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出版者:

作者:李东震

出品人:

页数:278

译者:

出版时间:2003-4

价格:25.00元

装帧:平装（带盘）

isbn号码:9787894981110

丛书系列:

图书标签:

• After Effects
• Adobe
• 特效
• 视频编辑
• 教程
• 认证
• 专业
• 设计
• 图形
• 软件

电影视觉特效的艺术与技术：一部全面解析三维动画与动态图形制作的深度指南 本书旨在为追求顶尖视觉效果和动态图形制作的专业人士及进阶学习者，提供一套超越特定软件版本限制的、强调核心原理与艺术思维的系统性知识体系。我们深入探讨的并非单一软件的操作手册，而是支撑现代影视制作、广告创意以及沉浸式媒体体验的底层逻辑和高级技巧。 第一部分：视觉叙事与动态设计的基础构建 本卷聚焦于将抽象概念转化为引人入胜视觉语言的基石。我们首先剖析电影感构图与运动定律，阐述如何在二维/三维空间中引导观众视线，以及速度、加速度在信息传达中的心理学效应。内容涵盖： 时间管理与节奏编排： 不仅仅是帧率的选择，更深入探讨如何在不同的叙事语境下，运用慢速、加速、循环等手法，精确控制观众的情绪起伏。 光影的物理学与艺术表现： 讨论真实世界光源的特性（如焦散、散射、体积光）如何被模拟和风格化。我们将详细解析不同渲染引擎中全局照明（Global Illumination, GI）的原理与优化策略，强调光线如何塑造材质的质感和场景的氛围。 色彩理论与调色流程： 深入探讨色彩心理学、色彩空间（如ACES工作流）的实际应用。我们会对比分析非线性编辑与数字中间片（DI）流程中的色彩管理难题，确保从前期预览到最终输出的色彩一致性与艺术风格的统一。 第二部分：复杂三维场景的构建与解算 此部分将完全脱离对特定界面布局的依赖，转而关注如何高效、稳定地管理和运算复杂的数字场景。重点在于流程的规划与性能优化。 拓扑结构与模型优化： 探讨从概念雕刻到最终渲染阶段，多边形网格的有效处理技术。内容包括边缘流的艺术性考量、UV展开的策略性布局，以及如何为动态形变（Deformation）做好准备。 高级材质与表面属性模拟： 我们将详细解析基于物理渲染（Physically Based Rendering, PBR）的材质系统。涵盖次表面散射（SSS）在皮肤和半透明物体上的精确模拟、各向异性（Anisotropy）在金属拉丝或织物上的表现，以及程序化纹理生成在非破坏性工作流中的应用。 动力学模拟的控制与艺术化： 重点讲解刚体、软体和流体模拟背后的微分方程基础。如何通过调整解算参数（如时间步长、碰撞精度）来兼顾真实性和视觉可控性。此外，我们将探讨如何将流体模拟（烟雾、水体）与其他元素（如粒子系统、布料）进行高效耦合，以创建一致的物理世界。 第三部分：动态图形的高级合成与运动设计 本卷着眼于将独立的元素融合成一个具有凝聚力的最终画面，并赋予其生命力的关键技术。 非破坏性合成哲学： 强调建立一套可以随时回溯、调整参数的合成架构。详细分析各种混合模式（Blending Modes）的数学原理及其在光效叠加、磨砂玻璃效果等场景中的实际应用，远超基础的“相加”与“相乘”。 三维与二维元素的无缝融合： 深入讲解摄像机反求（Camera Tracking）的精度校准，以及如何精确匹配真实世界景深、镜头畸变和环境光照。探讨遮罩技术在分离前景、中景、背景时的策略，确保三维元素融入实拍素材时，不会产生“浮动感”。 表达式与自动化脚本的应用： 介绍如何利用脚本语言（如Python或基于节点的逻辑）来驱动重复性任务，实现参数的联动控制。这包括创建复杂的循环动画、同步多组参数的运动，从而将设计师从繁琐的手动调整中解放出来，专注于创意。 第四部分：项目管理、效率与未来趋势 最后一部分关注专业制作环境下的效率提升和行业发展方向。 数据管理与资产流水线： 探讨大型项目中的文件命名规范、版本控制策略（如使用缓存序列而非直接引用源文件），以及如何高效地打包和交付项目文件给下游团队。 渲染农场优化与分布式计算： 分析不同渲染器的网络渲染机制，理解如何分配渲染任务以最大化吞吐量，并识别和解决常见的渲染失败和内存溢出问题。 沉浸式技术与实时渲染前瞻： 简要介绍虚拟制片（Virtual Production）中对延迟和色彩精度的要求，以及实时渲染引擎（如Unreal/Unity）在影视领域应用的潜力与局限性。 本书的价值在于提供的是“为什么”和“如何深层控制”的知识，而非简单的“在哪里点击”的指令。它将指导读者建立一套强大的、可迁移的视觉特效思维框架，使您能够驾驭任何先进的数字媒体工具。

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从内容深度来看，这本书的侧重点显然是围绕着“资格认证”这个核心目标去的。这意味着它必须覆盖到考试大纲要求的所有知识点，力求面面俱到，但这在一定程度上牺牲了对前沿或新兴工作流程的探讨。例如，在讲解3D层和摄像机运动时，我期待能看到一些关于如何配合运动跟踪数据进行场景重建的更现代化的工作流介绍，或者至少是与外部三维软件（如Maya或Cinema 4D）进行数据交换的详细步骤。然而，这本书似乎更专注于软件自身的功能实现，对于如何将这些技术融入到实际的影视或广告制作流程中，描述得相对保守和基础。它像一本详尽的工具说明书，教会你每个螺丝钉的用途，但很少告诉你如何用这些工具去建造一座宏伟的建筑。对于我来说，我更关心的是如何利用这些工具去讲故事，去实现创意，而不是仅仅停留在技术层面上的“会用”。

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这本书的封面设计得非常直白，那种蓝白色调和粗犷的字体，一看就知道是针对特定软件的深度学习材料，不是那种泛泛而谈的入门读物。我原本是想找一本能快速上手、侧重于那些炫酷特效制作技巧的教程，比如如何在短时间内做出像好莱坞大片里那种爆炸或光影效果。然而，当我翻开目录时，立刻感觉到了它的“厚重感”。它似乎将After Effects 5.5的每一个功能模块都进行了细致入微的解构，从基础的图层管理到复杂的表达式控制，每一个章节都像是在为未来的专业人士打地基。对于一个只是想做点有趣视频的朋友来说，这种详尽的程度可能会显得有些过载，我期望的是能有更多“实战演练”的案例，比如模仿某个经典广告的制作流程，而不是纯粹的功能性罗列。我注意到它花了很多篇幅在解释软件背后的渲染原理和内存管理上，这对于追求效率的非专业用户来说，可能远不如直接教我“如何使用这个效果器”来得实用。整体感觉，这是一本非常“学院派”的教材，适合那些立志要考取某个证书，需要系统、全面掌握软件底层逻辑的用户，而不是我这种偶尔需要“救急”的爱好者。

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阅读体验上，这本书的排版着实让我有些吃力。大量的技术术语和专业名词密集地堆砌在一起，即便是配合着书中的截图和步骤说明，有时也需要反复琢磨才能真正理解作者想要表达的那个复杂操作背后的逻辑。我特别希望书中能加入更多“过来人”的经验分享，比如在处理某些复杂合成项目时，有哪些常见的“坑”需要避开，或者哪些设置是绝对不能动的“禁区”。比如在讲解关键帧插值的时候，书中只是机械地展示了如何设置“贝塞尔曲线”，但并没有深入探讨在不同运动场景下（比如角色跑动与物体漂浮）选择不同插值曲线所带来的微妙视觉差异。我更倾向于那种“看图说话”式的教程，图文并茂，能让我边看边跟着操作，即时看到效果的反馈。这本书的结构更像是参考手册的升级版，知识点之间联系紧密，但对于初学者来说，缺乏一个清晰的“学习路径图”，很容易让人在学习的过程中迷失方向，不知道当前学到的知识点在整个后期流程中具体处于什么位置。

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语言风格上，这本书的作者保持了一种非常严谨、客观的学术语调，这在技术文档中是必要的，但对于希望在学习过程中保持轻松和兴奋感的读者而言，阅读起来会稍显枯燥。它更像是一份官方技术手册的修订版，充满了精确的指令和规范的术语，很少有幽默感或生动的比喻来帮助理解抽象的概念。例如，当解释时间重映射时，我更希望能看到一个生活中的例子来类比这种时间伸缩的概念，而不是直接跳转到参数曲线的调整。此外，全书对快捷键的提及似乎也处理得不够突出，通常都是以小字标注在侧边，对于需要依赖键盘快速操作以提高效率的用户来说，这使得查找和记忆特定快捷键变得不那么方便。总而言之，它是一本值得信赖的工具书，但要说它是一本“引人入胜的学习伙伴”，可能就有些勉强了。

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这本书的实例项目设置也让我感觉略显陈旧。虽然步骤很扎实，但最终呈现出的视觉效果，比如那些预设的动画模板或者颜色风格，带着明显的时代烙印，不是当下主流的影视作品所采用的审美趋势。在当今这个视觉风格日新月异的时代，教程中的项目案例如果不能紧跟行业前沿的视觉语言，那么学习的动力和最终产出的效果都会大打折扣。我理想中的教程，应该包含如何运用最新的插件效果、如何匹配当下的电影质感，甚至是如何利用AI辅助功能来提升工作效率（尽管5.5版本可能对此支持有限，但至少可以探讨一些替代思路）。这本书的案例更像是教科书式的标准范例，缺乏那种能激发学习热情、让人拍案叫绝的“高光时刻”。它更偏向于“标准答案”的提供者，而非“创意火花”的点燃者。

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