金时代的霓虹与阴影——民国初期的市场革命 (约450字) 民国成立后，上海的戏曲市场迎来了爆炸性的增长。本书用近三分之一的篇幅，详细描绘了“四大天王”——杨小楼、梅兰芳、尚小云、程砚秋——在上海的巡演盛况及其带来的连锁反应。张文远先生着重分析了“市场化”对艺术本体的重塑作用： 1. 新剧目的诞生与移植： 京剧如何吸收话剧的叙事结构和舞台调度，催生了诸如《杨门女将》这类兼具古典美学与现代精神的“新编古装戏”。 2. 明星制度的形成： 伶人不再仅仅是戏班的工匠，而成为了拥有巨大号召力的公众偶像。书中通过分析同期报纸对“梅党”“荀党”的狂热报道，揭示了粉丝经济的萌芽及其对伶人收入和地位的决定性影响。 3. “三不管”地带的生存法则： 租界为伶人们提供了相对宽松的创作环境，但也带来了更复杂的社会关系。书中披露了几桩涉及戏班内部经济纠纷和与地方帮派势力周旋的事件，揭示了光环背后的残酷现实。 特别值得一提的是，本书细致梳理了上海“金谷园”等著名戏园子的变迁史，对比了不同时期舞台布景、服装的西化趋势，以及对灯光、音响等现代技术的首次尝试。 第三部分：南北交锋与流派融合——京剧的“上海学派”浮现 (约400字) 上世纪二三十年代，是京剧艺术风格走向成熟和多元的关键时期。本书深入探讨了以周信芳为代表的“麒派”艺术如何在上海扎根并发展壮大。周信芳的“做功”与“念白”如何区别于北派的程式化，他如何将地方戏的精髓巧妙融入京剧，形成了独树一帜的“海派京剧”风格，并反向影响了北方的艺术生态。 此外，本书对“武生”和“花脸”在上海的发展给予了特殊的关注。例如，对一些擅演武戏的伶人如何利用电影技术进行早期“特技”表演的记录，展现了上海作为文化前沿的实验精神。通过对流派风格细微差别的对比分析，读者可以清晰地看到，京剧并非铁板一块，而是在上海的熔炉中，展现出惊人的适应性与创造力。 第四部分：战火下的坚守与沉寂 (约350字) 抗日战争的全面爆发，对上海的戏曲界造成了毁灭性的打击。本书的后半部分转向悲怆的色调，记录了众多名伶在日据时期的艰难抉择：是避世隐居，还是在日方设立的“华中文化协会”的压力下勉力支撑？ 张文远先生通过对几位艺术家的抗战言行和演出记录的梳理，展现了艺术家们在民族大义与个人生计之间的挣扎。有些名角远走香港或重庆，成为抵抗的文化旗帜；而留守上海的，则在审查制度下，以隐晦的艺术语言表达着他们的爱国情怀。戏园子从昔日的繁华热闹，沦为萧瑟空旷的象征，映射出整个民族在苦难中对文化精神的坚守。 总结与展望： 《戏梦人生》不仅是对特定时期京剧艺术成就的回顾，更是一部关于上海城市精神与精英阶层命运的微观社会史。它通过舞台上的光影变幻，折射出近代中国在现代化进程中的文化选择、商业逻辑与艺术坚守之间的复杂博弈。本书以其严谨的考据、生动的人物侧写和宏大的时代背景，为研究中国近现代戏曲史、上海城市史及文化史的学者和爱好者提供了一部不可多得的深度文献。 --- 作者简介： 张文远，著名文化史学家，上海师范大学教授，长期致力于中国近现代城市文化与民间艺术的研究，著有《清末民初江南士绅阶层研究》、《霓虹灯下的剧场》等多部有影响力的学术专著。本书为其耗时十年，深度挖掘上海地方志与戏曲档案的集大成之作。

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这本新出的戏曲史料集真是让人眼前一亮，它不像那种故作高深的学术著作，而是以一种非常亲切、近乎口述的方式，将京剧从诞生到鼎盛时期的那些鲜为人知的故事娓娓道来。作者显然是下了大功夫去搜集那些老一辈艺术家们的口述记录和尘封已久的剧本手稿。我尤其欣赏其中关于“角儿”们台下生活的描摹，那份对艺术的执着与对生计的挣扎，通过那些生动的细节被刻画得淋漓尽致。比如，书中提到某位坤旦名家在战乱时期如何坚持排练，即便是简陋的条件也无法磨灭她对“一亮相便要惊艳全场”的追求。这种对“人”的关注，远胜于对纯粹“戏码”的罗列，使得整本书读起来跌宕起伏，仿佛真的能闻到旧时戏园子里那股子特有的香料味和汗水味。它不是枯燥的年代编年史，而是一部部鲜活的人物小传，让那些逝去的艺术家们重新在文字中“站”了起来，有血有肉，引人共鸣。

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这本书带给我的最大震撼，在于它对于“传承断层”问题的深刻反思。它不仅仅是在歌颂辉煌，更是在追问“我们失去了什么”。通过梳理那些几乎失传的剧目、独特的化妆技巧乃至已经消亡的行话，作者清晰地勾勒出了一条清晰的文化流失轨迹。他没有停留在伤感的层面，而是提出了富有建设性的观点，呼吁社会对传统艺术的保护要从细节入手，从“活态的传承人”入手。书中对于某一代武旦演员如何因为时代变迁而不得不放弃舞台，转行他业的记述，读来令人唏嘘，感触良深。这使得这本书的价值超越了单纯的艺术史范畴，上升到了文化保护的高度。它提醒着每一个热爱传统文化的读者，我们所珍视的，是多么脆弱，又是多么需要我们共同守护。

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说实话，我本来以为这会是一本非常晦涩难懂的专业书籍，但没想到它在保持学术严谨性的同时，文风却如此平易近人，充满了叙事的魅力。作者似乎深谙“讲故事的艺术”，即便是讲述复杂的行当规矩或声腔流派的细微差别，也能用非常形象的比喻加以说明。我尤其欣赏作者对“声音美学”的探讨，他试图用文字去捕捉那些一旦离开剧场便会消散的唱腔的特质，例如对某位老生“韵味悠长如陈年老酒”的描述，虽然无法替代亲耳聆听，却也极大地激发了读者去探索和重温那些经典录音的欲望。这本书的结构安排也十分巧妙，章节之间过渡自然，主题的推进富有逻辑性，让人在不知不觉中，便对京剧百年历史的脉络有了清晰的认知。它成功地搭建了一座桥梁，让非科班出身的爱好者也能轻松入门，并感受到京剧艺术的博大精深。

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读罢此书，我仿佛完成了一次穿越时空的旅行，直抵二十世纪初中国戏曲最为动荡也最为辉煌的交汇点。作者的笔触极为老辣，尤其擅长捕捉历史转折点上，戏曲艺术如何应对社会变革的张力。书中对“京剧的南北融合”以及“对西方戏剧元素的吸收与扬弃”的分析，颇具洞察力。它没有简单地赞美“国粹”的完美无瑕，而是坦诚地展示了其在发展过程中所做的取舍与挣扎，例如某出经典老戏在不同历史时期如何被“修正”以符合当下的政治语境，这种批判性的视角非常难得。更让我感到惊喜的是，书中配插的那些老照片，清晰度极高，无论是舞台上的华彩瞬间，还是后台的烟雾缭绕，都为文字提供了强有力的视觉支撑，让读者能够更直观地感受到那个时代的审美情趣与舞台调度之奥妙。这绝非一般的“回顾”，而是一次对艺术生命力的深度解剖。

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我个人对于历史记载中那些“幕后英雄”的故事总是充满好奇，而这本书恰好满足了这份期待。它花了相当大的篇幅去描绘那些“二度梅”之外的、默默无闻却对京剧艺术的完善至关重要的幕后工作者们——那些灯光师、服装设计者，甚至是专门为角儿们设计排场动作的武术指导。这些角色的地位往往被历史所忽略，但正是他们，共同铸就了舞台上的光芒万丈。作者通过细致的考证，将他们的贡献重新置于应有的历史地位，这使得对京剧艺术的理解不再是单向度的“台上角儿唱主角”，而是多方合力、系统运作的复杂工程。这种对群体智慧的赞颂，让整本书显得更加厚重和全面，也让读者对一出完整的京剧表演，有了前所未有的立体化认知，极大地丰富了对“艺术生态”的理解。

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本书写的是自民国以来，文人们的京剧观及各种京剧相关的文章、对京剧发展的探索与京剧老艺术家的论述等。京剧虽是我国的国粹，不过我听的不多，还是最喜欢听家乡的越剧绍剧（沪剧、滑稽、黄梅戏偶尔也听）。

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本书写的是自民国以来，文人们的京剧观及各种京剧相关的文章、对京剧发展的探索与京剧老艺术家的论述等。京剧虽是我国的国粹，不过我听的不多，还是最喜欢听家乡的越剧绍剧（沪剧、滑稽、黄梅戏偶尔也听）。

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重读，细读。