昆剧表演一得 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:苏州大学出版社

作者:徐凌云

出品人:

页数:394

译者:

出版时间:1993-8

价格:51.00元

装帧:平装

isbn号码:9787810370554

丛书系列:

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《汉宫秋》的舞台意象与历史叙事：以清代传奇的重构与演绎为中心 书籍简介 本书深入剖析了中国古典戏剧“昆剧”中的经典剧目《汉宫秋》，着重探讨其在清代传奇舞台上的流变、表演艺术的独特处理，以及其所承载的复杂历史与文化意涵。全书以文本细读与舞台实践相结合的研究范式，力求还原和重构一个多维度的艺术景观，而非仅仅停留在对文学剧本的传统解读之上。 第一章：传奇之源与文本的初探——从元曲到昆腔的嬗变 本章追溯了《汉宫秋》最早的文学渊源，从元代剧作家马致远的原作开始，阐述了“昭君出塞”这一历史母题在不同历史时期的文学生产是如何被塑形的。重点对比分析了元杂剧的粗犷叙事与清代传奇的精雕细琢之间的内在张力。 我们首先考察了马致远版本的核心冲突——“去国”与“别爱”的二元对立。马剧的结构更注重戏剧的力度和人物情感的爆发，其对匈奴的描写带有强烈的民族情感色彩。然而，当这一题材被移植到昆曲的语境中时，情况发生了根本性的变化。 昆曲，作为成熟于明中叶并盛行于清代的“雅部”，其美学追求是“含蓄”、“婉转”与“典雅”。因此，清代传奇改编者在处理《汉宫秋》时，必须对原有的戏剧冲突进行“去粗取精”的加工。本章细致比对了不同版本中，对王昭君离宫、胡地受降等关键情节的处理手法。例如，在昆曲版本中，对“琵琶”这一核心意象的运用，从元曲中作为抒发悲愤的媒介，转向了作为“意境营造”和“时间流逝”的具象化工具。琵琶声不再是简单的背景音乐，而是成为人物内心独白和舞台气氛转折的关键线索。 此外，本章还分析了清代昆曲在剧本结构上为适应昆腔的板式变化所做的调整。昆曲对“唱”的要求极高，这意味着叙事节奏必须放缓，情感的递进必须通过曲牌的转换和声腔的韵味来完成，这直接影响了昭君“心境”的呈现方式，使其更侧重于“内观”而非“外动”。 第二章：舞台的物质性与表演的程式——清代剧场的空间哲学 本章将研究的焦点从文本转向了具体的舞台实践。在清代，昆剧的表演高度依赖于固定的程式和精细的舞台调度。我们以现存的清代昆剧戏班档案和戏园子的建筑形制为基础，探讨《汉宫秋》在舞台上是如何被视觉化和听觉化的。 “昭君出塞”的程式化演绎是本章的核心分析点。在昆剧中，这场远行并非写实的旅程，而是通过一系列高度符号化的动作来完成：“亮相”、“起霸”、“走边”等基本功的运用，是如何共同构建出一种既是“实景”又是“虚境”的舞台空间。 1. 景物虚拟与道具的象征意义：分析了在几乎没有写实布景的清代戏台上，《汉宫秋》如何利用“马鞭”、“羽衣”、“红缨枪”等有限的道具来指代广袤的塞外风光和战争氛围。特别是对“大幕”拉开时，演员如何通过身段来暗示千里冰封的意境，体现了昆曲“一桌二椅”哲学在处理宏大历史题材时的创造力。 2. 声腔的地理暗示：本章详尽考察了昆曲中用于区分“中原”与“塞外”的声腔差异。南腔北调的运用，不仅仅是音高的变化，更是一种身份和情感状态的剧场标识。昭君的唱腔如何从初期的细腻婉转（代表宫廷的安逸），过渡到后期的苍凉悲壮（代表异域的孤独），这些转折点是如何被特定的曲牌和板式所锁定的。 3. “做功”与“念白”的张力：对比分析了昭君的“做功”（身段动作）与台词（念白）在传达其内心挣扎时的侧重点。在昆曲的语境下，许多情感需要通过无声的眼神交流和身体的微小颤动来完成，这要求演员对“含蓄”的程度有着极高的掌控力，也为观众留下了广阔的想象空间。 第三章：权力、性别与文化挪用——历史叙事的多重解读 《汉宫秋》作为一部历史题材的传奇，其核心的意识形态功能在于对“忠贞”和“和亲”的复杂伦理进行审视。本章侧重于分析清代剧场对这一题材的政治性解读和性别表达。 1. 女性的“英雄化”与伦理的悖论：昭君的形象在清代舞台上被赋予了更高的道德光环，她的牺牲被解读为超越个人情感的“家国大义”。本章探讨了这种“女性英雄化”是如何满足清代社会对女性美德的理想化期待，但同时也揭示了这种“成全”背后对女性主体性的消解。王昭君的悲剧，最终被收编入儒家伦理体系的“典范”之中。 2. “胡汉”二元对立的消融与重塑：与元杂剧强烈的民族对抗色彩不同，清代昆剧在处理匈奴形象时，往往倾向于淡化其野蛮性，而着重展现其对“文化”和“美德”的渴求。这反映了清代统治阶层对“边疆”和“异族”采取更为柔性、更强调文化融合的治理理念。本章细致分析了剧中与呼韩邪单于相关的唱段和做派，它们如何服务于这一“大一统”的历史观。 3. 戏班生态与观众的互动：最后，本章讨论了在清代城市剧场中，不同社会阶层的观众对《汉宫秋》的接受差异。士大夫阶层更侧重于欣赏其声腔的典雅与文本的典故，而普通民众则可能更多地被其悲剧性的情感冲突和舞台的华丽视觉所吸引。这种多层次的观看体验，共同塑造了昆剧《汉宫秋》在近代的生命力。 结论：不朽的悲剧意象与昆剧的艺术边界 本书总结认为，《汉宫秋》在昆剧的演绎中，完成了从“文学叙事”向“表演美学”的深刻转型。它不再仅仅是一个关于和亲的史诗故事，而成为了一个关于时间、距离、艺术程式与人性幽微的剧场化寓言。通过对清代传奇舞台的细致考察，我们可以更清晰地看到，昆剧是如何以其独特而精微的艺术手段，将历史的重量转化为舞台上的轻盈与哀婉，使其成为中国古典戏剧中一座难以逾越的艺术高峰。

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阅读体验中最让我感到惊喜的是它对舞台调度和人物塑造的探讨，这部分往往是许多理论书籍容易流于空泛的地方。我希望能看到更多关于演员如何通过身段、水袖、眼神来传达复杂情感的实例分析，而不是仅仅停留在文字描述上。好的表演艺术书籍，应当能让读者在脑海中构建出立体的舞台场景。这本书的某些章节似乎特别关注了“做功”与“念白”的结合点，这一点非常吸引我，因为在我看来，昆曲的精髓恰恰在于这种气韵生长的过程。如果它能提供一些具体的排练心得或者幕后花絮，那就更完美了，那样能让读者感受到艺术创作的鲜活与不易。

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从文化史的角度来看，这本书的价值可能远超于一本单纯的技法指南。我注意到它似乎穿插了对昆曲兴衰与时代背景的宏观论述，这让我对它产生了更浓厚的兴趣。艺术是时代的镜子，没有历史的纵深感，任何艺术形式的探讨都是空中楼阁。我希望它能够深入剖析，在不同的历史节点，昆曲是如何应对社会变迁和审美潮流的冲击的。这种对文化传承和革新的深度思考，往往能为我们理解当代艺术的处境提供重要的参照系。如果这本书能提供一个跨越数百年历史的脉络，让我清晰地看到“活的传统”是如何被一代代人守护和发展的，那将是一次极具启发性的阅读。

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这本书的装帧设计真是太吸引人了，拿在手里很有分量感，封面那素雅的色调和简洁的排版，让人一眼就能感受到它蕴含着深厚的文化底蕴。内页的纸张选得也很考究，触感细腻光滑，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我尤其欣赏它在细节上的处理，比如扉页上的那枚印章，古朴又不失雅致，似乎在无声地向读者宣告着即将展开的艺术之旅。虽然我还没来得及深入研读其中的每一个章节，但仅凭这初步的翻阅体验，就已经让人对接下来的阅读充满了期待。它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的工艺品，体现了出版方对传统艺术的尊重与敬畏。那些精美的插图和历史照片，虽然只是惊鸿一瞥，却已经勾勒出了一个斑斓的舞台世界，让人忍不住想去探寻每一个定格背后的故事。

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这本书的内容架构非常清晰，从目录上看，它似乎采取了一种层层递进的梳理方式，试图构建一个完整的昆曲艺术图谱。我注意到它对不同流派、不同时期代表作的梳理非常细致，这对于一个初涉此领域的爱好者来说，无疑是一盏明灯。我个人对戏曲理论的理解尚浅，但这本书的语言风格似乎并不故作高深，而是力求用一种平易近人又兼具学术性的方式，将复杂的程式化表演技巧和深奥的审美意境阐释出来。这对于我来说至关重要，因为我更倾向于能够将理论与实践相结合的读物。我期待它能够像一位耐心的老师，引导我跨越知识的鸿沟，真正领悟到“一唱三叹”的韵味所在，而不是停留在表面的欣赏。

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这本书的排版布局和文字间距处理得非常舒服，长时间阅读下来眼睛不会有明显的酸涩感。我更喜欢这种带有留白的设计，它让文字有了呼吸的空间，也让读者有了思考和回味的空间，不像有些学术著作，恨不得把信息塞满每一个角落，让人喘不过气。整体而言，这本书给我的感觉是沉静、内敛，却又暗藏着磅礴的力量。它似乎在诉说着一种对待艺术的严谨态度——不浮躁，不喧哗，只是静静地将最精粹的经验和见解呈现出来。我期待着在接下来的阅读中，能够被这种内敛的魅力深深吸引，并从中汲取到属于我自己的艺术养分。

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徐凌云先生比有些号称“表演艺术家”者不知道要高到哪里去了。他对这些著名折子戏的人物装扮、念白曲词与每一步相配合的细微动作神情姿势都如数家珍，每折戏的记述详尽鲜活而实用，把难点重点技巧讲得透彻清楚，充分展露了戏曲表演的程式化歌舞化游戏性特征。

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嗯我还有这本了

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身边姑娘天津小店角落淘得，余以贪览几时，喜。

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徐凌云先生比有些号称“表演艺术家”者不知道要高到哪里去了。他对这些著名折子戏的人物装扮、念白曲词与每一步相配合的细微动作神情姿势都如数家珍，每折戏的记述详尽鲜活而实用，把难点重点技巧讲得透彻清楚，充分展露了戏曲表演的程式化歌舞化游戏性特征。

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