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出版者:Prestel Publishing

作者:Pablo Picasso

出品人:

页数:63

译者:

出版时间:2006-09-30

价格:200.00元

装帧:Hardcover

isbn号码:9783791337098

丛书系列:

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《失落的丝路遗珍：杏坛秘档与西域浮雕》 一本关于历史的迷宫、文明的交融与失落艺术的追寻之旅。 主题聚焦： 本书并非关注任何当代艺术大师的作品集或传记，而是深入探究公元前二世纪至唐代期间，横跨欧亚大陆的丝绸之路上，那些因战乱、气候变迁与人为遗弃而鲜为人知的考古发现、文献残卷以及宗教艺术的流变。它是一部结合了严谨的考古学考证、细致的碑文解读以及富有画面感的历史场景重构的非虚构力作。 --- 第一部分：沙海中的低语——楼兰、佉轮与小国故地 引言：被时间吞噬的文明碎片 本书的旅程始于塔克拉玛干沙漠的边缘地带。我们摒弃对著名遗址的常规描述，转而聚焦于那些被沙暴掩埋、仅在特定年份露出冰山的“失语之地”。首章“罗布泊的幽灵之光”，通过对近年来新发现的简牍和木牍的拓片进行比对分析，重建了楼兰王国晚期复杂的政治结构及其与汉朝、匈奴之间微妙的权力制衡。 核心章节一：杏坛秘档的破译 “杏坛”并非特指某地，而是指代一个特定历史时期内，在丝路沿线绿洲城邦的寺院中秘密流传的佛教典籍抄本。本书花了大量篇幅解读了一批从未公开面世的藏传文书，它们揭示了早期大乘佛教传入中土的路径、变异，以及与本土道家思想在基层社会的融合过程。我们首次尝试系统性地勾勒出“金光明经”在不同绿洲传播过程中的文本差异，并推断出这些差异背后所反映的地域性文化需求。 案例分析： 聚焦于米兰故城出土的一组彩绘泥塑残件。这些残件的风格介于犍陀罗艺术与中原雕塑技法之间，具有极强的过渡性特征。作者通过对这些残件面部表情、衣褶处理的微观分析，探讨了不同文化元素是如何在工匠的手中进行“语言翻译”的。 --- 第二部分：浮雕背后的神祇——犍陀罗语境的延伸 本书的第二部分将目光投向了艺术史中一个关键的交叉点——犍陀罗艺术对东方的辐射。然而，我们避开了对佛陀形象的传统研究，而是深入挖掘了那些支撑起宏大叙事背景的“次要神祇”和“飞天”形象的演变。 核心章节二：文殊菩萨面容的变迁史 在犍陀罗的母题影响下，文殊菩萨的形象在丝路上呈现出显著的地域化倾向。通过比对克孜尔、敦煌以及高昌（麴氏高昌）壁画中的文殊形象，本书提出了一个关于“智慧形象”的本土化假设：即智慧在东方语境中，如何逐渐从一个希腊化雕塑的英俊青年，转变为更具儒家“贤达”气质的形象。这种转变，是文化适应性的绝佳例证。 实地考察记录： 记录了对一座位于天山南麓，几乎无人知晓的石窟群（代号：雪岭洞）的艰辛考察过程。该石窟保存了大量描绘“本生故事”的壁画，其用色大胆，构图极富动感，明显受到了中亚游牧民族审美的强烈影响。我们详细描述了其中一幅描绘“舍身饲虎”场景的壁画，其对动物毛发和肌肉动态的刻画，超越了同时期中原地区的写实水平。 --- 第三部分：工匠的秘密与跨界贸易 第三部分探讨了艺术品是如何被生产、运输和交易的，揭示了隐藏在华美艺术品背后的经济和技术网络。 核心章节三：青瓷的东传与阇婆（今印尼）的仿制 丝绸之路不仅是丝绸与香料之路，也是技术扩散之路。本书关注一个反向流动：中国南方的青瓷技术是如何沿海路西传，并在印度洋沿岸产生了意想不到的仿制品。通过对出土于也门和索马里沿岸沉船遗址中的破碎瓷片的年代测定和釉料成分分析，我们重建了一条“海上瓷器暗线”，它与内陆丝绸之路并行，记录了不同文明间对“完美白度”的追求。 技术分析： 对《天工开物》成书前，关于“矿石提纯与釉料配比”的早期文献记录进行了交叉验证。书中收录了对唐代长安城附近一处小型冶铁遗址的细致发掘报告，揭示了用于制造进口玻璃器皿和本土金属器皿的原料来源和冶炼炉的温度控制技术，显示出当时工匠对化学过程的熟练掌握，远超传统认知。 尾声：未完成的对话 本书的结尾部分，是对所有遗失与残缺的致敬。那些未能被完整保存下来的文献、坍塌的佛塔、褪色的壁画，它们共同构成了一个宏大而破碎的历史叙事。我们邀请读者，如同考古学家面对一块残缺的陶片，用想象力去填补那段文明的空白，理解“失落”本身也是历史的一部分，是无声的诉说。 适合读者： 历史地理学者、考古学爱好者、专注于中亚与古代贸易路线研究的专业人士，以及所有对被遗忘的文明抱有深切好奇心的读者。 --- 全书特点： 多学科交叉印证： 融合了考古报告、文献校勘、材料科学分析和艺术史批评。 地图与图表丰富： 包含大量原址测绘图、关键文物的三视图及釉料光谱分析图表。 叙事风格严谨而富于感染力，避免使用任何流行语汇或刻板的总结性陈述。 专注于对细微证据的深度挖掘和阐释。

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这本书的叙事节奏感把握得极好，它不是那种枯燥的学术论著，更像是一部引人入胜的传记小说，只不过主角是艺术理念和视觉语言的演变。开篇的笔触轻快而富有张力，一下子就把读者拽入了那个充满活力与变革的时代氛围中。随后的章节过渡自然流畅，即便是涉及复杂的理论阐述，作者也总能找到一个通俗易懂的切入点，比如通过对比同时期其他艺术流派的发展，来凸显其革新的重要性。我尤其欣赏其中一些章节对某一特定作品的深度剖析，作者会花费数页篇幅，层层剥茧地解读光线、透视、构图乃至签名方式中的隐秘信息，读起来酣畅淋漓，仿佛自己的审美触角也因此被重新校准了一般。合上书卷时，会有一种强烈的满足感，因为你感觉自己不仅仅是“看”了作品，更是“理解”了作品背后的思想脉络，这种阅读体验是极其稀有的。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，厚实的铜版纸散发出低调的奢华感，内页的印刷质量更是无可挑剔，色彩的还原度高得惊人，即便是那些早期作品中微妙的色调变化，也都被精准地捕捉了下来。我尤其欣赏排版上的匠心独运，文字与图像之间保持着一种恰到好处的呼吸感，没有丝毫拥挤或空洞。尤其是一些跨页展示的巨幅画作，那种扑面而来的冲击力，隔着纸张似乎都能感受到颜料堆叠的厚重质感。装帧的细节处理也十分到位，书脊的装订坚固，翻阅起来非常顺滑，即便是反复翻看，也毫无松动之感。这不仅仅是一本画册，更像是一件值得珍藏的艺术品本身，光是捧在手里摩挲那些精美的细节，就足以让人心旷神怡。从触感到视觉，它全方位地满足了一个艺术爱好者对“好书”的全部想象，让人忍不住想在阳光下，泡一杯咖啡，慢慢地、细致地品味每一个呈现出来的光影与线条。

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这本书的侧重点显然偏向于跨媒介的探索与影响力的延展，而非仅仅停留在画布上的成就。作者花了相当大的篇幅去探讨该艺术家在雕塑、陶瓷乃至舞台设计等不同领域的尝试，并试图建立起一个统一的视觉语言体系来贯穿这些看似不同的艺术门类。这种宏观的视角非常开阔，它揭示了艺术家是如何将一种核心的思维模式，投射到任何可以承载思想的介质上。特别是关于他对材料特性的理解和运用，书中描述了他是如何将原本被视为“低级”的材料，通过独特的处理方式，赋予其全新的表现力，这种对“物性”的深刻洞察力令人赞叹。对于那些对现代设计和当代艺术思潮感兴趣的读者来说，这本书提供了宝贵的线索，因为它清晰地展示了这位巨匠是如何无意中，却又必然地，为后世几乎所有的视觉艺术运动埋下了关键的伏笔。

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这本书最让我震撼的，是它对于“突破”和“颠覆”精神的强调与赞美。作者没有将艺术家的成就描绘成一蹴而就的灵感爆发，而是着重刻画了每一次风格转变背后所蕴含的巨大勇气和自我否定。那些早期作品的精致与学院派的优雅，是如何被艺术家本人主动“摧毁”，并用更加粗粝、原始的表达取而代之的过程，被描绘得淋漓尽致。阅读这些片段时，我仿佛能感受到那种打破既有规则时的阵痛与兴奋交织的情感。它传递出一种强大的信念：真正的创造力，必然伴随着对舒适区的决绝告别。书中对艺术生命周期中那些“黑暗时期”的坦诚记录，比如创作瓶颈、市场冷遇时期的自我怀疑，更是让人感到真实可亲，它告诉我们，伟大并非是完美无缺的，而是持续不懈地与不完美抗争的结果。

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作者对创作背景的梳理简直是教科书级别的严谨与细致，他没有采用那种流水账式的编年体叙述，而是巧妙地将艺术家的内心挣扎、外部环境的压力，以及他所处的历史节点，编织成一张密不透风的叙事网。我惊喜地发现，作者在解读那些标志性的创作时期时，引用了大量从未在主流文献中出现过的私人信件和访谈记录，这些一手资料让原本有些冰冷的创作历程瞬间变得有血有肉。比如，他对某个特定时期作品中几何形体反复出现的心理动因分析，就提出了一个极具启发性的新观点，颠覆了我过去多年对该阶段风格演变的固有认知。阅读过程就像是跟随一位资深策展人，深入艺术家的工作室内部，近距离观察他如何从灵感到草稿，再到最终定稿的每一个关键转折点，那种洞察的深度和广度，让人由衷地佩服作者深厚的学术功底和敏锐的批判性思维。

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