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出版者:上海古籍出版社

作者:赵景深

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页数:246

译者:

出版时间:1980

价格:0.64

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好的，这是一份为您准备的、不包含《戏曲笔谈》内容的图书简介，字数大约1500字： 《匠心独运：古典园林的营造与哲学》 序言：于方寸间，容纳乾坤 在钢筋水泥的丛林中，我们常常遗失了与自然的对话，忘记了那些流淌着千年文脉的静谧之地——中国古典园林。它们不仅仅是供人游憩的场所，更是古代士大夫、文人墨客将“天人合一”的哲学思想付诸实践的物质载体。 《匠心独运：古典园林的营造与哲学》并非一本单纯的园林鉴赏图录，它是一次深入骨髓的探访，试图揭开这些凝固的诗篇背后，那些关于空间、时间、美学与哲学的复杂织锦。本书以一种审视者的视角，带领读者穿越历史的迷雾，探究自魏晋至清末，中国园林艺术如何从实用走向写意，从模仿自然升华为超越自然的精神景观。 第一章：从“宅园”到“山水”——园林形态的演变 中国园林的发展，是一个不断追求意境与象征的过程。本书首先勾勒出这一演变脉络： 1. 魏晋：文人雅兴的萌芽 在士大夫阶层开始追求个性解放的时代，园林初显出区别于皇家恢宏气象的私密性。本章详述了早期园林中“凿池理水”、“移石栽花”的初步实践，重点分析了如王羲之兰亭雅集所依托的环境，这种环境如何成为后世文人园林的雏形——强调自然意趣的引入，而非简单的炫耀财富。 2. 唐宋：园林意境的成熟期 唐代，园林开始融入更宏大的山水画理念。李德裕的“独乐园”以及宋代苏轼、米芾等人的园林实践，是本书着墨之处。我们探讨了“以画为园”的理论是如何形成的，以及如何通过叠山理水，在有限空间内模拟出千里江山的壮阔。特别是宋代文人对“框景”手法的精妙运用，如何将一棵树、一块石头，通过视线引导，转化为一幅完整的画卷。 3. 明清：集大成与精深化 明清时期，私家园林达到顶峰，尤以江南园林为代表。本章深入解析了苏州园林的精髓——“咫尺之内再造乾坤”。我们将园林结构拆解为“主体建筑群”、“水体布局”和“山石堆叠”三个核心要素，分析其彼此间的制衡与呼应关系。例如，如何通过漏窗、月洞门等虚化边界的手法，打破物理空间的限制，实现视角的无限延伸。 第二章：营造的奥秘——工匠精神与材料哲学 古典园林的美，一半在于设计，一半在于执行。《匠心独运》将笔墨转向了那些沉默的工匠们，他们是实现文人梦想的实践者。 1. 叠石艺术的“瘦、皱、漏、透” 太湖石的选用与摆放，是古典园林中最具象征意义的部分。本章详细剖析了明清时期文人对石材审美的变迁，从追求天然的奇异，到强调人工的“得之天然”。我们引用了古代的筑山谱录，解析了堆叠的技法，如何让一块块石头，组合出山峦起伏的气势，而非堆砌的杂乱。 2. 水的哲学：动静的辩证法 在中国哲学中，水是生命之源，也是阴柔的代表。本书探讨了园林中对水的处理，包括池塘的形态（活水与死水）、渠道的曲折设计，以及水榭、廊桥等建筑对水面的映照效果。水面如何反射天空、建筑和花木，营造出“空明”的禅意，是本章的重点论述。 3. 建筑的隐与显：虚实之间的对话 园林建筑（亭、轩、堂、舫）的功能性往往服从于观赏性。本章对比了不同建筑的形制，如“亭”的开放性与“轩”的半私密性。尤其关注“隔而不塞”的窗棂设计，如何让室内空间与室外环境产生微妙的渗透与联系，体现了建筑对自然的尊重与融合。 第三章：意境的解码——哲学、诗词与美学关联 园林是哲学的具象化表达。本书试图“读懂”园林背后的思想内核。 1. 道家思想的渗透：顺应自然与“无为” 园林布局的看似随意，实则蕴含着极强的道家“自然无为”的思想。本章分析了园林设计中如何避免直线和对称，追求“曲径通幽”，以模拟自然界的随机性和不可预测性，引导观者在游览过程中体悟“道法自然”的至高境界。 2. 儒家伦理的寄托：中轴与秩序的平衡 虽然私家园林追求自然，但皇家园林，乃至私家园林中的核心堂屋，依然保留了儒家的中轴对称。本书探讨了这种“天圆地方”的宇宙观如何在园林中被“曲线化”地表达出来，实现个体自由（自然之景）与社会秩序（建筑布局）之间的微妙平衡。 3. 诗词的嵌入：可游、可居、可观、可游 园林设计常常被形容为“诗中有画，画中有诗”。本章通过分析特定景点（如“曲水流觞”、“疏影横斜”），阐释了文人如何将经典的诗词意境，通过具体的山水元素进行物质化的转译。观赏者不仅是用眼睛看景，更是在用想象力进行二次创作。 结语：当代的园林反思 在现代城市规划的大背景下，《匠心独运》的最后部分回归现实，探讨了古典园林智慧对现代景观设计的启示。我们如何从这些千年积淀的经验中，汲取灵感，在有限的现代空间中，重新建立人与环境之间和谐、深刻的联系，而非制造出缺乏灵魂的“绿化带”。 本书旨在为读者提供一把钥匙，打开理解中国古典园林深层美学与哲学的大门，使每一次漫步于古园，都能获得更丰富、更具穿透力的精神体验。

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这本书最让我感到震撼的地方，在于它对“舞台空间”这一概念的解构与重塑。我原以为戏曲研究无非是聚焦于演员的技艺或剧本的文学价值，但《戏曲笔谈》却大胆地将视角转向了那片被忽略的“空无”。作者用了极富画面感的笔触，描绘了那个方寸之地如何通过程式化的动作，瞬间转化为千里江山，又或者是一座深宫重院。他细致地分析了“一桌二椅”的哲学内涵——那不仅仅是简单的道具陈设，更是观众想象力的锚点。读到关于“起霸”与“亮相”的段落时，我甚至能清晰地感受到空气在演员肢体爆发瞬间的震颤，以及随之而来的静默是如何被完美掌控的。这种对“动”与“静”之间微妙平衡的捕捉，体现了作者极高的艺术敏感度。他不是在描述“发生了什么”，而是在描绘“如何发生”，以及“为何这样发生”时产生的震撼力。对于长期观看戏曲却始终停留在表层体验的观众而言，这本书无疑提供了一把钥匙，一把能开启对舞台本体奥秘的钥匙，让人恍然大悟：原来我们所见的每一帧定格，都蕴含着时间的压缩与空间的无限延伸。

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翻开这本装帧古朴的《戏曲笔谈》，首先映入眼帘的并非那些繁复的舞台介绍或演员生平，而是一种深沉的、对传统艺术近乎虔诚的凝视。作者似乎并不急于向我们展示戏曲的辉煌，而是选择了一条更为内敛的路径——从那些被日常喧嚣所忽略的“边角料”处着手，细细打磨，使之焕发出新的光彩。例如，书中对某一特定剧目中服饰色彩的运用，并非仅仅是罗列，而是深入探讨了色彩背后所承载的地域文化和人物性格的微妙张力。这种论述方式，仿佛带你走进了一个安静的工坊，亲眼看着一位匠人如何将一块未经雕琢的璞玉，通过无数次精细的打磨，最终呈现出令人屏息的温润光泽。它要求读者放下既有的框架认知，以一种近乎“初学者”的心态去重新审视那些看似熟悉，实则早已被时间蒙尘的细节。尤其欣赏作者在探讨某一唱腔流派时，那种抽丝剥茧般的分析能力，他没有直接给出结论，而是引述了多位不同时代伶人的口述片段，让不同声音在纸面上交锋、碰撞，最终引导读者自行去体会那份“只可意会，不可言传”的韵味，阅读过程犹如跟随一位博学的长者，穿梭于历史的迷雾中，最终抵达一处开阔的心灵之境。

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对于一个习惯了快速消费文化产品的读者来说，《戏曲笔谈》提供了一种近乎“慢食”的体验。它的文字风格典雅而不失力量，像一把上了油的黄花梨木梳，梳理着纷乱的艺术脉络。其中关于“水袖”的描写，尤其令我难忘。作者没有使用那些老生常谈的形容词，而是将水袖的运用比喻为“流动的意志”和“无形的语言”。他详细分析了不同剧目中，水袖如何承担起承载情绪的重任，从“拂袖”的决绝到“甩袖”的洒脱，每一种动作都似乎被赋予了明确的语境和语法结构。这种细腻的笔触，让我意识到，戏曲的每一个细节，都经过了数百年无数伶人的集体智慧沉淀，它不是随意的表演，而是一套成熟的符号系统。阅读这本书，就像是学习一门新的、极其优美的外语，需要耐心去理解其发音、语法和潜台词。它唤醒了我对那些被日常审美疲劳所掩盖的美的敏感度，让我重新对“工匠精神”产生敬畏之心。

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我必须承认，初读这本书时，有些章节的密度让我有些吃力，它并非那种可以轻松翻阅的消遣读物，更像是一份精心绘制的藏宝图，需要你投入时间和精力去解密。作者的叙事节奏是跳跃的，他会突然从对某一地方剧种的腔调讨论，无缝衔接到对古代乐律学的探讨，这种跨度要求读者具备相当的跨学科知识背景，或者至少要有愿意随他一同涉险的勇气。然而，正是这种看似不羁的结构，反而带来了思想的自由流动。书中有一部分专门探讨了戏曲中“假定性”的界限问题，作者用近乎辩证的手法，剖析了传统程式美学如何在现代语境下受到挑战，以及它又是如何巧妙地自我修复。这种批判性思维的注入，让整本书没有沦为对传统的盲目赞颂，而是成为了一场充满张力的对话。每次当我以为自己要跟上作者的思路时，他总能抛出一个更深层的问题，迫使我重新审视自己原有的认知结构。这本书的价值不在于给出标准答案，而在于它能让你在阅读的过程中，自己生成无数个值得深思的提问。

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我发现，《戏曲笔谈》在处理历史文献和现代表演的交汇点时，展现出一种难能可贵的平衡感。它没有沉溺于对“黄金时代”的怀旧，而是客观地审视了戏曲在当代舞台上面临的困境与创新方向。书中关于“虚拟布景”与“传统板式”如何共存的讨论，提供了极具启发性的视角。作者的立场是坚定的：继承必须建立在理解的基础之上，而非僵硬的模仿。他通过对比不同时期剧团的排练笔记和导演手记，揭示了艺术生命力是如何在不断的适应与调整中得以延续的。这种对“生命力”本身的关注，使得全书洋溢着一种积极的、面向未来的气息。它不是一本故纸堆里的学问，而是一本活生生的、正在呼吸的艺术指南。读完后，我迫不及待地想去剧场，带着书中获得的全新视角，去重新解读那些熟悉的场景，去聆听那些被重新激活的腔调，仿佛开启了一场全新的艺术朝圣之旅。

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研究范围涉及昆曲及其他花部诸戏；考证从元末杂剧、南戏到昆山腔、弋腔等发展；介绍了对昆腔和昆曲的发展起到关键作用的曲牌研究家和剧作家；简述了诸多剧作家和他们的名著，如汤显祖和《牡丹亭》，孔尚任和《桃花扇》，洪升和《长生殿》等；

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研究范围涉及昆曲及其他花部诸戏；考证从元末杂剧、南戏到昆山腔、弋腔等发展；介绍了对昆腔和昆曲的发展起到关键作用的曲牌研究家和剧作家；简述了诸多剧作家和他们的名著，如汤显祖和《牡丹亭》，孔尚任和《桃花扇》，洪升和《长生殿》等；

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赵先生于传统戏曲的很多观点，值得借鉴吸收。

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思想改造是僵硬的．

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只读了关于昆曲的部分。。。