具体描述
本书是中国社会科学出版社出版、李泽厚主编的《美学译文丛书》之一。《艺术原理》是一部现代西方美学名著。在《艺术原理》一书中，科林伍德通过先破后立的论述方法，对艺术概念进行了考证和辨析，系统地提出了艺术即是情感的表现这一观点，并向意大利著名美学家克罗齐的观点靠拢，同意想象与表现是同一的。本书第一编首先论证了作者所说的技艺、巫术艺术和娱乐艺术不属于真正的艺术，然后提出真正的艺术是对情感的表现，是想象性活动，或曰总体想象性经验。第二编转入广阔的哲学心理学领域，从理论上探讨了感觉、意识、想象、情感、思维和语言等想象，从而基本上形成了作者的艺术理论。第三编则进一步考察了艺术与原理、艺术家与社会的有机联系。据英国牛津大学出版社1938年版译出。
作者简介
罗宾·乔治·科林伍德(Robin George Collingwood，1889-1943），英国哲学家，历史学家，业余画家。1912年起任牛律大学研究员。1914-1918年服务于英国海军参谋部下属机构。1927年起为牛津大学罗马史讲座教师，成为继哈佛菲尔德之后的罗马不列颠史专家。1935年起为牛津大学温弗莱特形成上学哲学教授，至 1941年退休。
科林伍德一般被称为新黑格尔主义或者唯心主义者，学问渊博，著述甚丰，在历史学、考古学、艺术哲学、形而上学、政治哲学、自然哲学，尤其是历史哲学领域，都有贡献。代表著作有《史学原理》、《历史的观念》、《艺术原理》、《自然的观念》、《新利维坦》、《牛津英国史》、《哲学方法论》、《形而上学论》等。
目录信息
读后感
科林伍德的艺术观点曾经深刻地影响过建国前后的中国美学家，这本《艺术原理》放在今天看来，在思想性上也是足够分量的，不管观点过时了多少，就冲科林伍德的逻辑性也值得一读。其中有一套理论我做了两个导图，见最后的附图，这里先传几页我觉得比较有意思的内容： “科林伍德的...
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用户评价
说实话，我一开始是被这本书的封面设计所吸引，简约大气，充满了艺术气息。但当我翻开书页，被里面的内容深深地震撼了。这本书对我最大的启发在于它对“风格”的解读。作者没有将艺术风格简单地分类和定义，而是深入探讨了风格是如何形成的，以及它在历史长河中是如何演变的。他分析了社会背景、文化思潮、甚至艺术家个人的经历，如何共同塑造了一个独特的艺术风格。比如，书中对印象派的分析就非常精彩，它不仅讲了印象派画家如何打破学院派的陈规，去捕捉光影的瞬间变化，更重要的是，它阐述了印象派的兴起与当时社会生活的变迁、科学技术的发展（如摄影术的出现）之间的密切联系。读到这里，我才明白，艺术风格从来都不是孤立存在的，它总是与时代精神、社会现实紧密相连。这种宏观的视角让我对艺术史有了更全面的理解，也让我对不同艺术流派之间的关系有了更清晰的认识。我开始重新审视我曾经看过的那些作品，试图去寻找它们背后的时代印记和文化基因，这种探索过程本身就充满了乐趣。这本书让我意识到，理解艺术，不仅仅是欣赏它的美，更是去探究它之所以如此的原因，去感受它所承载的时代精神。
评分我必须说，这本书带给我的不仅仅是知识，更是一种对艺术的全新视角。我特别欣赏书中关于“材料与技法”的讨论。作者并没有把这部分写成枯燥的工艺说明，而是将其提升到了与艺术观念同样重要的地位。他详细介绍了不同绘画材料（如油画颜料、水彩、丙烯）的特性，以及它们如何影响最终的艺术效果。同时，也阐述了不同的绘画技法（如厚涂、罩染、点彩）是如何被艺术家用来表达不同的情感和意境的。比如，在讨论油画的厚涂技法时，作者会提到凡·高那充满生命力的笔触，以及它们如何赋予画面一种立体的质感和强烈的表现力。而在分析水彩画的透明感时，则会强调其轻盈、灵动的特质，以及如何通过水分的控制来达到意想不到的艺术效果。更让我惊叹的是，书中还触及了一些雕塑、版画等其他艺术形式的材料和技法，让我认识到，艺术的表现力不仅仅在于“画什么”，更在于“如何去画”，以及“用什么去画”。这种对艺术背后物质基础的关注，让我对艺术创作有了更全面的认识，也让我更加敬佩那些在材料和技法上不断探索和创新的艺术家们。
评分这本书的篇幅确实不小，拿到手里沉甸甸的，有一种厚实感，也预示着里面蕴含着不浅的学问。我最感兴趣的是其中关于构图和形式的那几个章节。作者没有直接给出“什么叫好构图”的答案，而是通过大量不同时期、不同风格的绘画、雕塑甚至建筑作品，引导读者去分析和感受。他花了相当大的篇幅去讲解黄金分割、三分法、对称与不对称、留白等经典构图原则，并且详细解释了这些原则在不同作品中的应用。例如，在分析一幅意大利文艺复兴时期的肖像画时，作者会指出人物在画面中的位置、眼神的朝向、背景的虚实处理是如何共同营造出一种和谐、稳定甚至庄严的氛围。而在讲解一幅印象派风景画时，则会强调画家如何利用打破常规的构图，以及光影的瞬息万变来捕捉瞬间的视觉感受。我发现，这些看似抽象的理论，其实在生活中随处可见。比如，我们在拍照时，如果不经意间遵循了这些原则，拍出来的照片往往就会更具美感。这本书让我对“美”有了更具象、更可操作的认识，不再是那种虚无缥缈的感觉，而是可以通过学习和实践去达成的目标。我甚至开始尝试着自己去画一些简单的素描，虽然技巧还很生疏，但至少在构图上，我能感觉到自己有了些许进步，不再是随意地将物体堆砌在一起。
评分这本书的文字风格非常独特，不像一般的学术著作那样枯燥乏味，反而充满了激情和洞察力。我尤其被书中关于“表现力”和“情感传达”的论述所吸引。作者认为，艺术的本质在于其能够触动人心，唤起情感共鸣。他通过大量的例子，展示了艺术家是如何运用各种手段来达到这一目的的。比如，在分析一幅描绘战争场景的油画时，作者会细致地剖析画家如何通过人物的面部表情、肢体动作、甚至是画面的色彩和光影对比，来营造出一种紧张、悲壮的氛围，让观者感同身受。他也探讨了抽象艺术是如何通过纯粹的形式和色彩来表达情感的，比如蒙德里安的几何抽象，看似简单，却蕴含着作者对秩序、和谐的追求。这本书让我对“感动”有了更深的理解，原来那些让我们潸然泪下的艺术作品，背后都凝聚着艺术家对情感的深刻洞察和精湛的表达技巧。我开始更加关注作品中那些能够触动我内心的细节，去体会艺术家想要传达的情感，这种阅读体验让我觉得非常充实和有意义。
评分《艺术原理》这本书，我断断续续也读了不少时日，它的厚度就像一本字典，内容之丰富，涉及面之广，让我每次翻开都能有新的发现。我特别喜欢其中关于色彩理论的那部分，它不仅仅是简单地罗列色相、明度、饱和度这些基本概念，更重要的是探讨了色彩在不同文化、不同时代背景下的象征意义和情感表达。比如，书中对东方艺术中红色和白色在中国传统文化中的寓意做了深入的剖析，让我对红灯笼、白孝布这些意象有了更深层次的理解。再者，它还从心理学的角度解释了为什么某些色彩组合会引起特定的情绪反应，像蓝色的宁静、黄色的活泼，甚至还有一些我们可能从未注意到的细微差别。读到这里，我开始反思自己平时的穿衣搭配，以及家里的软装布置，似乎都能找到一些理论上的依据，也开始尝试着用更系统、更有意识的方式去运用色彩，让生活变得更有艺术感。而且，书中还举了许多经典的艺术作品作为例子，比如梵高的《星空》中的那些旋转的笔触和大胆的色彩运用，让我对这幅画的理解不再停留在“好看”的层面，而是能够感受到画家内心强烈的渴望和挣扎。总而言之，这本书就像一位博学的老师，循循善诱地引导着我，让我从一个门外汉逐渐走向艺术的殿堂，开阔了我的视野，也激发了我对美的更多思考。
评分批判式思维+话唠式啰嗦
评分破得精彩，立得晦涩，科林伍德的艺术情感表现论现在仍很有意义。
评分？？？最后一编去哪了？
评分艺术品当中技巧上的夸张是为了还原情感上精确的逼真。
评分一学期课讲了大半本书
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