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出版者:文物出版社

作者:苏士澍

出品人:

页数:248

译者:

出版时间:2011-4

价格:280.00元

装帧:

isbn号码:9787501031573

丛书系列:

图书标签:

• 艺术、设计&画册
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• 治棼.艺术考古与物质文化
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穿越时空的墨韵：中国古代书画的辉煌与传承 本书并非专注于某一时期的特定藏品汇编，而是旨在为读者构建一个宏大而细致的中国古代书画艺术的通识性画廊。我们将目光投向自魏晋风骨至晚清余韵的漫长历史长河中，那些足以定义中华民族审美情趣与精神追求的艺术高峰。 第一部分：笔墨的起源与奠基（魏晋至唐代） 本卷追溯书法的源头，探讨“书为心画”的理念如何在魏晋士人手中确立其不可动摇的地位。重点剖析王羲之所代表的典雅与法度的完美融合，以及钟繇对隶书向楷书转化的关键性贡献。我们细致考察了早期碑刻书法在时代变迁中的风格演变，从古拙的汉隶到成熟的钟体、王体，理解笔触如何承载文人的生命哲学。 在绘画领域，本部分聚焦于顾恺之“以形写神”的理论，探究人物画从早期注重轮廓到注重内在气韵的飞跃。继而进入唐代——一个气象万千的黄金时代。唐代绘画以其恢弘的气魄和写实的技法傲视群雄。我们将深入解析阎立本和吴道子的艺术成就，前者在历史画中的叙事能力，后者被尊为“画圣”的“吴带当风”笔法，如何塑造了后世山水、人物画的规范。此间，我们不回避对敦煌壁画艺术的系统梳理，将其置于唐代多元文化交融的背景下，审视其对后世民间艺术与宫廷艺术的深远影响。 第二部分：格局的开创与意境的升华（五代、宋代） 宋代是中国文人画真正走向成熟和自觉的时期。本部分的核心在于理解“士气”如何取代“匠气”，成为艺术评价的最高标准。 在山水画上，五代荆浩、关仝所奠定的北方山水画的雄伟格局，被董源、巨然在江南地区转化为“平淡天真”的温润气韵。宋徽宗时期，院体画达到了技艺的顶峰，李唐、刘松年的“院体”风格，体现了对自然界细致入微的观察与精湛的笔墨技巧。然而，真正的革命者是那些不甘于描摹的文人。范宽的《溪山行旅图》如何以“可行、可望、可游、可居”的哲学思想，将山水从单纯的风景提升为人格的投射，成为本章的重点讨论对象。 书法方面，宋代的“尚意”之风，是对唐代法度的有力反拨。苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄并称“宋四家”，他们的书法不再追求整齐划一，而是强调个人情感的抒发与个性的张扬。特别是黄庭坚的长枪大戟式草书，标志着书法审美开始向更自由、更具内在张力的方向发展。 第三部分：转折与融合——元代的文脉延续 元代是汉族文化在异族统治下寻求精神庇护的特殊时期。书画艺术不再是朝廷的附庸，而是士人寄托家国情怀的“避难所”。 本部分集中探讨“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——在山水画中的“写意”精神。他们不再热衷于描绘盛唐的繁盛，转而追求笔墨的“萧疏简淡”。倪瓒的“一笔画”与“寸马不现”的极简主义，体现了对世俗的疏离和对高洁品格的坚守。 元代书法，在承袭宋代尚意的基础上，更强调对古法的追溯，特别是对晋唐经典的重新学习与创新。赵孟頫的“复古”主张，以其圆润秀劲的楷书和流畅的行草，成功地在纷乱的时代中建立起新的典范，对后世影响深远。 第四部分：晚明与清初的激变 明代中后期，商业经济的发达和市民阶层的崛起，使得艺术创作呈现出前所未有的多样性。 明代初期，宫廷对“台阁体”的推崇，形成了端庄肃穆的书风。然而，真正推动艺术史前进的是吴门画派。以沈周、文徵明为代表的文人画家，继承了元四家的笔墨趣味，并将之世俗化、普及化。同时，以唐寅、仇英为代表的民间高手，则在人物画和界画（建筑绘画）上达到了极高的写实水准。 晚明时期，徐渭的狂放不羁，打破了所有既有的规矩，其大写意花鸟画以近乎泼墨的力度，预示了后世章草和写意的极致表现力。 清初，在“四王”——王时敏、王鉴、王翚、王原祁——的“集大成”理论指导下，书画艺术进入了一个“合法”的、高度规范化的阶段。他们通过对前代名作的精妙临摹与合写，构建了一个稳固的技术与理论体系。与之相对立的，是同样具有划时代意义的“四僧”——石涛、八大山人。石涛的“我自成一派”的宣言，以及八大山人的孤傲与符号化表达，是艺术史上对传统藩篱最强烈的突破尝试，它们标志着中国古典艺术在精神层面的最后一次喷薄。 本书通过对这些关键时期、代表人物及其作品背后精神脉络的梳理，力求让读者领略中国古代书画艺术的博大精深、气韵生动，理解每一根线条、每一块墨色背后所蕴含的千年文化积淀与审美哲学。

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这本书的价值，绝不仅仅在于展示“好看”的画作，它更像是一份严肃的学术档案，只是包装得非常精美。我特别留意了附带的文字资料，虽然我不是科班出身，但那些严谨的款识考证、流传有序的记录，以及对印鉴细节的分析，都透露出背后强大的专家团队支持。它不像某些商业画册那样，只强调“名家”头衔，而是深入到作品的“身世”中去。比如，有一幅清代中期的山水，文字部分详细比对了不同时期摹本之间的细微差异，最终锁定其为某位重要画家的早期作品，这种“侦探式”的考证过程，极大地增强了书籍的可信度和收藏价值。对于那些热衷于艺术史脉络梳理和真伪辨别的藏家或学者而言，这本书提供的资料密度和准确性，无疑是极高的参考标准。它教会我们，欣赏一件文物，不只是看“像什么”，更要探究“从何来，历经谁”。

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从一个纯粹的艺术鉴赏者的角度来看，这本书带来的视觉冲击力是无可比拟的。很多我们只能在模糊的数字图像中窥见一鳞半爪的传世名作，在这里以接近原作尺幅和分辨率的形式呈现出来，那种震撼感是数字媒体永远无法替代的。特别是那些巨幅的山水画，跨页印刷时那种气势磅礴的铺陈感，让人几乎能感受到松涛阵阵和云海翻腾。我花了整整一个下午，只是对着其中几幅工笔花鸟反复摩挲，那些花瓣上的露水、羽毛的绒感，乃至蝴蝶翅膀上鳞粉的层次，都细致得令人发指。这种对“真迹”的尊重和忠实再现，体现了出版社极高的专业水准和对文化遗产的敬畏之心。读完后，我感觉自己对“精妙”这个词有了更直观、更具象的理解。它让我意识到，我们今天习以为常的很多审美趣味，其实都深植于这些古代匠人对细节的极致追求之中。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，皮革的封面散发着一种沉稳的历史厚重感，侧边烫金的书名在灯光下熠熠生辉，即便是摆在书架上，也像是一件艺术品。内页的纸张选用得极佳，厚实且带有细腻的纹理，使得印刷的图版色彩还原度非常高，那种宣纸上墨韵的微妙变化，即便是隔着玻璃印刷，也能让人感受到原作的笔触力度和气韵生动。我尤其欣赏它对于细节的考究，比如一些古画的局部特写，放大到极致，连绢布的纤维和颜料的堆积都能清晰可见，这对于研究者和深度爱好者来说，简直是无价之宝。翻阅过程中，那种指尖与纸张摩擦的触感，配合着油墨的淡淡清香，构建了一种沉浸式的体验，仿佛真的穿越回了那个大师挥毫泼墨的时代。虽然我尚未深入研究每一件藏品的艺术史背景，但仅仅是这种“可触摸”的实体感受，就已经值回票价了。它不仅仅是一本图录，更像是一次精心策划的博物馆之旅，只不过这次旅行的主角是全球顶尖的私人或机构典藏的精品，能够如此近距离地“接触”这些国宝级作品，实属不易。

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坦白说，当这本书摆在我桌上时，我首先感受到的还是一种“拥有感”——一种对文化瑰宝的近距离拥有感。它所收录的藏品，很多都是轻易无法得见真容的“镇院之宝”级别的作品，有些甚至可能从未向公众完整展出过。因此，阅读它，更像是一种被邀请进入一个私密的、精英化的艺术殿堂。我喜欢它在布局上偶尔展现出的那种“反差美”：一幅气势恢宏的巨制旁边，可能紧跟着一幅尺寸小巧、但意境深远的文人小品。这种看似随意的并置，实则考验着读者的眼力，它暗示着艺术的伟大与否，并不完全取决于篇幅大小，更在于其内蕴的哲学思考和情感表达。这本书成功地搭建了一座连接古代艺术精英与现代爱好者的桥梁，让我得以在日常的喧嚣中，找到一处可以沉静下来，与古人进行精神交流的宁静角落。它带来的不仅仅是视觉的愉悦，更是一种精神上的滋养和对传统文化深沉的敬意。

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说实话，我原本以为这种集结了众多顶级藏品的图册，内容可能会显得有些零散和缺乏系统性，毕竟要将不同时代、不同风格的顶尖佳作汇于一册，难度极大。然而，这本书的编排逻辑却出人意料地流畅和富有启发性。它似乎是按照一个隐秘的脉络在推进，从早期的唐宋雄浑到明清的细腻变化，再到近现代的笔墨探索，过渡得浑然天成。更妙的是，每幅作品的介绍，虽然篇幅不长，但切入点都非常精准，没有陷入那种空泛的溢美之词，而是直接点出了作品在艺术史上的地位、技法上的创新之处，以及它在特定历史背景下的意义。我注意到，编辑似乎特别关注那些“被低估”的杰作，将一些名气可能不如“镇馆之宝”响亮，但在技艺上却达到了巅峰的作品，也给予了同等的版面和重视。这种对艺术全面性的尊重和挖掘，让整本书的阅读体验不再是走马观花，而是变成了一场知识与审美的深度对话。它迫使你停下来，思考为什么这几笔看似简单的皴擦，在那个时代是革命性的。

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图太小，假的也不少。

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收录东西很少，文物商店索得

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