具体描述
本书写作力求从新的视野分析观察研究中国音乐，其新意义要体现在以下三个方面：一是从新体例上审视中国音乐，采用以社会属性与音乐风格为标准的分类体例，使中国音乐各门类统属层次分明、具有内在的逻辑，补充或加强论述了被以往同类著作忽略或薄弱的品种如宗教音乐、宫廷音乐、文人音乐等。完整地展示出中国音乐的面貌。二是行文改变以往史论分离、过于专深的写法，采用史论结合，纵横交叉的写法，使中国音乐的神韵有空间得到充分展开和深入阐述，文笔力求深入浅出，具有较强可读性，使音乐专业与广大非音乐专业的读者都能较为轻松愉快地概览中国音乐的全貌和神韵。不可否认，音乐学术当然有其高深难懂的一面，但她终究不应藏在象牙塔内，她应当走向民众，为民众所接爱，为民众所利用，从这一意义言之，音乐学术研究的通俗化、生动化，是学术发展的生机所在。音乐固有抽象玄虚的一面，但从根本上看她仍是一种生动鲜活的艺术现象，音乐理论的学问也不应太远背离这一特色。如何才能在不长的篇幅内，用引人入胜的体例和笔调使读者比较轻松地进入中国音乐的殿堂？这无疑是专家学者们都应该追求的境界。三是从新的学术前沿来研究和观察中国音乐，这有两方在含义：一方面书中尽可能吸收近年来音乐学术界同行们的最新研究成果，另一方面以较多篇幅纳入作者个人的研究心得和成果，使本书论述内容在深度和广度上有较大拓展，以便读者能从更深入更广阔的层面了解中国音乐的精萃内容和艺术神韵，引导读者从理性感性的综合中初步掌握欣赏中国音乐的门道。作为一个初步尝试，如果本书能为中国音乐论著的写作增添一些新意，能让更多热爱中国文化的朋友们成功地步入中国音乐殿堂之门，欣赏了角落发祖国文化宝库中的这一奇观，从中获得美的享受、智的启迪，笔者的欣慰就不言而喻了。
作者简介
目录信息
第一章 三月不知肉味——宫廷音乐
第一节 从“孔子闻韶”说起
第二节 恢宏的地下音乐殿堂——曾侯乙编钟
第三节 文质彬彬、雅颂正声——雅乐
第四节 黄门鼓吹宴群臣——宴乐大曲
第五节 帝王音乐家唐明皇
第六节 霓裳仙曲传千古
第七节 卤簿大乐壮声威——仪仗音乐
第二章 自作新词韵最娇——文人音
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读后感
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用户评价
我最近迷上了探究二十世纪中叶美国爵士乐的发展轨迹，特别是融合了硬波普（Hard Bop）与自由爵士（Free Jazz）的过渡期。这本书对那个时期几位关键人物的音乐哲学探讨，提供了我之前从未接触过的视角。我一直好奇，为什么一些音乐家会选择彻底抛弃既有的和弦进行和节奏框架，转而追求纯粹的即兴表达。作者没有简单地将此归结为对传统的叛逆，而是巧妙地将其置于战后美国社会对身份认同和政治表达的复杂语境之中。他详细对比了明戈斯（Mingus）作品中那种充满爆发力的愤怒与布道式的叙事感，以及奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）早期的调式探索，是如何在看似混乱的外表下，蕴含着一种更深层次的结构逻辑。阅读过程中，我不断地暂停下来，去重听那些被详细分析的唱片片段，每一次聆听都因为有了作者的引导而变得不一样，仿佛隔着一层迷雾的音乐突然变得清晰可见。这本书的价值在于，它教会你如何“听”音乐，而不仅仅是“听见”音乐。它的论证严谨而富有激情，让原本枯燥的音乐分析变得像侦探小说一样引人入胜。
评分说实话，我对当代电子音乐和声音艺术领域的研究一直保持着一种疏离感，觉得它们的技术性太强，缺乏传统音乐那样的情感深度。但是，这本书里关于九十年代柏林Techno场景的社会学分析，彻底颠覆了我的看法。作者没有纠缠于合成器型号和混音技巧，而是将重点放在了“空间”和“身体”的互动上。他描述了在地下仓库里，那种长时间、高强度的重复节奏如何成为一种集体性的仪式，一种逃离日常现实的出口。他引用的理论视角非常现代，结合了现象学和城市地理学，去解读那种由低音震动引发的集体潜意识体验。我尤其被他关于“噪音如何被驯化为音乐语言”的论述所吸引，这迫使我去重新思考我们对“悦耳”和“和谐”的固有定义。这本书的叙事风格非常碎片化，像是在拼凑一个巨大的声音拼图，每一个小小的案例——无论是关于声音装置还是某个特定厂牌的发行策略——都指向一个更宏大的关于当代艺术与科技融合的主题。读完后，我立刻去下载了几张之前不屑一顾的实验电子音乐专辑，尝试用新的耳朵去“解码”它们。
评分我最近正在攻读关于中亚游牧民族传统乐器研究的硕士论文，非常关注那些口头传承的史诗吟唱艺术是如何在全球化冲击下试图记录和保存的。这本书里关于“非西方”音乐体系中音阶和调式转换的章节，虽然篇幅不大，但提供的概念工具极其宝贵。它没有简单地用西方的十二平均律框架去套用和审视这些古老的音乐传统，而是试图从其自身的文化逻辑出发去理解其内部的张力。作者对苏菲派音乐中“循环往复”的旋律结构如何服务于冥想体验的分析，非常精妙。他讨论了在没有统一书写系统的文化中，音乐作为“活的档案”所承载的历史重量。这本书的语言风格非常冷静、克制，充满了学术的审慎，但字里行间流露出的对文化多样性的尊重，令人印象深刻。它让我意识到，许多看似“原始”或“简单”的音乐形式，其背后的哲学深度和结构复杂度，远超我们肤浅的聆听经验。它为我后续研究中如何构建一个既尊重本土性又不失跨文化对话可能性的分析框架，提供了坚实的理论基础。
评分这本书简直就是音乐史爱好者的一剂强心针！我最近沉迷于研究巴洛克时期意大利歌剧的演变脉络，尤其是威尔第晚期作品中那种戏剧张力和旋律的复杂交织，真是让人叹为观止。作者对那个时代作曲家们如何打破传统、探索新的和声语言的剖析，细腻得令人发指。比如，他对《奥赛罗》中“独白”处理手法的分析，就远超出了教科书式的描述，而是深入到了当时社会背景下，个人情感与宏大叙事碰撞的微观层面。我尤其欣赏作者那种不满足于表面现象的求真精神，他引用了大量当时的书信和乐谱手稿的注释，构建了一个立体可感的历史现场。读到他探讨普契尼如何将民间元素巧妙地融入到他那标志性的“咏叹调”结构中时，我仿佛亲眼看到了剧院里观众们被那份深沉的东方情调所打动，潸然泪下的情景。这本书对于任何想深入理解欧洲古典音乐是如何在时代洪流中自我革新的人来说，都是一本不可多得的宝藏。它不仅仅是知识的堆砌，更像是一次穿越时空的对话，让你与那些伟大的灵魂进行思想上的碰撞。
评分一直以来，我都认为音乐的社会功能主要体现在仪式和娱乐两个方面，对音乐在政治宣传和意识形态构建中的作用关注较少。这本书中关于两次世界大战期间，特定民族音乐被“符号化”和“工具化”的案例研究，真是令人不寒而栗。作者通过对几部早期电影配乐的细致考据，揭示了音乐是如何被精心设计用来操纵观众情绪，灌输特定国家主义叙事的。最让我震撼的是他对“田园牧歌式”旋律在战时被用来掩盖残酷现实的论述，那种温情脉脉的音乐与血腥暴力的并置，产生了一种强大的反讽效果。这本书的写作手法非常像一篇深度调查报告，充满了对一手资料的挖掘和交叉印证，语言简洁有力，节奏感很强，读起来有一种紧迫感。它不提供轻松的答案，而是不断地抛出尖锐的问题：音乐的纯粹性在哪里？当旋律被权力绑架时，听众该如何自处？这本书提供了一套批判性的工具，让我今后在欣赏任何带有强烈时代烙印的音乐作品时，都会多一份警惕和反思。
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