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出版者:商务印书馆

作者:徐复观

出品人:

页数:566

译者:

出版时间:2010-12

价格:52.00元

装帧:平装

isbn号码:9787100074452

丛书系列:中华现代学术名著丛书

图书标签:

• 艺术
• 徐复观
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• 意境营造

《古韵新声：中国传统音乐的流变与现代演绎》 本书并非探讨中国艺术精神的宏观哲学或美学体系，而是专注于一个具体且充满生命力的领域——中国传统音乐的历史脉络、核心精神及其在当代语境下的重生与创新。 本书将引领读者深入中国音乐的肌理，从先秦的雅乐遗风到唐宋的盛世和声，再到近现代的流派纷呈，剖析其独特的审美取向与人文内涵。 第一部分：溯源与基石——远古的音符与礼制的构建 本书的第一部分着眼于中国音乐的源头活水，即它如何从自然崇拜与原始巫术中脱胎，最终融入到以周代礼乐制度为代表的社会结构之中。 第一章：乐律的哲学基础与早期乐器 我们不讨论“气韵生动”的艺术精神，而是聚焦于“声律的秩序”。本章详述了中国古代音律学的独特体系，特别是十二律的建立及其与天干地支、阴阳五行的对应关系。重点解析了五声、七声体系的构造原理，以及古代音乐理论家如管仲、孔子、子夏等人对音律与德性的关系思考的技术层面。 我们将详细考察如编钟、编磬、篪、埙等早期乐器的形制、材料科学与发声原理。例如，对楚国曾侯乙墓出土的编钟进行声学分析，探讨其音域覆盖范围和音准控制技术，这是一种对古代工匠技艺的实证研究，而非对音乐“意境”的抽象描摹。 第二章：礼乐制度：从听觉到政治的转换 本章的核心议题是探讨周代“礼”如何通过“乐”来实现社会教化与等级维护。这不是对“君子之乐”精神的阐发，而是对乐制中“位次”与“器物”的考据。我们将分析《周礼·春官宗伯》中对雅、颂、宴、飨等不同场合所需乐队编制（如大舞、小舞的队形与乐器配比）的详细规定。例如，不同级别的诸侯在朝会中，其使用的钟磬数量的严格限制，是音乐作为政治工具的铁证。 我们还将比对《春秋》中记载的“曲礼不正”等事件，从音乐文本的层面分析其引发的政治后果，关注的是制度的僵化而非美学的失落。 第二部分：鼎盛与融合——宫廷、文人与地域的交响 进入秦汉至宋元时期，音乐的发展呈现出复杂多样的面貌，本书将关注其体制的演变、外来文化的吸收，以及专业音乐阶层的兴衰。 第三章：汉魏六朝的胡汉交融与燕乐的勃兴 本章着重于文化接触点对音乐形态的实质性影响。我们不再强调“魏晋风度”，而是细致梳理“燕乐”的产生过程。燕乐，即“宴饮之乐”，其吸收了西域传入的曲调、乐器（如琵琶的早期形态）和歌辞。我们会对比分析《汉书·艺文志》所记载的雅乐与燕乐的曲目差异，并通过敦煌壁画中的乐舞图像，复原当时乐队的配置与演奏姿态。 第四章：唐宋：专业音乐机构的成熟与词曲的结合 唐代“教坊”与宋代“太常寺”、“梨园”等机构的运作机制是本章的焦点。我们考察这些国家级音乐工厂的财务结构、艺人选拔制度和曲谱的抄写与保存方式。 在宋代，随着市民阶层的壮大，专业音乐的重心从宫廷转向民间。我们将深入分析“词牌”与“曲牌”的音乐属性。词牌如《雨霖铃》、《水调歌头》并非仅是文学体裁，它们背后附带有固定的板式、节奏、句式和速度要求，是严谨的音乐模版。本书将运用现代记谱法对这些词牌的可能旋律走向进行技术性推演，以重构宋代宴乐的听觉面貌。 第三部分：流派与技艺——乐器体系的成熟与文人音乐的定型 本书的后半部分深入到具体乐器与演奏技法的历史发展，揭示不同地域音乐传统的形成规律。 第五章：丝竹管弦的演进：琵琶、古琴与二胡的“硬件升级” 本章聚焦于三大核心乐器的物理演变。 琵琶： 追溯其从曲项琵琶到直项琵琶的结构变迁，分析其音色如何从“金石之声”转向“丝竹之韵”，并研究历代琵琶演奏法（如推挽轮指的起源）。 古琴： 侧重于琴体结构（面、底、徽位）的标准化过程，以及斫琴工艺中楠木、桐木的选择对音质的影响。对不同时期琴谱（如《广陵散》、《梅花三弄》）的符号学解读是本章的重要内容，而非对琴曲意境的描绘。 二胡的先驱： 考察板胡、京胡等弓弦乐器的前身，分析“拉奏”这一技法在中国音乐体系中是如何被发明并逐渐完善的。 第六章：板式与腔韵：地方戏曲的生成与规范化 本书对地方戏曲的论述，将彻底摈弃“地方风情”的浪漫化描述，转而关注其程式化的音乐结构。我们将选取昆曲、梆子戏等作为案例，分析其“唱腔”与“板式”的关系。 例如，昆曲的“水磨腔”是如何通过对气息控制、腔圆滑转的严格要求，形成一套独立于北方音乐的声乐体系。梆子戏的“锣鼓点”则是如何通过对民间打击乐的吸收，发展出一套既有地域特色又具备高度统一性的节奏规范。研究的重点是音乐的“语法”，而非其叙事内容。 结语：声音的当代实践——技术、传播与活态传承 最后一部分将讨论近代以来，特别是进入二十世纪后，中国音乐如何面对西方音乐体系的冲击。我们关注的是音乐教育体系的改革、五线谱的引入、民族管弦乐队的建立等实际的制度变革。探讨民族音乐家如何利用现代录音技术保存和传播濒危曲目，以及音乐学院如何将传统技艺转化为可量化、可传授的课程体系。本书旨在提供一个基于历史、技术和制度层面的分析框架，来理解中国音乐在近百年来的适应与重塑。 本书旨在为音乐史研究者、民族乐器演奏者及对音乐技术史感兴趣的读者，提供一份扎实、严谨且不落窠臼的音乐文化考证。

评分☆☆☆☆☆

由“乐”的读音想到的 有些东西，不是我们不懂，而是真不懂。 对于“乐”字，我们知道“快乐”，“音乐”，我们唐山有个“乐（音劳，四声）亭”，还有就是“智者乐山，仁者乐水”，这里边的“乐”读作“要”。村里的人，有的字的读音不太准，但他们读了一辈又一辈了。他们管“...  

评分☆☆☆☆☆

由“乐”的读音想到的 有些东西，不是我们不懂，而是真不懂。 对于“乐”字，我们知道“快乐”，“音乐”，我们唐山有个“乐（音劳，四声）亭”，还有就是“智者乐山，仁者乐水”，这里边的“乐”读作“要”。村里的人，有的字的读音不太准，但他们读了一辈又一辈了。他们管“...  

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评分☆☆☆☆☆

庄子是中国艺术精神的策源所在，比之尽善尽美的儒家美学观点，他更是中国诗歌和水墨山水的精神内核。如果有陶渊明和王维等人的诗歌阅读体验，再来看台湾国学大师徐复观的这本《中国艺术精神》，绝对是一次理性的审美游历。从宏观梳理到微观考究两个侧面，徐复观清理出庄子的思...  

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

对于《中国艺术精神》这本书，我一直充满了好奇。我最感兴趣的部分是如何解读“精神”这个核心概念。在我看来，“精神”不应该仅仅是艺术品的风格特点，更应该是蕴含在创作过程中的价值取向、审美追求，以及艺术家与社会、自然之间相互关系的一种体现。我希望书中能够深入探讨中国艺术中那些独有的哲学底蕴，比如“道”在艺术中的体现，无论是山水画的写意，还是园林艺术的布局，都似乎蕴含着一种顺应自然的哲学思想。另外，我对于中国艺术中“意”与“形”的关系也非常感兴趣。中国艺术往往强调“得意忘形”，强调艺术品传达的内在意境，而非仅仅是外在的形态。书中是否会通过对具体作品的分析，来阐释这一点？例如，一幅看似简单的水墨画，是如何通过寥寥几笔，勾勒出无限的意境？一段古琴的旋律，又是如何营造出宁静致远的氛围？我期待作者能够为我揭示这些“看不见”的层面。同时，我也想知道，作者是否会讨论中国艺术精神的演变过程，它是否随着时代的发展而有所变化？在不同的历史时期，艺术家们又是如何理解和表达他们的“精神”的？如果书中能够联系到历史的变迁，来看待艺术精神的传承与发展，那将是非常有价值的。我希望能在这本书中找到理解中国传统艺术的钥匙，看到那些隐藏在优美造型和精致技艺之下的，中华民族独特的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

《中国艺术精神》这本书，光听名字就让人觉得内容会相当宏大。我最想知道的是，作者是如何处理“精神”这个抽象概念的。艺术的“精神”到底是什么？是一种创作的哲学理念？是一种民族的集体潜意识？还是在艺术品中得以体现的某种价值追求？我非常好奇书中是否会触及到中国传统艺术中对“意境”的强调。与西方艺术侧重于写实和技法不同，中国艺术更注重通过“意”来传达“形”，通过“形”来寄托“意”。比如，一幅山水画，往往不是对自然景色的简单描摹，而是通过笔墨的挥洒，将画家内心的感受和对自然的理解融入其中，从而营造出一种诗意的空间。我期待书中能够通过一些经典的艺术作品，比如文人画、书法、甚至陶瓷艺术，来具体阐释这种“意境”的魅力。另外，我也很想知道，中国艺术精神中是否包含着某种独特的东方哲学思想，比如“道”、“气”、“韵”等等。这些抽象的概念，如果能通过生动的艺术实例来解读，那么对于我们理解中国传统文化将大有裨益。我希望这本书能够带领我重新审视那些我们习以为常的中国艺术符号，从中发现它们背后深邃的精神内涵。

评分☆☆☆☆☆

我刚收到《中国艺术精神》这本书，还没来得及细读，但仅凭封面和目录，就让我对其中的内容充满了期待。我最感兴趣的是，作者是如何理解和阐释“精神”这个概念的。中国艺术的“精神”究竟包含哪些核心要素？是创作中的哲学思想，是审美观念的独特追求，还是某种民族性格的体现？我特别希望书中能够深入探讨中国艺术中“天人合一”的思想。这种将人与自然融为一体的哲学观，是如何体现在山水画、园林设计、甚至诗歌创作中的？另外，我还对中国艺术中“留白”的运用非常好奇。这种看似“空”的部分，在艺术品中扮演着怎样的角色？它是否象征着一种哲学上的虚怀若谷，或者是一种留给观者想象的自由？我希望作者能够通过对一些经典艺术作品的深入分析，比如唐诗宋词，宋代山水画，明清园林等，来具体阐释这些“精神”的内涵。我希望这本书能够为我打开一扇新的窗户，让我能够更深刻地理解中国艺术的独特魅力，并从中感受到一种跨越时空的文化传承。

评分☆☆☆☆☆

刚翻开《中国艺术精神》这本书，我的脑海中就浮现出无数的疑问。最让我好奇的是，作者是如何界定“中国艺术精神”的。它是一个固定不变的概念，还是一个随着时代演变而不断丰富和发展的过程？我特别希望看到书中能够清晰地梳理出中国艺术精神的几个核心特质。例如，我们常说中国艺术讲究“气韵生动”，那么这种“气韵”究竟是何物？它是某种难以言说的生命力，还是某种与自然相通的感应？又比如，中国艺术中对“留白”的运用，这种看似“空无”的空间，在艺术品中扮演着怎样的角色？它是否象征着一种哲学上的虚怀若谷，或者是一种留给观者想象的自由？我特别期待书中能够通过对经典作品的解读，来展现这些精神特质。比如，宋代山水画中的高远、深远、平远，它们传达出的不仅仅是空间的广阔，更是观者内心的一种宁静和辽远。唐代仕女画中的丰腴与华贵，是否也折射出当时社会的一种自信和开放？我希望作者能够提供一些鲜活的例子，带领我走进那些艺术作品的内心世界，去感受那种独特的东方韵味。如果书中能触及到中国传统美学中的“雅”、“俗”之辩，以及“形”、“神”的关系，那将是对我理解中国艺术非常有益的。

评分☆☆☆☆☆

这本书我刚拿到手，还没来得及深入阅读，但单凭目录和前言，我就能感受到它沉甸甸的分量。从书名《中国艺术精神》就能窥见其野心，它试图勾勒出一种宏大而又飘渺的概念，将中华民族几千年来在审美、哲学、人文关怀等方面积淀下来的精髓，通过艺术这一载体进行呈现。这种宏大叙事本身就极具挑战性，如何从浩瀚如烟的艺术史中提炼出“精神”的内核，又如何将其以清晰、易懂、富有感染力的方式传达给读者，是作者面临的巨大考验。我特别期待书中对那些被时间长河冲刷得模糊不清的艺术理念进行重新审视和解读，比如“气韵生动”到底是一种怎样的境界？“意境”的形成又有哪些微妙的条件？这些抽象的概念，如果能通过具体的艺术作品分析，结合历史背景和创作者的生平，来深入浅出的阐释，那么这本书的价值将不可估量。我希望作者不仅仅是罗列事实，更重要的是能够挖掘出这些艺术现象背后所蕴含的中国人的世界观、人生观，甚至是一种集体无意识的心理模式。例如，我们为何如此偏爱留白？这种留白背后又折射出怎样的哲学思考？我们对山水的描摹，是仅仅为了记录自然之美，还是寄托着更深层的情感和精神追求？我期待这本书能给我带来一些全新的视角，让我重新认识那些熟悉的中国艺术符号，并从中感受到一种跨越时空的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

《中国艺术精神》这本书，单从书名来看，就充满了吸引力，因为它触及了一个非常宏大且富有挑战性的主题。我最想了解的是，作者是如何定义和分解“中国艺术精神”的。它是否包含着某种恒定的特质，还是随着历史的演进而不断演变的？我特别期待书中能够深入探讨中国艺术中“意境”的营造。区别于西方艺术对写实的追求，中国艺术似乎更侧重于通过“意”来传达“形”，通过“形”来寄托“意”。比如，一幅看似简单的水墨画，如何能通过寥寥几笔，勾勒出无限的意境？一段古琴的旋律，又是如何营造出宁静致远的氛围？我希望作者能够提供一些具体的案例，用详实的史料和精辟的分析，来佐证其关于“中国艺术精神”的论点。此外，我也对中国艺术中“留白”的运用非常感兴趣。这种看似“空”的部分，在艺术品中究竟扮演着怎样的角色？它是否象征着一种哲学上的虚怀若谷，或者是一种留给观者想象的自由？我希望在这本书中找到理解中国传统艺术的钥匙，看到那些隐藏在优美造型和精致技艺之下的，中华民族独特的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中国艺术精神》这本书，我最期待的是它能为我揭示中国艺术中那些隐藏在表象之下的深刻内涵。我特别好奇作者如何界定和阐释“精神”这个核心概念。在我看来，艺术的“精神”应该是一种民族文化特质的体现，是一种独特的审美情趣和价值取向。我非常希望看到书中能够深入探讨中国艺术中“留白”的运用。这种看似“空”的部分，在艺术品中究竟扮演着怎样的角色？它是否象征着一种哲学上的虚怀若谷，或者是一种留给观者想象的自由？又比如，中国艺术中对“意境”的追求，是如何通过笔墨、线条、色彩等元素来体现的？我期待作者能够通过对一些经典作品的分析，比如山水画、书法、陶瓷等，来具体阐释这些“精神”的内涵。例如，一幅宋代山水画中的高远、深远、平远，它们传达出的不仅仅是空间的广阔，更是观者内心的一种宁静和辽远。唐代仕女画中的丰腴与华贵，是否也折射出当时社会的一种自信和开放？我希望这本书能够为我提供一个全新的视角，让我能够更深入地理解中国艺术的独特魅力，并从中感受到一种跨越时空的文化传承。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中国艺术精神》这本书，我首先关注的是作者是如何解读“精神”这个概念的。我个人认为，艺术的“精神”应该是一种贯穿于创作、审美和传承过程中的文化基因，它反映了一个民族的世界观、价值观和审美情趣。我特别期待书中能够深入探讨中国艺术中“天人合一”的思想如何体现在具体的艺术创作中。无论是园林设计的巧妙布局，还是山水画的意境营造，都似乎透露出一种人与自然和谐共生的哲学理念。另外，我还对中国艺术中“留白”的运用非常感兴趣。这种看似“空”的部分，在艺术品中究竟扮演着怎样的角色？它是否象征着一种哲学上的虚怀若谷，或者是一种给观者留下想象空间的自由？我希望作者能够提供一些具体的案例，通过对经典作品的分析，来阐释这些“精神”的内涵。例如，一幅水墨画中的几笔勾勒，如何能营造出广阔的意境？一段古琴的旋律，又如何能传递出一种宁静致远的感受？我希望这本书能够为我提供一个全新的视角，让我能够更深入地理解中国艺术的独特魅力，并从中感受到一种跨越时空的文化传承。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿到《中国艺术精神》这本书的时候，心情是既好奇又有些忐忑的。中国艺术博大精深，想要用一本书来概括其“精神”，这本身就是一件极具挑战性的事情。我最关注的是，作者是如何处理“精神”这个概念的。艺术的“精神”究竟是什么？是创作的理念？是观赏者的感受？还是艺术家所要表达的某种情感或哲学思想？我希望作者能有独到的见解，而不是流于泛泛而谈。我在想，书中是否会探讨中国艺术中一些独特的审美取向，比如对“简”的推崇，对“拙”的欣赏，以及“天人合一”的哲学思想如何体现在具体的艺术创作中？我非常期待看到书中对一些经典的艺术作品的深入剖析，例如那些文人画中的山水，是如何通过笔墨的挥洒，将自然之景与人文情怀融为一体的。又比如，青铜器上的纹饰，在繁复之中又透露出怎样的神秘感和仪式感？书法艺术中的线条，是如何超越物质形态，传递出书写者的情感与心境的？我希望作者能提供一些具体的案例，用详实的史料和精辟的分析，来佐证其关于“中国艺术精神”的论点。如果书中能够引导读者去思考，为什么某些艺术形式在中国能够得到长久的发展和传承，而另一些则不然，那将是非常有启发性的。我对这本书抱有很高的期望，希望它能成为我理解中国艺术的一扇窗口，让我看到那些隐藏在作品背后，更为深刻的文化内涵。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中国艺术精神》这本书，我最关注的是作者是如何解读“精神”这个核心概念的。我个人认为，艺术的“精神”应该是一种贯穿于创作、审美和传承过程中的文化基因，它反映了一个民族的世界观、价值观和审美情趣。我特别期待书中能够深入探讨中国艺术中“意境”的营造。区别于西方艺术对写实的追求，中国艺术似乎更侧重于通过“意”来传达“形”，通过“形”来寄托“意”。比如，一幅看似简单的水墨画，如何能通过寥寥几笔，勾勒出无限的意境？一段古琴的旋律，又是如何营造出宁静致远的氛围？我希望作者能够提供一些具体的案例，用详实的史料和精辟的分析，来佐证其关于“中国艺术精神”的论点。此外，我也对中国艺术中“留白”的运用非常感兴趣。这种看似“空”的部分，在艺术品中究竟扮演着怎样的角色？它是否象征着一种哲学上的虚怀若谷，或者是一种留给观者想象的自由？我希望在这本书中找到理解中国传统艺术的钥匙，看到那些隐藏在优美造型和精致技艺之下的，中华民族独特的精神世界。

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去年夏天最潮热的季节里，做了两万字的读书笔记，受到丁胖的好评。甚爱徐先生对庄子精神的分析。真是好记忆。

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其实不是这个版本。算了，先这样记录。 真的非常粉庄子，又有许多画坛宗派的分析。诗书文都与艺术相关。相互影响中形成了精神。总之非常有个人特色，读起来真累啊。

评分☆☆☆☆☆

臣之所好者道也进乎技矣。徐复观认为孔子和庄子分别代表了“为人生的艺术”和“为艺术的艺术”，但庄子最终还是落实到人生，成为艺术的人生，所以中国艺术还是为人生的艺术。而中国艺术精神实则由庄子开启，道在本质上是最高的艺术精神，心是艺术精神的主体，这心是虚、静、明的。山水画是庄学的产物。

评分☆☆☆☆☆

第一和第二部分（尤其第二部分）分析非常精到厉害，后面的画论部分所引材料都比较熟悉，但读来仍然有很多收获，比如气与韵各自成文的分析。徐老师信手拈来的文献引用及扎实的版本考据功底让人实在很佩服。读毕心中产生了一些还可深入思考的问题1.林泉高致读来实是外道内儒的典型叙事，或可从中窥得北宋士大夫的精神？（与南北朝甚至唐两相对照立判）2.文字叙述之于观念表达受同时期文学风格的影响（在魏晋相当明显，近日读谢赫以及文心雕龙有强烈感受），不应当忽视。3.画史美学在西方长期脱节，但在中国实际上存在着一条内在的转换线索（从鉴赏者到创作者），留在日后讨论。顺带一提，徐老师最后南北宗一议略弱，文献繁垒过多，反而忽视了作品/实物分析，可惜。

评分☆☆☆☆☆

看得好吃力 T T