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出版者:

作者:俞为民

出品人:

页数:293

译者:

出版时间:2009-1

价格:34.00元

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isbn号码:9787305056543

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繁花似锦的东方舞台：世界经典剧目鉴赏与戏剧理论前沿 图书简介 本书旨在为广大戏剧爱好者、舞台艺术从业者以及对世界文化思潮感兴趣的读者，提供一部全面、深入且富有洞察力的戏剧艺术导览。我们聚焦于世界范围内的经典剧作、不同文化体系下的戏剧传统，以及当代戏剧理论的最新发展，力求构建一个宏大而精微的戏剧艺术全景图。本书内容结构清晰，层层递进，从历史溯源到风格剖析，再到未来展望，旨在培养读者独立思考和鉴赏复杂戏剧作品的能力。 第一部分：西方戏剧的源流与演变——从古希腊到现代主义的辉煌轨迹 本部分深入考察西方戏剧艺术自其萌芽之初的演进脉络，将其视为人类精神探索与社会批判的载体。 一、古希腊悲剧的恢弘奠基：命运、神谕与人的觉醒 我们首先探究古希腊戏剧在雅典城邦民主背景下的诞生与繁荣。重点分析索福克勒斯（Sophocles）、埃斯库罗斯（Aeschylus）和欧里庇得斯（Euripides）三位悲剧巨匠的代表作，如《俄狄浦斯王》《阿伽门农》等。讨论“命运”（Moira）与“自由意志”的永恒冲突，分析合唱队（Chorus）在叙事与伦理评判中的关键作用。同时，考察“喜剧”的萌芽及其对社会现象的讽刺手法，为后世的戏剧冲突设计提供原型参考。 二、罗马戏剧的实用主义与早期演变 简要概述罗马时期戏剧对希腊传统的继承与转化，重点关注普劳图斯（Plautus）和泰伦斯（Terence）对“喜剧”元素的强化，尤其是在性格化冲突和情节设置上的创新，这为中世纪后期的“闹剧”提供了直接的谱系。 三、中世纪的宗教舞台：神秘剧与道德剧的兴衰 探讨在基督教主导下的戏剧形态，包括在教堂内发展的“神秘剧”（Mystery Plays）如何将圣经故事“世俗化”，以及“道德剧”（Morality Plays）如何运用寓言手法进行教化。分析这些剧目对舞台空间、群演调度以及象征手法的早期尝试。 四、文艺复兴的戏剧复兴：伊丽莎白时代的黄金时代 这是西方戏剧史上最具爆炸性的时期。本书将集中篇幅分析莎士比亚（William Shakespeare）的创作体系。不以简单的传记叙述为主，而是深入剖析其戏剧结构（如“戏中戏”的运用）、语言的复杂性（从诗体到散文的自由切换）、对人类心理深度的挖掘（如哈姆雷特的延宕、李尔王的疯狂）。同时，也将介绍马洛（Marlowe）的英雄主义悲剧，以及本·琼森（Ben Jonson）对“喜剧性恶习”的刻画。 五、古典主义的规范与巴洛克式的张力 聚焦十七世纪法国的古典主义戏剧，以高乃依（Corneille）和拉辛（Racine）为代表，探讨亚里士多德“三一律”的严格遵守如何塑造了冲突的内在性和语言的精准性。随后，转向巴洛克时期戏剧的装饰性与情感的夸张，为后续的浪漫主义奠定铺垫。 六、浪漫主义与现实主义的对决：情感的解放与社会的反思 分析浪漫主义（如席勒、歌德）如何打破古典的束缚，强调想象力、激情和个体经验。随后，转向十九世纪中叶兴起的“现实主义”，探讨易卜生（Ibsen）如何以“问题剧”的形式，揭示维多利亚时代社会结构下的虚伪与压抑，以及契诃夫（Chekhov）对“潜台词”和环境氛围的开创性运用，如何深刻影响了现代话剧的走向。 第二部分：非西方戏剧的独立体系与独特审美 本部分将视野扩展至东方，探讨那些在与西方完全不同的哲学、宗教和美学体系下独立发展起来的成熟戏剧传统。 一、印度梵剧：韵律、音乐与“ रस”（Rasa）理论 详尽介绍印度梵剧的理论基石——《舞论》（Natya Shastra），重点阐释“九种情感”（Navarasa）理论如何指导演员的表演、音乐的编排以及观众的审美体验。分析迦梨陀娑（Kalidasa）等伟大作家的作品，理解其诗性语言与舞蹈动作的不可分割性。 二、东亚的程式化美学：日本能剧与歌舞伎 区分日本能剧（Noh）的极简主义、象征性和宗教性，讨论其“幽玄”之美，以及面具和极少动作如何达到精神上的极致表达。对比研究歌舞伎（Kabuki）的华丽、动态和对市民阶层的描绘，分析其“见得”（Mie）等表演程式的视觉冲击力。 三、皮影戏与傀儡戏的民间力量 探讨皮影、木偶等非真人表演形式在亚洲地区的广泛传播，分析它们在叙事、政治讽刺和民间教育中的功能，及其对现代戏剧舞台设计中“非写实性”表达的潜在启发。 第三部分：现代戏剧的革新与理论的重塑 进入二十世纪，戏剧艺术经历了一系列颠覆性的革命，本书将重点剖析这些“主义”背后的理论驱动力。 一、现代主义的先声：象征主义与未来主义 分析斯特林堡（Strindberg）对潜意识的探索，以及梅特林克（Maeterlinck）如何运用象征手法营造朦胧的氛围。考察未来主义者对戏剧时间、空间的破坏性尝试。 二、对抗的戏剧：布莱希特的“间离效果” 本书将详细解析布莱希特（Bertolt Brecht）的“史诗剧”（Epic Theatre）理论。这不是简单的“打破第四堵墙”，而是系统性地运用“间离效果”（Verfremdungseffekt）来阻止观众的情感代入，激发其批判性思维，强调戏剧的社会干预功能。 三、荒诞派的形而上困境 探讨二战后欧洲知识分子对意义缺失的焦虑如何在戏剧中爆发。重点分析贝克特（Beckett）的《等待戈多》，解析其循环结构、语言的贫乏化处理，以及对人类存在状态的终极追问。并分析尤内斯库（Ionesco）如何通过夸张和非理性对话揭示日常语言的空洞。 四、表演理论的里程碑：格罗托夫斯基与“贫乏的戏剧” 深入探讨格罗托夫斯基（Jerzy Grotowski）对表演本质的追寻，分析其“贫乏的剧场”概念——剥离一切不必要的元素（布景、服装、灯光），回归演员的身体、精神以及与观众的直接接触，这标志着对传统“剧作中心论”的重大反动。 结语：戏剧的未来与跨媒介的对话 最后，本书展望了当代戏剧的趋势，包括后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）对文本权威性的消解，以及新媒体技术对舞台空间和观众体验的重塑。探讨戏剧如何在虚拟现实、沉浸式体验中继续其作为人类共同体对话场所的使命。 本书特点： 跨文化视野： 不局限于欧美核心文本，整合了东方成熟剧场体系的理论基础。 理论与实践结合： 每一个流派的介绍都紧密结合了代表剧作的分析，而非纯粹的理论罗列。 批判性阅读导向： 鼓励读者超越剧目的情节，深入探究其背后的哲学基础、社会语境和美学意图。

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如果要用一个词来形容这本书给我的感受，那便是“通透”。作者对戏曲各个组成部分——从文学脚本到舞台调度，从行当划分到脸谱的象征意义——的解构和重组，达到了一个极高的平衡点。我曾苦恼于戏曲的“隔阂感”，总觉得那些传统的表演符号难以理解，但这本书就像一束强光，瞬间照亮了那些晦涩的角落。特别是关于“虚拟性”在舞台空间中的构建，作者引申出中国传统审美中对于“意境”的追求，这种宏观的文化视野，让我彻底明白了戏曲为何如此不同于西方戏剧。它不是简单的模仿现实，而是对精神世界的提纯和升华。全书结构严谨，逻辑清晰，但叙述的笔法却又极其富有感染力，读完之后，我感觉自己对传统文化的亲近感和自信心都大大增强了。这绝非一本可以束之高阁的工具书，而是能陪伴我反复研读、每次都能发现新光芒的艺术指南。

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这本厚重的书拿在手里，就感觉到了沉甸甸的分量，翻开扉页，映入眼帘的是作者对中国戏曲艺术数千年发展脉络的梳理，仿佛一下子把我带入了那个历史的洪流之中。我特别欣赏作者在探讨不同剧种的源流时，那种严谨细致的考据精神，引经据典，旁征博引，让人不得不佩服其深厚的学养。比如书中对昆曲“水磨腔”的形成及其在明清两代宫廷与文人阶层中的流变分析，就极为精妙，不仅仅停留在艺术形式的描述，更是深入挖掘了其背后的社会文化土壤。阅读过程中，我时常会停下来，回味那些精彩的论述，比如关于“程式化表演”的哲学意蕴的探讨，作者巧妙地将美学理论与具体的舞台实践相结合，使得抽象的概念变得生动起来，令人茅塞顿开。对于初涉戏曲艺术的读者来说，这本书无疑是一座坚实的知识堡垒，它为我们构建了一个宏大而清晰的认知框架，让人在面对纷繁复杂的戏曲现象时，能迅速找到切入点和理解的钥匙。那种由衷的敬佩之情，油然而生。

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这本书给我最大的触动，在于它如何处理“地方性”与“普世性”之间的张力。作者并没有陷入将地方戏曲神圣化的窠臼，而是坦诚地指出了各个剧种在现代化进程中所面临的困境和挣扎。例如，书中对某一特定剧种在“保护性演出”与“市场化探索”之间走钢丝般的努力进行了深入的田野调查式记述，文字充满了人文关怀的温度。我能感受到作者对那些默默坚守在舞台上的艺术家们的深深敬意，文字背后饱含着对非物质文化遗产传承的忧思与期盼。这种现实关怀的介入，使得原本可能流于纯粹学术探讨的著作，增添了强烈的时代意义。它不仅仅是一本艺术史，更像是一份对正在消逝的美丽的深情挽歌，同时也是一份对未来如何让古老艺术重焕生机的殷切期盼。读起来，心中总有种复杂的情感交织，既为历史的辉煌而赞叹，更为现实的挑战而感到揪心。

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我得说，这本书的阅读体验有点像在攀登一座艺术的高峰，风景绝美，但过程也着实需要一番气力。它的学术深度毋庸置疑，但行文风格却时不时地蹦出一些让人眼前一亮的俏皮话，这种反差感很有趣。我特别喜欢其中穿插的那些轶闻趣事，比如讲述某位京剧大师当年是如何“悟道”般地破解一个高难度唱段的细节，文字描述得活灵活现，仿佛我正坐在台下，亲眼目睹了那份天才的火花。这种叙事手法极大地缓解了理论的枯燥，让那些古老的艺术魅力得以穿越时空，鲜活地呈现在当代读者的面前。更值得称道的是，作者在论述中对于“批评的边界”的探讨，那种谦逊而又富有洞察力的姿态，让人感到亲近。他似乎在提醒我们，艺术的欣赏最终是回归个体情感的，再详尽的理论分析，也无法完全涵盖舞台上那一瞬间的震撼。读完后，我感觉自己不仅仅是了解了戏曲的“是什么”，更理解了它对人“意味着什么”。

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坦白讲，这本书的排版和插图设计，初看之下，略显传统，但细细品味，却发现其中自有匠心。那些黑白的照片和手绘的戏曲服饰图谱，虽然没有当下流行出版物那种炫目的色彩，但却散发出一种沉静的、时间打磨过的质感，与全书的论述基调完美契合。我尤其关注书中关于“音乐本体”的章节，作者对板式、腔体的细微差别进行了近乎于音乐学分析的剖析，其专业性令人肃然起敬。他没有满足于简单的“这腔如何唱”，而是追溯其在不同历史阶段的音高体系和情感功能是如何演变的，这种多维度的剖析，极大地拓宽了我的听觉想象空间。以往听戏，多凭感觉，现在有了这本书作为指引，我能更清晰地捕捉到旋律背后的结构美学。虽然某些段落的专业术语需要反复查阅，但这种“主动学习”的过程，反而让知识的吸收更加牢固。

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容量不大，讲的不深，但也还算是全面…

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就是通论

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纸上得来终觉浅，还是要去戏院里听！

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海南大学三亚学院汉语言文学教材

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纸上得来终觉浅，还是要去戏院里听！