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出版者:浙江人民美术出版社

作者:张彦远

出品人:

页数:182

译者:

出版时间:2011-12

价格:36.00元

装帧:精装

isbn号码:9787534030567

丛书系列:中国艺术文献丛刊

图书标签:

• 艺术史
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• 历史文献
• 文化传承

《历代名画记》并非一部传统的画册，它以一种独特而深刻的视角，带领读者穿越历史的长河，去探寻中国绘画艺术的发展脉络与精神内核。这部著作并非简单地罗列名家名作，而是将艺术置于广阔的历史文化背景之下，考察绘画的社会功能、审美观念、创作技法以及其在不同时代所扮演的角色。 本书首先从绘画的源起与早期发展入手，追溯了早期陶器、墓葬壁画中蕴含的朴素艺术表达，揭示了远古先民对自然万物的观察与敬畏是如何逐渐转化为最初的绘画萌芽。作者 meticulously 梳理了商周时期青铜器纹饰的象征意义，以及春秋战国时期漆画、帛画的出现，勾勒出绘画从实用走向审美的初步转变。 继而，本书深入探讨了魏晋南北朝时期中国绘画的第一个高峰。在这个文化融合与思想解放的时代，佛教艺术的传入对中国绘画产生了深远影响，石窟寺壁画的宏伟气势与精湛技艺令人惊叹。同时，士人阶层对绘画的独特品味也催生了人物画的成熟，名家如顾恺之、陆探微、张僧繇等，他们的画作不仅展现了高超的技法，更蕴含了深厚的哲学思考与人格精神。本书将详细分析这些大师的艺术风格，例如顾恺之“以形写神”的理论，以及其作品中流露出的飘逸与灵动。 本书的核心部分之一，便是对隋唐盛世绘画的精彩呈现。唐代是中国绘画的黄金时代，人物、山水、花鸟等诸门类都取得了辉煌的成就。阎立本的人物画雄浑严谨，吴道子的人物画“吴带当风”，线条流畅，极具动感，被誉为“画圣”。本书将深入剖析这些艺术家的创新之处，以及他们如何将唐代恢弘壮丽的时代精神融入画作之中。同时，对唐代山水画的兴起，如李思训的金碧山水，王维的水墨山水，也将进行细致的阐述，揭示山水画从作为人物画的背景，逐渐独立成为一种独立的艺术形式的过程。 进入宋代，中国绘画进入了另一个辉煌时期，更加注重写实与意境的融合。本书将重点介绍宋代山水画的巅峰成就，如范宽的雄浑厚重，郭熙的烟云变幻，以及宋徽宗的“瘦金体”对绘画的影响。此外，本书还将深入探讨宋代花鸟画的精细描绘与生动神韵，以及文人画的兴起，强调绘画的个人情怀与抒情功能。从院体画的严谨工致，到文人画的写意挥洒，宋代绘画展现了中国艺术的多样性与深度。 本书对元、明、清时期绘画的演变也进行了详尽的梳理。元代文人画的进一步发展，强调个性解放与笔墨情趣，如赵孟頫的复古主义，以及“元四家”的艺术风格。明代绘画的继承与创新，出现了浙派、吴门等不同的绘画流派，如唐寅、仇英的人物画，沈周、文徵明的水墨山水，各具特色。清代绘画在继承传统的基础上，也涌现出许多具有时代精神的艺术家，如扬州八怪的奇崛奔放，以及正统派的严谨继承。本书将解析这些流派的形成原因，以及代表性画家的艺术追求，展现中国绘画在历史长河中的不断演变与创新。 《历代名画记》不仅仅是对绘画技法的梳理，更是对中国传统文化精神的深度挖掘。它关注绘画作品所承载的时代精神、哲学思想、文人情怀，以及艺术在社会生活中的功能与意义。本书的语言力求典雅而生动，同时又不失严谨与学术性，旨在为读者提供一次沉浸式的艺术体验，让读者在品味中国绘画之美的同时，也能深刻理解其背后蕴含的民族文化基因与精神传承。读者将从书中了解到，绘画在中国传统文化中并非孤立的艺术门类，而是与哲学、文学、历史、社会生活紧密相连，共同构成了中华文明璀璨的篇章。

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《历代名画记》这本书，对我而言，它开启了一扇通往中国古代艺术世界的大门。我之前对中国绘画的了解非常有限，但这本书却以一种循序渐进、引人入胜的方式，让我逐渐爱上了这门古老的艺术。作者的叙事方式非常生动，他将历史事件、画家生平以及画作解读巧妙地融合在一起，使得阅读过程充满乐趣。我记得书中对唐代阎立本《历代帝王图》的描绘，作者并没有仅仅停留在对帝王形象的刻画上，而是深入分析了画面所反映出的统治者的形象塑造，以及当时社会对帝王权力的认知。这种将艺术作品与历史文献相结合的解读方式，让我对画作有了更深层次的理解。书中对不同时期绘画主题的演变也让我印象深刻。作者清晰地梳理了从早期的人物故事画，到唐代的宗教画、宫廷画，再到宋代的山水画、花鸟画，以及明清的文人画，这种主题上的变化，也反映了社会经济、文化思潮的变迁。我读到宋代画家如何将对自然的细腻观察融入到山水画中，创作出那种“咫尺之内，再造乾坤”的意境，让我对中国山水画的“写实”与“写意”有了更清晰的认识。

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刚开始接触《历代名画记》，我担心它会像许多同类书籍一样，充斥着晦涩的专业术语，让我望而却步。然而，出乎意料的是，这本书的语言风格异常亲切，读起来丝毫没有负担。作者就像一位经验丰富的长者，娓娓道来，将一段段精彩的绘画史故事呈现在我面前。我并没有感觉到在“学习”知识，而更像是与一位博学的朋友在聊天，他时而给我讲讲画家的趣闻轶事，时而又带我欣赏一幅传世名作。我记得书中对顾长康（顾恺之）的描述，他不仅仅是一个技艺高超的画家，更是一位性格独特、充满奇思妙想的艺术家。作者通过顾恺之画《洛神赋》时，如何通过“神”来塑造人物的细节，让我对“传神”有了更深的理解。这种对画家个性和创作过程的细致描绘，让书中的人物鲜活起来，不再是历史书上冰冷的名字。同时，书中对画作的解读，也并非照本宣科，而是充满了作者独到的见解。他并没有简单地复述前人的评价，而是结合当时的社会背景、画家的个人经历，来分析画作的意境和艺术价值。我尤其喜欢他对唐代山水画与宋代山水画的对比分析，作者指出唐代山水画更侧重于表现自然的雄伟壮丽，而宋代山水画则更注重表现自然中的“气韵”与“意境”，这种细致入微的区分，让我对中国山水画的发展有了更为清晰的认识。

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《历代名画记》这本书，在我看来，它最成功的地方在于，它将原本严肃、高冷的艺术史，变得触手可及，充满了人情味。我能够感受到作者不仅仅是一位知识渊博的学者，更是一位充满人文关怀的观察者。他并没有试图用繁复的理论来“教育”读者，而是用一种平等、分享的态度，将自己对中国绘画的理解娓娓道来。我记得书中对唐代李思训和李昭道的“金碧山水”的描绘，作者并没有仅仅夸赞其色彩的绚丽，更是将其与当时的社会风貌联系起来，分析了这种绘画风格所反映出的贵族阶层的审美趣味和对富丽堂皇的追求。这种将艺术与社会文化相结合的解读方式，让我觉得非常新鲜和有启发性。书中对一些“不知名”的画家的介绍也让我印象深刻，作者并没有厚此薄彼，而是对每一个在绘画史上留下印记的艺术家都给予了足够的关注，并努力去挖掘他们作品中的闪光点。我读到一些宋代郊区画家的作品，虽然不如名家那样声名显赫，但却能感受到他们对自然景物的朴实热爱和对生活细节的敏锐捕捉，这种“大众化”的艺术视角，也让我觉得非常可贵。

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初次翻阅《历代名画记》，我被书中一种别样的叙事风格所吸引。它不像一本传统意义上的艺术史教科书，而是更像一个充满智慧的老者，以一种温和而富有洞察力的视角，带领我穿越历史的长河，去品味中国绘画的独特魅力。作者的文字非常有力量，但又不失婉约。他能够用极富画面感的语言，去描绘那些已经流传千年的画作。我仿佛能听到曹不兴在为寺庙绘制壁画时，笔墨在墙壁上留下的回响；我仿佛能看到陆探微在描绘人物时，那种精妙绝伦的“游丝描”；我仿佛能感受到北宋画家如何将山水的“气韵”融入笔墨之中，创造出一种前所未有的视觉体验。书中对不同时代绘画风格演变的分析，也让我印象深刻。作者清晰地勾勒出了从魏晋南北朝的朴拙，到隋唐的雄浑，再到宋元的精妙，以及明清的文人雅趣，这种线性的发展脉络，让我对中国绘画的整体走向有了清晰的认知。我尤其喜欢作者对宋代山水画“气韵生动”的解读，他并没有简单地用“意境”来概括，而是深入分析了画家们如何通过对自然景物的细致观察，以及笔墨的运用，来传达出一种超越形体的生命力。

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《历代名画记》这本书，它给我的感觉，就像是踏上了一次中国古代绘画的“寻宝之旅”。作者并没有直接将宝藏（名画）呈现在你面前，而是带着你，去了解发现宝藏的“过程”，去感受发现宝藏的“喜悦”。我并不是一个专业的艺术评论家，但我能在书中感受到作者对于每一幅画、每一位画家的那份深深的敬意和热情。他不仅仅是描述画作的表面形态，更是深入挖掘了画作背后的故事、画家的创作心境、以及画作所处的历史文化环境。我尤其喜欢书中对吴道子《送子天王图》的分析。作者并没有仅仅停留在对“线条”的赞美，而是深入分析了画面中人物的表情、动作，以及构图上的巧妙安排，是如何共同营造出一种神圣而又感人的氛围。这种全方位的解读，让我对这幅画有了更深的理解，不仅仅是技术上的精湛，更是情感上的共鸣。书中对水墨画的发展历程的描述也让我受益匪浅。作者清晰地梳理了水墨画从唐代初具雏形，到宋元时期逐渐成熟，再到明清时期达到高峰的发展过程，并分析了不同时期水墨画的特点和代表人物。我读到八大山人的作品，能感受到那种孤傲、冷峻，以及深藏于笔墨之下的悲愤，这种极具个人风格的表达，让我对中国画的“写意”有了更深刻的体验。

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《历代名画记》这本书，我必须承认，它带给我了一种前所未有的阅读体验，远远超出了我对一本“名画鉴赏”类书籍的预期。我一直觉得，艺术史的书籍，要么过于学院派，充斥着晦涩难懂的术语和枯燥的考证，要么就过于通俗，流于表面，无法深入触及作品的核心。但这本书，恰恰找到了一个完美的平衡点。它在学术深度上毫不妥协，对于每一位艺术家、每一幅重要画作的考据都极其严谨，references（参考文献）的引用也相当扎实，足以让有一定基础的读者感受到其背后研究的扎实功底。然而，最令人惊喜的是，作者并没有因此而牺牲掉作品的“趣味性”。他笔下的画家们，不再是冰冷的艺术符号，而是一个个活生生的、有血有肉的人。我能感受到张彦远的文字中，对于那些早期绘画大师的敬仰与激动。他描绘的画家创作时的心境，对光影、对线条的极致追求，甚至是对笔墨在纸上游走时那种微妙的“情绪”的捕捉，都栩栩如生。比如，在讲述某位画家如何克服技术上的瓶颈，如何在一幅作品中融入对人生的感悟时，我仿佛也跟着作者一起，在那段艰难的创作过程中，体会到了艺术家的心路历程。这种情感上的共鸣，是许多艺术史著作所难以企及的。我尤其喜欢书中对一些“争议性”画作的解读，作者并没有简单地给出定论，而是呈现了不同的观点和考证过程，引导读者自己去思考和判断，这本身就是一种高明的教学方式。

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《历代名画记》这本书，它最打动我的地方，在于作者对于“美”本身的探讨，那种超越了单纯的技法和历史考据，而直抵艺术灵魂深处的洞察。书中并不是简单地罗列“什么画是好的”，而是试图去解读“为什么这些画会成为经典”，以及“它们的美，究竟体现在哪里”。我能感受到作者本人对中国传统绘画的热爱，这种热爱渗透在他的每一个字里行间。他对历代画家技艺的描述，既有专业的分析，又充满了诗意的赞美。例如，在描述唐代仕女画时，作者并没有仅仅停留在对“丰腴”的刻板印象上，而是深入分析了画家们如何通过线条的勾勒、色彩的晕染，来表现女性的仪态万方，以及那种雍容华贵、自信从容的气质。我读到周昉的作品，仿佛能看到那些宫廷仕女，她们衣袂飘飘，体态丰满，脸上带着一种淡淡的优雅与满足，那种自信的美，在当时的历史背景下，具有一种独特的时代魅力。书中对文人画的阐释也让我受益匪浅。作者深入浅出地解释了“写意”的含义，以及文人画家如何通过笔墨的挥洒，来表达自己的情感，抒发自己的胸臆。我读到苏轼的墨竹，能感受到那种“风雨中来”的挺拔与不屈，这种将个人情感注入笔墨的创作方式，让我对中国画的理解上升到了一个新的高度。

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《历代名画记》这本书，与其说是一本艺术史著作，不如说是一部关于“视觉的哲学”。作者在描绘那些传世名作时，不仅仅是在描述画面的内容，更是在探究这些画面所蕴含的文化基因、哲学思想以及时代精神。我能够感受到作者对中国传统美学的深刻理解，他能够将抽象的艺术理论，用通俗易懂的语言表达出来。例如，在解释“意境”这个概念时，作者并没有直接给出定义，而是通过分析多幅山水画的构图、笔墨运用以及留白之处，来引导读者去体会那种“言有尽而意无穷”的艺术境界。我读到元代画家黄公望的《富春山居图》，能感受到那种悠然自得，返璞归真的生活态度；我读到明代沈周的《庐山高》，能感受到那种胸怀天下的壮志豪情。书中对历代画家的评价，也充满了作者的独立思考。他并没有盲目崇拜前人的结论，而是能够从新的视角去审视这些作品，并提出自己独到的见解。我尤其喜欢他对某些“被低估”的画家的发掘，作者能够慧眼识珠，发现那些隐藏在历史长河中的宝藏，并将其呈现给读者。

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初次翻开《历代名画记》，便如同一位误入古代宫廷画师秘密画室的访客，空气中弥漫着古老宣纸的墨香与颜料的沉郁。这本书并非简单地罗列画作，而是带着你一层层剥离历史的尘埃，去触摸那些凝固在时光里的生命。作者以一种近乎考古学家般的严谨，却又不失文人雅士的细腻笔触，勾勒出从魏晋到唐宋，绘画艺术发展的宏大脉络。那些画作，不再是遥不可及的文物，而是拥有呼吸与情感的鲜活个体。我仿佛能听到顾恺之笔下《洛神赋》中，那位传说中的美人，她轻盈的步履，她欲语还休的眼神，她眼中那份既欣喜又落寞的复杂情愫，在纸上跃然。又仿佛置身于阎立本的《步辇图》中，那位文成公主，她明眸皓齿，神态自若，带着一股民族融合的坚定与尊严，与吐蕃使者进行着一场无声的对话。书中所描绘的不仅是技巧的演变，更是时代精神的折射。每一幅画，都像一面镜子，映照出那个时代的审美情趣、社会风貌、甚至是统治者的意志与文人的抱负。尤其是对吴道子“吴带当风”的细致阐述，让我对这位“画圣”的笔法有了更为直观的感受，那些衣袂飘飘的仙佛，仿佛真的乘风而来，充满了动感与神韵，将佛教的庄严与道教的飘逸完美融合。这种对细节的挖掘，使得这本书的阅读体验远超一般的美术史著作，更像是一次穿越时空的艺术对话。

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在我对中国画史几乎一无所知的时候，偶然间购入了《历代名画记》。这本书，就像一个经验丰富的向导，带领我这个门外汉，逐渐走进了中国绘画的璀璨殿堂。我并没有一开始就被那些复杂的流派和技法所淹没，而是被作者生动的故事性叙述所吸引。他并没有一开始就抛出理论，而是从一个个鲜活的画家和他们身处的时代背景讲起。我读到张僧繇如何在大殿墙壁上画龙，墨迹未干，金龙跃出，震慑群臣的故事，虽然知道这其中或许有夸张的成分，但却极大地激发了我对这位天才画家的好奇心。书中对不同时代绘画风格的演变，也描述得相当清晰。从早期的人物故事画，到隋唐时期更为精细工整的人物画，再到宋代山水画的繁荣，这种递进式的介绍，让我能够清晰地把握住中国绘画发展的主线。我尤其对书中对宋代山水画的描写印象深刻。作者不仅仅是简单地赞美其“意境”，更是详细地分析了画家们是如何通过对自然景物的细致观察，并通过笔墨的浓淡干湿、皴法的变化，来传达出人与自然和谐共处的那种哲学思想。我读到范宽的《溪山行旅图》，仿佛真的能听到那山间的流水声，感受到那股磅礴的气势，以及隐匿在画面深处的那份宁静与超然。这种将艺术作品与哲学、与人生思考联系起来的解读方式，让这本书不仅仅停留在“看画”的层面，而是引导我进行更深层次的思考。

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繁体竖排，布面精装，用纸上佳，宜读宜藏。

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此书的整理水平，一言难尽。此书以《津逮秘书》本为底本，以嘉靖本、万历十八年《王氏画苑》金陵重刊本为校本，核出有价值的异文，还做了一些力所能及的他校，也没有莫名其妙的错字，已经挺用心了。可惜的是，此书的重要异文并不在刻本系统内部。宿白先生已经指出：“同出一源的本子一般是不需要再校了。但是对引用刻本以前本子的徴引文字而言，就另当别论。”此次整理没有通校并补入《太平广记》、《太平御览》的异文，亦没有参校《名画猎精》，没有达到学术要求；反倒是辛辛苦苦去其他书找他校材料，可谓南辕北辙。总而言之，《历代名画记》需要另做一个符合文献学标准的新整理本。

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第一本繁体，竖版，古文书。发现美院的中国艺术史教科书多从此书摘抄词句，不看全文真的不知所云，这套书还是值得看。

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读罢之后只有一个感觉就是家世很重要！我古代文化人生活乐趣多脑洞也不小。

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此书的整理水平，一言难尽。此书以《津逮秘书》本为底本，以嘉靖本、万历十八年《王氏画苑》金陵重刊本为校本，核出有价值的异文，还做了一些力所能及的他校，也没有莫名其妙的错字，已经挺用心了。可惜的是，此书的重要异文并不在刻本系统内部。宿白先生已经指出：“同出一源的本子一般是不需要再校了。但是对引用刻本以前本子的徴引文字而言，就另当别论。”此次整理没有通校并补入《太平广记》、《太平御览》的异文，亦没有参校《名画猎精》，没有达到学术要求；反倒是辛辛苦苦去其他书找他校材料，可谓南辕北辙。总而言之，《历代名画记》需要另做一个符合文献学标准的新整理本。