宋徽宗工笔画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:四川美术出版社

作者:邓嘉德

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-01-01

价格:10.0

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isbn号码:9787541014543

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青山远黛：北宋山水画的时代意境 本书聚焦于北宋时期山水画艺术的繁荣与流变，深入探讨了这一时期画家们的创作理念、技法革新以及作品中所蕴含的哲学与时代精神。 第一部分：时代的风骨与画境的开端 北宋（960年—1127年）是中国封建社会承上启下的关键时期，政治上的文治倾向与哲学上“理学”的兴起，共同为艺术的深沉化、内敛化提供了土壤。与唐代山水画追求宏大叙事和气势磅礴不同，北宋山水画开始转向对自然内在秩序的探求与精神世界的寄托。 本书首先将追溯北宋初期几位重要画家的足迹。如李成，他承袭了早期荆浩、关仝的北方山水画风，但更注重笔墨的细腻处理。他的作品中常常出现“寒林、平远、静穆”的特质，以淡雅的墨色和精微的皴法描绘出萧瑟而富有生命力的北方林木景象。我们详细分析了李成如何通过对树干、苔点的刻画，表现出一种士大夫阶层所追求的“淡泊”与“高洁”之感。 紧接着，本书转向探讨范宽——这位被后世誉为“天下第一”的北宋山水巨匠。范宽的艺术是北宋早期山水画气象的集大成者。他“居 অনিবার崖之下，师造化之功”的实践方式，使得他的作品（如《溪山行旅图》）充满了惊人的力量感和结构感。我们侧重于分析他独创的“雨点皴”（或称“大斧劈皴”），这种皴法不仅是描绘山石纹理的技法，更是画家内心对宏大自然秩序的体认。在论述范宽时，我们将着重探讨作品中蕴含的“敬畏之心”——人类在面对宇宙洪荒时的谦卑与渺小。 第二部分：巨碑式的传承与理论的构建 北宋中叶，山水画进入了理论成熟与风格定型的阶段。此时，以文人士大夫身份入画的画家群体逐渐壮大，他们不再仅仅是宫廷的供奉者，更是艺术思想的构建者。 董源与巨然是“江南画派”的代表人物，他们的贡献在于将南方湿润、温和的气候特征融入山水画中。与北方山水的雄浑峻峭形成鲜明对比，董源和巨然的作品展现出“浑厚华滋”的美感。本书将详细辨析“披麻皴”的运用——这是一种以湿润、连续的笔触描绘江南丘陵和植被的技法。通过对他们作品中对云雾、江河处理的深入剖析，可以理解江南山水如何象征着“润泽”与“文气”。 更重要的是，北宋中叶是山水画理论的黄金时期。苏轼的“论画”理论，特别是他强调的“意在笔先”和“不着色相”的思想，极大地提升了山水画的哲学地位。他认为，优秀的绘画作品应该达到“可以游，可以居”的境界，强调的是画作的精神契合而非单纯的形似。我们将深入解读苏轼的文学与哲学思想如何反哺绘画创作，促使画家们将个人情怀注入山水之中。 第三部分：院体的精微与文人画的兴起 进入北宋晚期，宫廷画院对技术的追求达到了一个高峰，而文人画思潮则在民间和士大夫阶层中悄然兴起，形成了双峰并峙的局面。 院体画家，如郭熙，是技法集大成者。郭熙承袭了范宽的宏大构图，但在笔墨处理上更加圆融、精妙。他的代表作《早春图》展示了其对时间感和空间层次的精准把握。我们着重分析郭熙对“可行、可望、可游、可居”四种观赏视角的系统性总结，这标志着山水画已经成为一种成熟的、具备完整审美体系的艺术门类。院体画的特点在于其对物象的精确观察和对“神似”的极致追求，它体现了宋代对秩序和精致的社会审美。 与院体的精致相对，以米芾、米友仁父子为代表的“米家山水”则展现了截然不同的面貌。米芾反对刻意雕琢，主张“不类之类，不妙之妙”。他们的作品，特别是著名的“米点皴”，是以墨色的晕染和团块的堆叠来快速捕捉自然瞬息万变的印象。米氏父子的艺术更偏向于对“书写性”的强调，墨点的运用模糊了物象的边界，预示着元代文人画对“笔墨趣味”的回归。本书将分析米氏父子如何通过这种看似随意的画法，表达对当时刻板院体风气的反叛精神。 第四部分：图像的象征与时代的终结 北宋山水画的伟大之处，在于它不仅仅是风景的描绘，而是时代的“心灵地图”。 在分析了各家风格后，本书将探讨贯穿始终的主题：隐逸与入世的张力。在理学氛围浓厚的时代背景下，山水成为士大夫退隐避世的精神家园。无论是范宽的崇山峻岭，还是李成的枯木寒林，都寄托着画家在政治变动中对自我价值的坚守。 最后，我们将目光投向靖康之变后，北宋的覆亡给山水画带来的深刻影响。尽管南渡，但北宋山水画奠定的坚实基础——无论是技术上的皴法体系，还是理论上的“尚意”精神——都成为了南宋乃至后世山水画发展的源头活水。这本书试图揭示，北宋山水画如何通过对自然秩序的摹写，构建了一个永恒的、可以供后人安放精神的艺术世界。 本书通过对不同地域、不同流派的山水画巨匠及其理论的系统梳理和深入解读，旨在为读者提供一个全面而富有层次感的北宋山水画全景图。它不仅是技法的展示，更是对那个伟大时代审美理想与文化哲思的深度探寻。

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这本书的选材角度非常新颖，它没有将重点放在耳熟能详的那些大众名作上，而是深入挖掘了一些相对冷门但艺术价值极高的民间或地方性收藏作品。这种“以小见大”的编排思路，极大地拓宽了我对宋代艺术风格多样性的认知。我发现其中对于一些特定主题——比如特定地域的建筑细节描摹，或者某一时期文人士大夫日常器物的使用场景——都有着极其细致入微的刻画。这对于研究那个时代的生活史和美学观念的演变，提供了非常宝贵的直观材料。书中的文字导读部分，虽然篇幅不长，但措辞严谨，引经据典，很多关于画作背景和技法特点的解读，都非常专业，并非空泛的赞美之词。我尤其欣赏作者对“意境”的把握，如何将技术层面的精湛与精神层面的超脱完美融合，这种深层次的探讨，让这本书的学术价值也得到了提升。

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我注意到这本画册在装帧设计上似乎非常注重“手感”的反馈，这在如今多以电子媒介为主的时代，显得尤为难得。纸张的选择非常考究，不是那种一味追求光滑的铜版纸，而是带有一定纹理和吸墨性的优质纸张，这对于呈现传统水墨的韵味至关重要。翻阅时，那种微微的沙沙声和纸张带来的微弱阻力感，都让人感觉更加沉静和专注。此外，书本的装订方式也十分牢固且展开平整，即便是对开的大幅作品，也能完全摊开，确保观者不会因为书脊的阻碍而错过任何一个细节。这种对阅读体验细节的关注，体现了出版方对艺术载体的尊重。我将它放在光线柔和的书桌上细细品味时，它本身就成了一件陈设品，散发着一种宁静致远的气质，完全契合了宋代审美的核心精神。

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这部画册的装帧设计着实让人眼前一亮，那种古朴典雅的气息扑面而来，仿佛能触摸到宣纸本身的肌理。尤其值得称道的是，印刷的色彩还原度极高，即便是最细微的晕染和层次过渡，也处理得恰到好处，没有丝毫失真。我翻阅的这本画集，似乎更侧重于展示宋代宫廷绘画的整体风貌，那些精妙的构图和严谨的笔法，无不体现出那个时代文人对“格物致知”的极致追求。每一页的留白处理都极其讲究，既衬托了主体，又留给观者极大的想象空间。我特别留意了其中几幅描绘花鸟虫鱼的作品，那些细如发丝的线条，描绘出的翎毛和花瓣的质感，简直令人叹为观止，让人不禁思考，在没有现代工具辅助的情况下，画家是如何做到如此精微入神的。整体而言，这本书的视觉体验是顶级的享受，对于喜爱传统国画，尤其是追求高品质印刷呈现的爱好者来说，绝对值得入手收藏。它不仅仅是一本画作的汇编，更像是一次穿越回宋代艺术巅峰的深度游览。

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坦白说，刚拿到手的时候，我对这种厚重的画册抱有一丝疑虑，担心内容会过于晦涩难懂，只适合专业人士。然而，阅读的过程中，这种顾虑完全消散了。它的叙事节奏把握得非常好，即便是我这样只是业余爱好者的人，也能轻松地跟上作者的思路。书中穿插的一些关于画材制作、颜料研磨过程的图解和文字说明，生动有趣，极大地降低了理解门槛。比如，关于矿物颜料如何与胶液结合才能保证在绢本上达到持久光泽的描述，读起来像是在听一位经验丰富的老匠人娓娓道来。这种将艺术创作的“幕后”过程也展现出来的做法，极大地增强了作品的立体感和厚度。它成功地将一门高深的艺术，以一种亲切、可触摸的方式呈现给了大众读者，让观赏画作不再是单纯的视觉接收，而成为一次全方位的文化体验。

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这本书给我最大的触动在于它对“静谧”主题的深刻诠释。我花了很多时间去对比不同画作中对时间流逝的捕捉，那些描绘静止瞬间的场景，比如一只蝴蝶停驻在花蕊上的那一刻，或者清晨雾气刚刚散去的湖面，都处理得极其到位，仿佛时间在那一刻被凝固了。这种对“瞬间永恒”的追求，是传统东方美学中非常高妙的一环，而这本画册的编者似乎深谙此道，他们的选图和编排，都在引导读者进入一种沉思的状态。我合上书本后，那种心绪平复、呼吸放缓的感觉，久久不能散去。它不是那种会让人兴奋或激动人心的作品集，而更像是一剂精神的清泉，让人在喧嚣的日常中，找到一处可以安放灵魂的审美栖息地。对于追求内心平和与审美修养的读者来说，这本书的价值是无法用简单的“好”或“不好”来衡量的。

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