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出版者:

作者:顾丞峰

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:2008-10

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787301142998

丛书系列:

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• 艺术理论
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《世界建筑史：从古代到现代的风格演变与文化内涵》 第一部分：建筑的起源与古代文明的辉煌 本书旨在系统梳理世界建筑艺术自史前萌芽至古典时代的漫长演进历程，深入剖析不同地理环境与社会结构催生出的独特建筑语言。我们将追溯人类早期居住形态的演变，从简陋的穴居、茅草屋，到聚落的形成，揭示建筑如何从单纯的遮风避雨演化为表达信仰与权力的方式。 史前与早期文明的奠基： 重点考察美索不达米亚的泥砖建筑及其对神庙（如巴比伦的“空中花园”构想）和宫殿体系的塑造。随后，我们将聚焦于尼罗河谷的古埃及，探究其巨石工程的奥秘。《世界建筑史》将详细阐述金字塔的结构力学、神庙的轴线布局，以及象形文字在建筑立面上的宗教象征意义，分析诸如卡纳克神庙等巨型建筑群如何体现古埃及人对永恒的追求。 古典时代的巅峰对决：古希腊与古罗马 本章是全书的重点之一。古希腊建筑，以雅典卫城为核心，我们将深入分析多立克、爱奥尼和科林斯三种柱式的严格规范与审美哲学，探讨帕特农神庙如何体现“黄金分割”的和谐原则，以及希腊剧场对声学原理的精妙运用。我们不仅关注建筑的形制，更着重解析其背后蕴含的民主精神与人文主义思潮。 紧接着，我们将转向古罗马，这一时期标志着建筑技术和工程学的飞跃。《世界建筑史》将详细解析罗马人对拱券、穹顶和混凝土（Opus Caementicium）的革命性应用。从万神殿（Pantheon）的完美穹顶结构，到宏伟的公共浴场（如卡拉卡拉浴场）、引水渠（Aqueducts）和斗兽场（Colosseum），本书将展示罗马工程如何服务于帝国的管理与扩张。我们还会探讨庞贝古城遗址中私人住宅的布局，揭示古罗马城市规划的成熟体系。 第二部分：中世纪的信仰与技术的交织 中世纪的建筑艺术，是欧洲在宗教主导下，从古典遗产中汲取养分并发展出全新精神图腾的阶段。 拜占庭的辉煌遗产： 我们将从君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）开始，研究其突破性的巨大中央穹顶技术，以及如何通过半穹顶和拱券系统来支撑，形成光线流动、空间变幻的室内效果。拜占庭建筑色彩斑斓的马赛克装饰，被视为“神圣光芒”的物质体现，这一点将在本书中有专门的论述。 西欧的演变：从早期基督教到哥特式革命： 罗曼式建筑（Romanesque）以其厚重的墙体、半圆形拱券和相对封闭的内部空间，体现了中世纪早期的防御性和宗教的沉静感。本书将分析欧洲各地修道院（如克吕尼修道院）的典型布局。 随后，我们将迎来中世纪建筑的高潮——哥特式建筑（Gothic Architecture）。这不仅仅是技术的进步，更是精神层面的升华。《世界建筑史》将详细拆解“飞扶壁”（Flying Buttresses）、尖拱（Pointed Arch）和肋拱（Rib Vaults）这三大核心元素如何协同作用，使得教堂得以拔地而起，墙体得以被巨大的彩色玻璃取代。我们将以法国的沙特尔大教堂和巴黎圣母院为例，分析其光线哲学——如何用“天光”来诠释神圣性，以及尖塔和飞饰（Tracery）所蕴含的对天堂的渴望。 第三部分：文艺复兴的理性回归与巴洛克的激情张力 文艺复兴标志着欧洲建筑思想重新转向古希腊罗马的比例与秩序，强调人文主义和精确的几何学。 文艺复兴的复兴与规范： 布鲁内莱斯基在佛罗伦萨大教堂穹顶上的创新，被视为文艺复兴建筑的开端。本书将重点分析阿尔贝蒂和帕拉第奥等理论家，他们如何通过研究维特鲁威的著作，制定出古典建筑的新规范。帕拉第奥的“四柱神庙”立面被后世广泛模仿，《世界建筑史》会追踪这一模式如何在英国和美国形成独立的“帕拉第奥风格”。 巴洛克与洛可可的戏剧性： 17世纪，建筑从文艺复兴的克制走向了强烈的动态和情感表达。巴洛克建筑，以罗马的圣卡洛·阿·列特教堂（San Carlo alle Quattro Fontane）为代表，强调椭圆形平面、曲面墙体以及强烈的明暗对比。本书将分析贝尼尼和博罗米尼如何运用雕塑般的体量来营造宗教叙事感。洛可可风格则作为巴洛克的轻快延续，着重于内部装饰的精致、不对称和对自然形态的模仿。 第四部分：工业革命的冲击与现代主义的诞生 19世纪的工业革命为建筑带来了新材料（铸铁、钢、玻璃）和新需求（工厂、火车站、摩天大楼），促使建筑美学与功能性产生剧烈碰撞。 折衷主义与新古典主义的回潮： 在对工业化景观的反应中，19世纪出现了对历史风格的复古与混合，即折衷主义。我们将考察如何将哥特元素应用于政府建筑（如伦敦的议会大厦），以及对古典对称性的回归。 现代主义的觉醒与宣言： 20世纪初，建筑师们决意彻底摆脱历史的束缚，寻求一种“为新时代而设计”的纯粹形式。《世界建筑史》将详述现代主义的几大流派及其核心思想： 1. 包豪斯（Bauhaus）：格罗皮乌斯和密斯·凡德罗提倡的“功能决定形式”，对工业化生产和材料的诚实表达。 2. 国际风格：密斯的名言“少即是多”（Less is More），强调玻璃幕墙、清晰的体块划分和对装饰的彻底摒弃。 3. 勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”：底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗和屋顶花园，这些原则如何改变了城市居住形态。 本书将通过对这些里程碑式建筑的深入解读，展示建筑艺术如何从手工艺品转变为社会工程的一部分，并深刻影响了我们今日所见的城市面貌。本书不涉及当代后现代主义及解构主义的最新思潮，聚焦于自古至今的宏大叙事与结构发展脉络。

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作为一名对艺术抱有浓厚兴趣但知识储备有限的爱好者，我一直在寻找一本能够系统性地解答我对西方艺术疑问的书籍。在众多的选择中，《西方美术理论教程》无疑是我近期最满意的一次购书体验。这本书的内容组织非常合理，它并没有简单地罗列艺术家的名字和作品，而是深入浅出地剖析了支撑这些艺术作品产生的理论基础。我印象最深刻的是关于“模仿”理论的讨论，书中详细介绍了从柏拉图到亚里士多德，再到后世对模仿概念的演变，以及这如何影响了不同时期艺术家在创作上的取向。同时，书中对于“形式”、“风格”、“表现”等核心概念的阐释也极具启发性，让我能够理解为何不同时期的艺术作品会呈现出截然不同的面貌。这本书的学术深度毋庸置疑，但它并非枯燥乏味的理论堆砌。作者巧妙地将理论融入到对具体艺术作品的解读之中，使得抽象的概念变得生动具体，易于理解和消化。每一次翻阅，都能从中获得新的启发和感悟，让我对西方艺术的理解上升到了一个新的高度。

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对于我这个刚刚开始接触西方艺术史领域的研究生来说，一本高质量的入门教材至关重要。而《西方美术理论教程》恰恰满足了我的一切期待。它不仅仅是一本讲解艺术史的著作，更是一本教会我如何“读懂”艺术的指南。书中对西方美术理论发展历程的梳理，从古典时期到现代，脉络清晰，逻辑严谨。我尤其欣赏书中对不同理论思潮的详细阐述，比如启蒙运动时期的理性主义，浪漫主义的感性表达，以及后来现代主义对传统的反叛等等，这些理论的演变过程，直接影响了艺术家的创作理念和审美趣味。这本书的优点在于，它能够帮助读者建立起一个完整的理论框架，而不是零散的知识点。通过这本书，我学会了辨析不同艺术风格背后的哲学思想，理解艺术家在创作中所面临的挑战和选择。书中对于一些关键概念的界定和分析，为我的学术研究打下了坚实的基础。而且，书中引用的案例和分析都非常到位，能够有效地印证理论的观点，让我能够更好地理解理论与实践之间的联系。

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这本书我拿到手的时候，就被它沉甸甸的分量和精美的封面设计吸引了。翻开第一页，就被里面丰富的内容震撼到了。我一直对西方艺术史充满了好奇，尤其是那些流传千古的艺术作品，总是在我脑海中留下深刻的印象，但对于它们背后的理论和思想，我总是不得而知。这本书就像一位博学的导游，带着我一步步深入探索。从古希腊雕塑的理想主义，到文艺复兴时期对人性的赞美，再到巴洛克艺术的戏剧性张力，每一个章节都详尽地梳理了不同时期艺术发展的脉络和代表性的艺术流派。书中不仅有文字的讲解，更配以大量的精美插图，将那些只能在博物馆或画册中见到的作品，栩栩如生地呈现在我眼前。每一次阅读，都仿佛置身于历史的长河中，与那些伟大的艺术家们进行跨越时空的对话。这本书的语言风格也十分吸引人，既有学术的严谨，又不失通俗易懂的表达，让我这个非专业读者也能轻松地理解那些复杂的艺术理论。我特别喜欢书中对不同理论流派的比较和分析，这让我对西方艺术理论的发展有了更清晰的认识，也学会了如何从更深层次的角度去欣赏艺术作品。

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说实话，一开始我购买这本书，是抱着一种“姑且一试”的心态，因为我对西方艺术的了解仅限于一些零散的作品和名字。但翻开之后，我才意识到自己是多么的幸运。这本书以一种非常亲切和引人入胜的方式，将复杂的西方美术理论展现在我的面前。它仿佛是一位循循善诱的老师，耐心地引导着我一步步走进艺术的殿堂。从古希腊的“和谐与比例”，到中世纪的“神性之光”，再到文艺复兴的“人文主义”觉醒，以及近现代的“形式主义”、“表现主义”等思潮，书中对每一个时期的主要理论观点都进行了清晰的梳理和生动的解读。我特别喜欢书中对一些抽象概念的形象化解释，例如，它用生动的语言描述了“崇高感”是如何通过宏伟的景象和对自然的敬畏来体现的。这种叙述方式，让我在轻松愉悦的阅读体验中，不知不觉地掌握了大量宝贵的艺术理论知识。这本书的叙述语言流畅自然，没有丝毫的生硬和枯燥，让人读来欲罢不能，仿佛置身于一场精彩的艺术盛宴之中。

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我一直认为，要真正欣赏一件艺术品，不能仅仅停留在“好看”或者“不好看”的层面，更需要理解其背后的文化语境和思想内涵。这本书给了我这样的视角。《西方美术理论教程》如同一扇窗户，让我得以窥见西方艺术背后那丰富而复杂的思想世界。它并没有提供一个简单的“照搬”公式，而是引导读者去思考，去探索。书中对美学理论、艺术哲学以及不同时代社会思潮如何渗透进艺术创作的论述，让我豁然开朗。我曾对某些风格的艺术作品感到困惑，比如印象派为什么会对光影如此痴迷，或者立体派为何要打破传统的透视法。通过阅读本书，我找到了答案。它解释了艺术家们是如何在时代变革中寻求新的表达方式，如何在挑战传统中创造出具有划时代意义的作品。这本书的价值在于，它教我如何用批判性的眼光去审视艺术，如何去理解艺术家创作的动机和意图。读完这本书，我不再只是被动地接受艺术，而是开始主动地与艺术进行交流和对话。

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作为对各家理论的梳理来看还是可以的，一本书也不可能写得多么详细。但是拼凑痕迹比较明显。

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把要点一二三四列出来的书虽是粗浅毕竟是应试好教材。

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呵！很笼统的感觉

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把要点一二三四列出来的书虽是粗浅毕竟是应试好教材。

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