中国绘画史

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出版者:中华书局
作者:内藤湖南
出品人:
页数:228
译者:栾殿武
出版时间:2008-7
价格:20.00元
装帧:平装
isbn号码:9787101060683
丛书系列:日本中国学文萃
图书标签:
  • 艺术史
  • 内藤湖南
  • 绘画
  • 艺术
  • 海外中国研究
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具体描述

《中国绘画史》是日本中国学著名学者内藤湖南先生关于中国绘画史的论述集成,译自《内藤湖南全集》第十三卷(筑摩书房,1973年),其中《中国绘画史讲座》部分涉及汉至明前期的绘画,是他在京都帝国大学讲演的笔记,其他散论包括元末四大家、清朝绘画史等方面内容。

《丝路驼铃:汉唐古道上的艺术交融》 内容简介 《丝路驼铃:汉唐古道上的艺术交融》并非一部传统的艺术史著作,它将目光聚焦于一条人类文明交流的宏大动脉——古代丝绸之路,尤其侧重于汉代至唐代这一中西方文明碰撞最为剧烈的黄金时期。本书旨在通过对这条商贸、文化、宗教通道上留存的艺术遗存进行细致入微的考察与解读,揭示艺术形式如何在跨文化的语境下发生吸收、变异与创新的复杂过程。 本书结构严谨,内容涵盖了地理、考古学、艺术史学、宗教学等多个维度,旨在为读者构建一个多维立体的“丝路艺术生态圈”。全书分为六大部分,层层递进,深入剖析了丝绸之路对中国艺术,尤其是绘画、雕塑和装饰艺术产生的深远影响。 --- 第一部分:文明的序曲——丝路沿线的地理与早期文化互动 本部分首先描绘了汉唐时期丝绸之路的地理格局及其战略意义。我们深入探讨了河西走廊、葱岭走廊等关键节点的自然环境,以及这些环境如何塑造了早期商贸活动的模式。重点关注张骞凿空西域前后,中原王朝与西域诸国的初步接触,以及早期艺术交流的萌芽。 早期艺术遗存的线索: 分析居延汉简、马王堆汉墓等出土文物中可见的早期西域影响的痕迹,如服饰纹样、色彩运用上的细微变化。 游牧民族艺术的影响: 考察匈奴、鲜卑等游牧民族的动物纹饰(如“抓捕纹”、“对望纹”)如何通过游牧网络渗透至中原腹地,为后世的唐代艺术风格奠定了粗犷有力的基调。 --- 第二部分:犍陀罗的辉光与佛像的东传 佛教艺术是丝绸之路上最具标志性的文化输出之一。本部分将集中笔墨于犍陀罗艺术的兴盛及其对中国佛教造像艺术的决定性影响。 犍陀罗艺术的特征解构: 详细分析了古希腊罗马雕塑传统在犍陀罗地区如何与印度本土宗教符号相结合,形成具有西方美学特征的佛陀形象——高鼻深目、褒衣博带的“希腊化佛像”。 艺术的本土化进程: 考察佛像从犍陀罗传入中原,经由敦煌、云冈、龙门等地的演变过程。重点对比云冈早期受犍陀罗风格影响的“高鼻大耳”佛像,如何逐渐向中原化的“秀骨清像”风格过渡,直至北魏晚期完全融入本土审美体系。 壁画中的叙事革命: 探讨佛教故事画(本生故事、佛传故事)在丝路上的传播,分析其对中国绘画“叙事性”与“空间处理”带来的冲击与革新。 --- 第三部分:西域色彩与中原笔法——唐代绘画的融合实验 唐代是中国封建社会的鼎盛时期,艺术风格兼容并蓄,展现出空前的开放性。本部分是全书的核心,集中探讨了西域艺术元素如何被唐代宫廷和民间画家吸收并转化为具有时代特征的绘画语言。 胡风盛行的表征: 详尽分析唐代墓室壁画中对胡旋舞、乐舞伎、异域珍宝的描绘,这些题材本身就是文化交流的直接证据。 色彩学的跨界研究: 对比唐代绘画中使用的矿物颜料(如青金石、群青)的来源,并分析西域艺术中偏爱的高饱和度色彩,如何影响了唐代画家对明暗关系和视觉冲击力的把握。 线条的解放: 探讨吴道子及其弟子们如何突破传统勾勒填色的束缚,吸收西域健硕的人物造型和动态感,发展出“吴带当风”的遒劲线条,这被认为是中原笔法吸收外来元素后质变的结果。 --- 第四部分:装饰艺术的密码——纹饰与图案的流变 丝绸之路不仅是人物和思想的通道,更是无数精美图案和纹饰的载体。本部分将通过对纺织品、金银器、陶瓷器上的装饰图案进行比较研究,揭示艺术符号的“基因突变”。 卷草纹与联珠纹的帝国符号: 追溯源于波斯萨珊王朝的联珠纹(内有人物或动物被圆环环绕的图案)在中国唐代金银器和宝相花纹样中的广泛应用,解析其从异域神圣符号到世俗装饰母题的转变。 纹样的“去语境化”: 分析莲花纹、忍冬纹等在佛教语境下被赋予的特定含义,如何在传入中原后,逐渐被简化、程式化,最终成为纯粹的审美元素。 陶瓷彩绘的技法交流: 考察唐三彩中的釉色配方和造型特点,以及后来传入中亚后又回流的工艺对宋元时期绘画和制瓷技术的影响。 --- 第五部分:文人情怀的构建与西域的想象 与官方和宗教艺术的直接影响不同,本部分关注西域题材如何被卷入中国文人的精神世界,成为一种审美和哲学的参照系。 异域的风景与情思: 考察晚唐五代文人笔下对西域的“遥远想象”,如对“大漠孤烟”、“胡商远去”的描绘,这不仅是地理的记录,更是对广阔世界和人生哲思的投射。 “画中游”的文化心理: 分析丝路贸易带来的异域文化冲击,是如何刺激了中国本土艺术对空间、距离和时间感的重新思考,促进了山水画中“可行、可望、可游、可居”的理想化世界的构建。 --- 第六部分:艺术遗产的活态传承 最后一部分总结了丝绸之路艺术交融的历史意义,并探讨了这些艺术成就如何在后世得以继承和发展。本书认为,丝路艺术的价值不在于简单的“输入”与“输出”,而在于它展现了一种强大的“转化力”——即中国艺术如何以开放的心态消化外来元素,并最终将其内化,形成更具生命力的中华文明符号。 本书旨在提供一个全新的视角,将《中国绘画史》中那些相对孤立的风格流变,置于一个广阔的、充满动态交流的全球化背景下进行考察,强调艺术史并非一条单向的河流,而是多股水流交汇融合的浩瀚海洋。通过对具体遗存的深入分析,读者将能更真切地感受到汉唐盛世下,艺术与文明之间那无声却磅礴的对话。

作者简介

内藤湖南(1866—1934),本名虎次郎,字炳卿,出生于秋田县鹿角市毛马内的一个土族家庭,自幼受汉学熏陶。湖南这个号来自他家乡北面的十和田湖。早年投身报界,任《大阪朝日新闻》等报记者。后入聘京都帝国大学,讲授中国历史,任东洋史学第一讲座教授。1934年病逝于京都。其著作、讲演录、书信等汇辑成《内藤湖南全集》十四卷。

目录信息

读后感

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正在比较着看两本书,不知道为什么那么多人会选内藤湖南的《中国绘画史》。在他的书里,内藤对于中国绘画的主要描述和真正有价值的研究,开始于唐代绘画,也就是本人所理解的对日本浮世绘有着重要影响的唐代画家,如阎立本的介绍。 可是,内藤大人对中国绘画的上古史,一笔带...

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书本身非常好,内藤湖南角度非常好,有介绍有阐发,非常精彩的是把中国画对日本画的影响在每一个时期都有精妙的点评。就是太精简了有点不大够呢~~ 本来应该是四星的 给到三星一方面对不起内藤湖南一方面尼玛对编辑和译者太便宜了。 如果按照编译质量的话两颗星都算是给面子啊亲...  

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书本身非常好,内藤湖南角度非常好,有介绍有阐发,非常精彩的是把中国画对日本画的影响在每一个时期都有精妙的点评。就是太精简了有点不大够呢~~ 本来应该是四星的 给到三星一方面对不起内藤湖南一方面尼玛对编辑和译者太便宜了。 如果按照编译质量的话两颗星都算是给面子啊亲...  

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书本身非常好,内藤湖南角度非常好,有介绍有阐发,非常精彩的是把中国画对日本画的影响在每一个时期都有精妙的点评。就是太精简了有点不大够呢~~ 本来应该是四星的 给到三星一方面对不起内藤湖南一方面尼玛对编辑和译者太便宜了。 如果按照编译质量的话两颗星都算是给面子啊亲...  

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读完内藤湖南先生的这本薄薄的《中国绘画史》,个人感觉还是有值得汲取的养分的,并不如有些评论评价的那么糟。最主要的问题可能在于本书毕竟是一位海外学者的一部日本中国学著作,因而角度与本国学者所著的中国绘画史有所不同。具体而言,内藤湖南在书中对于各位画家的介绍与...  

用户评价

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我一直认为,阅读一本好书,不仅仅是获取知识,更是一种情感的共鸣和精神的启迪。《中国绘画史》这本书,毫无疑问做到了这一点。它以一种非常人性化的方式,将中国绘画的千年变迁娓娓道来。我会被那些画面中的情感所打动,也会为那些艺术家的传奇经历所感染。例如,在讲述明代吴门画派时,书中对沈周、文徵明、唐寅、仇英这四位大家的作品进行了深入的剖析。我看到了沈周的“粗服乱头,不事华饰”,却能画出“山容水态,尽得天真”;也看到了文徵明的“以书入画,以文养画”,将文人的雅趣融入笔端;还有唐寅的“放浪形骸,狂放不羁”,却能在画作中展现出细腻的情感和高超的技巧;以及仇英的“摹古兼创新”,将各种绘画风格融会贯通。这些人物的生平和艺术创作,让我看到了中国文人阶层在绘画中的独特价值和精神追求。他们用画笔抒发胸臆,寄托情怀,也为后世留下了宝贵的艺术财富。这本书让我不仅仅是欣赏画作的视觉美,更是去感受画作背后的生命力,去理解那些艺术家们是如何在时代的洪流中,用自己的画笔留下深刻的印记。这种共鸣感,让我觉得这本书不仅是知识的载体,更是精神的慰藉。

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我必须承认,《中国绘画史》这本书,它不仅仅是一本关于绘画的书,更是一本关于中国文化和民族精神的书。作者在梳理绘画史的同时,也巧妙地穿插了对各个时代社会风俗、思想文化、哲学观念的介绍,让我能够在一个更广阔的视野下理解中国绘画的演变。我尤其对书中关于明清时期“扬州画派”的章节印象深刻。作者介绍了“扬州画派”的兴起,以及他们如何打破传统,追求创新,以“怪”为宗,以“俗”为乐。那些充满野逸之气、奇崛怪诞的作品,如金农的“漆书”,郑燮的“兰竹”,让我看到了中国绘画在那个时代,是如何向更加自由、更加个性的方向发展。这本书让我明白,中国绘画的发展从来不是一条直线,而是一个充满曲折和创新的过程。它既有对传统的继承,也有对创新的追求。作者的叙述让我看到了中国绘画的生命力,以及它在不同历史时期所展现出的不同风貌。这本书让我对中国绘画的理解,从简单的欣赏,上升到了对文化和精神的深刻洞察。

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《中国绘画史》这本书,让我第一次真正理解了“意境”这个词在中国绘画中的重要性。在读这本书之前,我总觉得中国画就是一些山水、花鸟、人物,没有西方绘画那么具象和写实。但这本书让我明白,中国绘画的魅力恰恰在于它的“写意”和“留白”。作者在讲解宋代山水画时,着重强调了“诗中有画,画中有诗”的理念。他分析了马远的“边角山水”和夏圭的“残山剩水”,是如何通过简约的构图和恰到好处的留白,来营造出悠远空灵的意境,让观者能够根据自己的想象去填补画面的空白,从而获得更深层次的艺术体验。我特别喜欢书中对“留白”的解读,作者认为,留白不仅仅是画面上的空白,更是思想上的空白,是观者与作品之间对话的空间。这种“虚实相生”的艺术哲学,让我对中国绘画的审美取向有了全新的认识。读完这本书,我再看那些古代的山水画,就不再仅仅是看那些山峦、树木、流水,而是去感受其中蕴含的宁静、悠远、以及画家想要传达的那种“天人合一”的哲学思想。这本书让我对中国绘画的理解,从“看”提升到了“悟”。

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《中国绘画史》这本书,让我对中国绘画的“笔墨”二字有了全新的理解。我一直以为笔墨只是绘画的工具,但这本书让我明白,笔墨本身就蕴含着丰富的表现力和艺术价值。作者在介绍中国画的技法时,详细讲解了“用笔”和“用墨”的不同讲究,比如“十八描”的变化,以及“焦、浓、淡、干、湿”五种墨色的运用,如何在画面中营造出不同的质感和层次。我特别喜欢书中对元代黄公望《富春山居图》的讲解,作者详细分析了黄公望是如何运用“披麻皴”和“点苔”来表现山峦的层叠和植被的茂密,以及他如何通过“干笔皴擦”来表现出山石的苍润和古朴。读到这里,我才明白,原来中国画的笔墨不仅仅是线条的勾勒,更是情感的流淌,是艺术家通过对笔墨的掌控,将自己的思想和情感注入到画作之中。这种对笔墨的极致追求,也体现了中国古代艺术家对“道”的探求,他们不仅仅是在画画,更是在通过画画来体悟人生,感悟天地。这本书让我对中国绘画的技法和哲学有了更深的理解,也让我对那些古老的笔墨产生了由衷的敬意。

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《中国绘画史》这本书,我拿到的时候,还真被它厚实的封面和沉甸甸的重量给镇住了。翻开第一页,就被那古朴的装帧和考究的纸张给吸引了。我一直对中国传统文化有着浓厚的兴趣,尤其是绘画,总觉得那笔墨之间蕴藏着无尽的东方韵味和哲学思考。这本书不仅仅是一本简单的图册,它更像是一条蜿蜒的历史长河,带领我穿越了数千年的时光,去感受不同朝代、不同流派绘画艺术的演变与发展。从早期壁画的粗犷有力,到汉唐时期仕女画的丰腴华丽,再到宋代山水画的精妙绝伦,以及明清文人画的写意抒情,每一个时期都仿佛被作者赋予了生命,鲜活地呈现在我眼前。我尤其沉醉于书中对每一幅重要画作的详细解读,不仅仅是描绘了画面的内容,更深入地剖析了其创作背景、艺术手法、作者心境,甚至是当时的社会思潮和审美趣味。这些解读让我不再仅仅是“看”画,而是真正地“懂”画,体会到其中蕴含的文化密码和情感寄托。比如,在读到关于《洛神赋图》的章节时,我仿佛看到了曹植笔下那位飘渺的洛神,也看到了画家顾恺之如何用细腻的笔触将那份亦真亦幻的情感 rendered 出来,那种“得其神而忘其形”的境界,让我对“意境”有了更深刻的理解。这本书为我打开了一扇通往中国绘画艺术宝库的大门,让我看到了这门艺术背后那深厚的历史积淀和文化底蕴,也让我对中华民族的艺术创造力有了更为直观和深刻的认识。读完这本书,我感觉自己对中国古代艺术的认知层次有了质的飞跃,这是一种难以言喻的满足感和对知识的渴望。

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说实话,一开始我对《中国绘画史》这本书并没有抱有太大的期待,我以为它会是一本很学术、很枯燥的书。但当我真正开始阅读后,我发现自己完全错了。这本书给我带来的惊喜是持续不断的。作者以一种非常巧妙的方式,将中国绘画的发展历程融入了广阔的历史和社会背景之中。他不仅仅是在介绍画作本身,更是在讲述画作背后的故事。比如,在讲述唐代绘画时,作者深入分析了唐朝开放包容的社会文化,以及佛教的传入对绘画艺术产生的巨大影响。他详细介绍了佛教壁画的特点,以及如何通过这些壁画来传播宗教教义和体现当时的审美风尚。我特别喜欢书中对敦煌壁画的介绍,那些色彩斑斓、线条流畅的菩萨、飞天,无不展现着盛唐时期辉煌的艺术成就。作者还强调了不同地域的绘画风格差异,比如南方和北方的山水画,都有其独特的表现方式和地域特色。这种宏观的视角和细致的分析,让我对中国绘画的认识不再局限于几个大家或者几个流派,而是能够看到它作为一个整体,是如何在不同的时代、不同的地域、不同的社会背景下,不断发展演变的。这本书让我意识到,艺术从来都不是孤立存在的,它与历史、文化、社会、甚至政治都紧密相连。这本书为我提供了一个理解中国绘画的全新视角,让我看到了这门艺术的生命力。

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《中国绘画史》这本书,我必须说,它的视觉呈现效果绝对是一流的。我经常把它放在茶几上,随手翻阅。每一页的印刷质量都非常出色,色彩还原度极高,即使是那些年代久远的画作,也能够清晰地展现出其原作的细节和韵味。书中收录的画作数量众多,而且都是中国绘画史上的经典之作,从史前时期的岩画,到各个朝代的卷轴、壁画、册页,应有尽有。每次翻到新的篇章,我都能被那些精美的图像所吸引,仿佛置身于一个流动的艺术画廊。更重要的是,这本书不仅仅是简单地罗列画作,它还为每一幅画作提供了详实的背景介绍和艺术分析。作者的文字功底非常深厚,他能够用简洁而优美的语言,将抽象的艺术理论和复杂的历史背景解释得通俗易懂。例如,在讲述元代书画时,书中对“文人画”的阐述让我印象深刻。作者详细分析了元代文人阶层在绘画领域所扮演的角色,以及他们如何通过绘画来表达个人情怀、寄托人生志向。他对赵孟頫、黄公望等大家的作品进行解读,让我看到了中国画在宋代以后,如何从宫廷的御用艺术,逐渐转向了更注重个人表达的文人艺术。这种转变不仅是艺术风格上的,更是思想观念上的,对后世的中国绘画产生了深远的影响。这本书让我领略到了中国绘画的博大精深,也让我对中国古代艺术家的创造力和艺术追求有了更深的敬意。

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我得承认,最初购买《中国绘画史》这本书,纯粹是出于一种“扫盲”的心理。总觉得作为一个热爱中国传统文化的人,对绘画史总该有所了解,但又一直提不起精神去系统学习。这本书的存在,就像一位耐心的引路人,用一种非常平易近人的方式,将那些原本枯燥的绘画史知识变得生动有趣。它没有故弄玄虚的学术腔调,也没有晦涩难懂的专业术语,更多的是用一种娓娓道来的语气,讲述着中国绘画是如何一步步发展到今天的。我特别喜欢书中对不同绘画技法的介绍,比如“皴法”的运用,作者就用图文并茂的方式,解释了各种皴法(如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等)是如何模仿自然山石的纹理,又是如何通过这些笔法来表达不同的山水意境。读到这里,我才明白,原来中国山水画不仅仅是画景,更是画家通过对自然细致入微的观察和对笔墨技巧的精湛运用,来传达自己对自然的理解和情感。书中的例子也都很贴切,比如在讲解宋代山水画的“全景山水”时,就详细分析了范宽的《溪山行旅图》和郭熙的《早春图》,让我看到了巨碑式山水所展现出的宏伟气势和宁静致远。而且,这本书的编排也很合理,按照时间顺序梳理了中国绘画的发展脉络,让我能够清晰地看到各个时期绘画风格的演变和相互影响。我发现,中国绘画史不是一段一段独立的片段,而是像血脉一样,一脉相承,又不断创新。这本书让我对中国绘画有了更系统、更深入的认识,也让我对那些古老的画作有了新的解读角度。

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《中国绘画史》这本书,我最欣赏的是它在细节上的严谨和在叙述上的流畅。作者在介绍每一位画家、每一幅画作时,都力求准确,引用了大量的史料和学术研究成果,但又没有让这些显得过于沉重。我能感受到作者在“学”与“术”之间的游刃有余。我尤其喜欢书中所选取的插图,不仅仅是那些家喻户晓的名作,还有一些相对冷门但同样精彩的作品,这些都极大地丰富了我对中国绘画的认知。当我读到关于五代和宋初山水画的章节时,作者细致地分析了荆浩、关仝、董源、巨然等大师的作品,以及他们是如何从唐代粗犷的山水画转向更注重“写实”和“意境”的。他详细讲解了“米点山水”的特点,以及米芾父子如何通过“点”的运用,来表现烟雨迷蒙的山景,那种朦胧的美感,至今仍让我回味无穷。而且,书中还穿插了一些对绘画材料和工具的介绍,比如不同宣纸的性能,不同毛笔的特点,以及颜料的制作过程等等。这些虽然是旁枝末节,但却让我对古代画家的创作过程有了更直观的了解,也更能体会到他们对艺术的执着和精益求精。这本书让我感受到了中国绘画背后那种严谨的工匠精神和深厚的文化底蕴。

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不得不说,《中国绘画史》这本书的选题和结构都非常用心。它并没有简单地按照朝代顺序来划分,而是将一些具有代表性的画派和艺术现象单独拿出来进行深入剖析,这样使得叙述更加清晰,逻辑也更加严谨。我尤其赞赏书中对“文人画”的独立章节,作者从其起源、发展、特点、以及对后世的影响等方面进行了全方位的阐述。我了解到,文人画不仅仅是一种绘画风格,更是一种生活态度和精神追求。它强调笔墨的趣味,注重意境的表达,追求个性化的抒发,这与宫廷绘画和民间绘画有着明显的区别。书中对明清时期文人画的代表人物,如董其初、倪瓒、八大山人、石涛等人的作品进行细致的解读,让我看到了他们是如何在颠沛流离的生活中,依然保持着艺术的独立性和创造力。尤其是读到八大山人的作品时,那些“白眼向人”的鱼鸟,那种“哭笑不得”的荷花,我感受到了他内心深处的孤独、悲愤和对现实的抗议。这本书让我对中国绘画的理解,从宏观的演变,深入到了微观的个体内在情感表达。

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以时间为主线,讲述了中国由汉至清的绘画发展过程,脉络清晰。部分人名翻译相对小众(比如关同)。由于历朝历代出现的名家名作名论述数量庞大,一时间难以消化。

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语言平实,没有期望中好看~其实俺也不知道,美术史写成什么样子才能动人心魄,但是俺似乎知道了,写成什么样子会很没劲。。。

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比课本有趣一点 不可深究

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以时间为主线,讲述了中国由汉至清的绘画发展过程,脉络清晰。部分人名翻译相对小众(比如关同)。由于历朝历代出现的名家名作名论述数量庞大,一时间难以消化。

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流水账似的史的记录,唯一的特点就是能了解到哪些人的哪些绘画流传到了日本。

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