八十七神仙卷彩绘范本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民美术出版社

作者:任梦龙 编

出品人:

页数:20

译者:

出版时间:2012-10

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787102061238

丛书系列:中国传统绘画技法丛书

图书标签:

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• 画集
• 中華傳統文化
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• 隋唐五代
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• 国画
• 和毛毛一起学画画
• 八十七神仙卷
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• 民间信仰
• 文化艺术
• 典籍

《丹青遗韵：中国古代绘画的流变与风格》 导言：艺术的脉络与历史的沉淀 中国绘画艺术，作为中华文明独特而璀璨的瑰宝，其历史源远流长，体系博大精深。它不仅仅是对自然万物的描摹，更是哲学思想、人文精神与审美情趣的综合体现。本书《丹青遗韵：中国古代绘画的流变与风格》旨在系统梳理自史前萌芽至清末民初，中国绘画在不同历史阶段所呈现的艺术面貌、核心思想及其技法演变。我们聚焦于那些奠定中国画基础、构建其独特语汇的关键时期和重要流派，力求展现一幅立体而生动的古代丹青图景。 第一部分：源起与奠基（先秦至魏晋南北朝） 本章追溯中国绘画的源头。从新石器时代的彩陶图案，到商周青铜器上的纹饰，我们探寻早期图像符号的起源。随后，重点分析帛画、壁画的出现，特别是楚文化对浪漫主义和想象力的早期滋养。 魏晋南北朝时期，是中国绘画走向自觉的关键阶段。随着玄学与佛教的兴盛，人物画开始确立其核心地位。本部分将深入探讨顾恺之“传神写照”的理论核心，解析其在人物造型与精神气质捕捉上的突破。同时，佛教造像艺术对绘画的深刻影响，如何通过石窟壁画（如敦煌、云冈、龙门早期）的样式输入，丰富了人物画的笔法和色彩运用。南北方艺术风格的分野与融合，如北方画派的浑厚雄健与南方画派的秀逸清淡的初步倾向，构成了这一时期绘画风格的底色。 第二部分：盛世气象与程式确立（隋唐五代） 隋唐五代是中国封建社会的鼎盛时期，艺术风格也随之展现出宏大、雍容、饱满的时代特征。 唐代的人物画达到了前所未有的高度，阎立本的雄伟庄重与吴道子的“吴带当风”成为标杆。本章详述唐代人物画如何从宗教叙事向世俗题材拓展，并分析墓室壁画在叙事性与装饰性方面的成就。 五代时期，山水画的独立进程显著加速。荆浩、关仝的北方山水，以其宏大的气势和严谨的皴法（如披麻皴、斧劈皴的运用），确立了中国山水画的“北派”雏形。相较之下，南方（如“南唐四大家”）开始注重笔墨的趣味性和意境的抒发，预示着文人画思潮的兴起。这一时期，青绿山水的成熟与水墨技法的初步探索，是理解后世山水画发展的关键节点。 第三部分：意境的升华与文人画的崛起（宋元时期） 宋代，是中国绘画艺术发展中的一个高峰期，院体画的成熟与文人画的崛起并驾齐驱。 宋徽宗时期，翰林图画院的规范化管理，使得花鸟画和山水画的写实技巧达到了登峰造极的程度。张择端的《清明上河图》展示了全景式、生活化的叙事能力。院体画强调“格律”与“理法”，注重精确的观察与精微的描绘。 与此同时，以苏轼、米芾为代表的文人画理论体系逐渐完善。他们倡导“不求形似，但求神似”，将个人学养、书写性融入绘画之中。米芾的“米点皴”是水墨语言探索的一次重要飞跃。 元代，元四家（黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇）将文人画推向了理论与实践的顶峰。元四家的创作不再以迎合宫廷或世俗审美为目的，而是将绘画视为“胸中逸气”的抒发。本章将详细剖析黄公望《富春山居图》中浑厚松动的笔墨语言，以及倪瓒“疏简”风格的哲学意涵，探讨元代画家如何通过笔墨的“书写性”实现了前所未有的主体性表达。 第四部分：笔墨的探索与地域的交融（明清时期） 明代画坛呈现出明显的复古与创新并存的局面。 明初，以“浙派”的戴进、吴伟为代表，继承了院体的雄健，但更显粗犷奔放。中晚期，“吴门画派”的沈周、文徵明，则以对元四家尤其是倪瓒的推崇为主导，形成了典雅、精细的江南文人画主流。唐寅、仇英则分别在人物与界画方面，将世俗题材的描绘推向极致。 晚明时期，董其昌的“南北宗论”成为绘画史研究与评论的重要框架。董氏推崇文人画为“北宗”，强调笔墨的内化与意趣，对后世产生了深远影响。 清代，宫廷艺术（如“金陵画派”、“扬州八怪”）与文人画的对立与融合愈发明显。清初“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）在继承传统的基础上，强调“笔墨当随时代”，尤其是王原祁对董源、巨然的深入钻研，使皴法和笔墨语言的理论化达到了新的高度。而“扬州八怪”则以其强烈的个性和反传统的笔墨手法（如金农的漆线描、郑燮的兰竹），对僵化的程式发起了挑战，为近代绘画的变革埋下了伏笔。 结语：传统的回响与未来的展望 本书最终回归对中国画核心特征的总结：重视线条的骨法用笔、追求意境的表达、强调书画同源的哲学关联。通过对历代名家的深入剖析，我们试图揭示中国画“形神兼备”的艺术奥秘，并思考在近现代西方艺术思潮冲击下，传统丹青艺术如何得以继承与创新。 本书配有大量高清线描图和彩图解析，力求以严谨的学术态度，清晰的脉络梳理，带领读者领略中国古代绘画艺术深邃的文化内涵与不朽的艺术魅力。

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作为一名业余的古典文学爱好者，我通常关注的是文本的力量，但这本书成功地让我领略到了视觉叙事的力量。它不仅仅是“画了”什么，更重要的是“如何”去画，以及这种画法如何反哺对传统故事的理解。比如，那些神仙的表情，即便是高度程式化的脸谱下，依然能捕捉到慈悲、威严或遗世独立的情绪，这需要画家对人物内心世界有极深的洞察力。我尤其欣赏它在色彩运用上的克制与大胆并存——大面积使用了相对沉稳的矿物颜料色调，营造出历史的厚重感，但在关键的法器或祥云之上，又用极其明亮的朱砂或石青作为点睛之笔，使得画面瞬间活络起来，充满了动感和神圣感。这种对色彩心理学的运用，使得读者在欣赏的同时，也能被无形的情感力量所牵引，体验到一种超越文字描述的，更为直观和冲击性的审美体验。

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读完这本画册，给我最深刻的感受是其所传递出的那种“静穆的宏大”。很多描绘神仙的题材容易流于轻浮或过于世俗化，但这本画册中的形象，无论其姿态多么舒展飘逸，眼神中总是带着一种对宇宙万物的洞察和超然。这说明画家在创作时，并非仅仅在模仿古人的技法，而是在深度理解其背后的哲学意涵。卷轴式的开本设计，本身就带有很强的仪式感，配合其印刷质量，使得即便是零散的片段欣赏，也能让人感受到整体作品的完整性和贯穿始终的艺术追求。这种品质的书籍，是值得被收藏和珍视的，因为它不仅是视觉的享受，更是一种精神的滋养，让人在欣赏的过程中，潜移默化地提升了自己对“美”的鉴赏标准，领略到古典艺术的深邃内涵与不朽魅力。

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这本书的装帧工艺处理得极其到位，完全符合其主题所应有的庄重感。我注意到纸张的抗光性似乎也经过了优化，即使是在室内自然光下翻阅，色彩的饱和度和细节的锐度都保持得非常好，没有出现那种廉价印刷品常见的反光或色彩失真现象。从整体布局来看，画册的编排顺序似乎遵循着某种隐秘的叙事线索，并非简单的按时间或重要性排列。我尝试着跳跃式地翻阅，发现不同页码之间的笔法、用线粗细的对比和呼应非常有趣，仿佛作者在构建一个宏大的视觉交响乐，高潮与低谷，强音与弱音，都安排得恰到好处。这种精心编排的阅读体验，鼓励读者不是一次性地“看完”，而是带着敬畏之心，慢慢地品味和拆解其中的艺术结构，每次都能发现一些之前忽略的巧妙连接点。

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这本画册的装帧设计实在令人惊艳，从触感上来说，纸张的质地非常考究，那种略带粗粝感却又细腻光滑的触感，让人爱不释手，仿佛能感受到作者在创作时的心境。更别提封面那一抹沉稳的朱红与典雅的墨黑的搭配，简约中透着一股历经岁月沉淀下来的古朴气韵，完全不是那种流于表面的华丽。翻开内页，那种油墨的醇厚感扑面而来，每一页都像是精心呵护过的古籍，色彩的过渡自然而富有层次，即便是最细微的线条，其描绘人物的衣袂飘动、发丝飞扬的姿态，都充满了生命力与动态美。我特别留意了其中几幅描绘仙人腾云驾雾的场景，云雾的轻盈与仙人的超脱感被拿捏得恰到好处，没有一丝多余的笔触，体现了画家极高的写意功底。这种对细节的极致追求，使得每一次翻阅都像是一场视觉的朝圣之旅，让人沉浸其中，暂时忘却尘世的喧嚣，完全被那种古典的、飘逸的艺术氛围所笼罩。

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我对市面上许多所谓的“传统”艺术书籍常常抱持一种谨慎的态度，因为很多只是粗糙的复制品，缺乏灵魂。然而，这本画册却展现出一种令人耳目一新的专业水准。它的装帧显然是经过深思熟虑的，不仅仅是内容的堆砌，更像是一件精心策展的艺术品。我仔细对比了不同画作之间的构图逻辑，发现作者对于“满”与“空”的把握达到了极高的境界。在某些场景中，密集的人物群像被处理得井井有条，既有磅礴的气势，又不显拥挤杂乱；而在另一些留白较多的画面里，那几笔关键的线条，却能瞬间将读者的注意力锁定在核心的神韵之上，这种收放自如的节奏感，是真正的大家手笔。这种对空间感的精妙控制，远超出了普通插画集的范畴，它更像是一部关于中国古典绘画空间理论的视觉教材，每一幅画都蕴含着深刻的构图哲学，值得反复揣摩和临摹。

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八十七卷就是hard模式的“秘密花园填色游戏”，谁碰谁死，百试不爽。

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