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出版者:江苏美术出版社

作者:达勒瓦

出品人:

页数:251 页

译者:李震

出版时间:2009年

价格:32.00元

装帧:平装

isbn号码:9787534424861

丛书系列:西方当代视觉文化艺术精品译丛

图书标签:

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建筑的诗意与理性：从古典到现代的结构美学探索 图书简介 本书并非聚焦于艺术史的方法论或理论框架构建，而是深入剖析了人类文明史上最具物质性和空间性的艺术形式——建筑。我们试图剥离掉那些抽象的、元认知的讨论，转而关注建筑作为一种“凝固的音乐”和“有形的思维”，如何在材料、结构、光影与人类生活之间架设起永恒的对话。这是一场跨越数千年，从埃及金字塔的宏伟象征到中世纪哥特式教堂的向上祈愿，从文艺复兴的和谐比例到现代主义的玻璃与钢铁宣言的结构美学之旅。 本书的叙事线索紧密围绕“结构与形式的内在逻辑”展开，旨在揭示不同时代建筑师如何运用技术、哲学思辨以及对物理规律的理解，来创造出既能满足实用功能，又能引发深刻精神共鸣的空间。我们不讨论“如何研究艺术史”，而是直接进入“建筑的实践本身”。 第一部分：永恒的基石——古代与古典的结构信仰（约400字） 本部分追溯了建筑作为人类最早的永久性纪念碑的历史。我们从美索不达米亚的泥砖神庙开始，探讨早期文明如何通过堆砌和拱券技术，对抗时间与自然。 重点章节将聚焦于古埃及的“量度之学”。我们详细分析了金字塔的几何精准度并非偶然，而是源于对太阳运行轨迹和宇宙秩序的模仿。这不仅是工程学的胜利，更是一种基于神权和永恒的哲学表达。其厚重的体量、简洁的线条，体现了对“永恒”这一概念最直接的物质化投射。 随后，我们将目光转向古希腊的“理性之光”。本书细致剖析了多立克、爱奥尼和科林斯柱式的演变，阐释它们如何不仅仅是装饰符号，而是严格遵循视觉平衡和力学原理的“结构表情”。帕特农神庙的柱距、内倾角（Entasis）的设计，揭示了古希腊人对“完美比例”的执着追求——这种比例，是数学理性与人类感官体验之间精确张力的体现。我们探讨了梁柱体系的结构极限，以及它如何塑造了古典剧场和公共集会的空间氛围。 最后，我们审视古罗马的工程革命。罗马人对混凝土（Opus Caementicium）的掌握，是建筑史上的一次关键飞跃。从万神殿的巨型穹顶到引水渠的连续拱廊，罗马建筑不再被动地依靠对抗重力，而是通过拱券和穹顶的力学链条，实现了空间的解放与扩展。万神殿的“光瞳”（Oculus）设计，更是将自然光线转化为引导信徒精神升华的媒介，这是结构与神圣体验完美融合的典范。 第二部分：天国的渴望与世俗的回归——中世纪到文艺复兴的结构张力（约500字） 中世纪是人类精神力量投射到垂直空间的时代。本部分着重分析哥特式建筑如何通过结构创新，挑战了厚重石材的物理限制。 我们深入研究了飞扶壁（Flying Buttress）的发明。这一看似外部支撑的结构，实际上是将墙体的侧推力巧妙地转移至地面，从而使得墙体可以被解放出来，容纳巨幅彩绘玻璃。圣但尼修道院、巴黎圣母院的“骨架结构”，创造了一种全新的光线体验——光线被分解、被着色，空间本身成为了一个充满神秘感的、流动的“光之容器”。我们讨论了尖拱、肋拱（Rib Vault）和尖券（Pointed Arch）如何共同作用，将建筑的重量引导至精确的点位，实现了建筑史上前所未有的轻盈感与高度。 紧接着，文艺复兴的思潮将建筑的焦点从“天国”拉回了“人”。本书详细考察了布鲁内莱斯基在佛罗伦萨圣母百花大教堂穹顶上的突破。这并非简单的模仿古罗马，而是通过对古老技术（如鱼骨纹砌法）的重新理解和创新，解决了一个长期困扰工程界的难题。此后，阿尔伯蒂和帕拉第奥的理论，将古典比例和人体尺度重新置于设计的核心。帕拉第奥的“和谐宅邸”系列，清晰展示了如何通过严格的数学关系（如黄金分割）来组织平面和立面，将理性秩序强加于自然环境之上，这是一种哲学和美学对物质世界的重新规训。 第三部分：工业的回响与空间的重塑——现代主义的结构解放（约600字） 工业革命为建筑带来了全新的材料——钢铁和玻璃，这彻底颠覆了自古希腊以来以承重墙为主导的结构范式。本部分探讨了这种材料革命如何引发了结构美学的范式转移。 结构即装饰，结构即自由。我们分析了19世纪末的“铁骨时代”，例如水晶宫和埃菲尔铁塔，它们公开展示了其内部的骨架系统。这种对结构效率的坦诚展示，为现代主义的美学奠定了基础。 接下来的分析集中于现代主义的五大原则的结构基础。勒·柯布西耶的“新建筑五点”并非空中楼阁，而是对钢筋混凝土框架结构（Pilotis, Free Plan, Free Façade）的必然结果的总结。本书清晰勾勒出柱网体系如何解除了墙体的承重责任，从而实现了空间的渗透性与表皮的轻盈化。密斯·凡德罗的“少即是多”，正是对结构纯粹性的极致追求——将结构构件精简到仅能承担其基本功能，去除一切非必要的修饰。西格拉姆大厦（Seagram Building）正是这种“理性精确”美学的巅峰体现。 最后，本书触及了后现代思潮对纯粹理性的反思，特别是对结构复杂性的重新探索。我们简要考察了如蓬皮杜中心（Beaubourg）等作品，它们将建筑的“骨骼”——管道、电梯、结构支撑——完全暴露在外，使结构本身成为视觉叙事的一部分，表达了对功能主义僵化的批判，并重新引入了戏剧性和叙事性，但其核心依然是对材料性能和结构逻辑的深刻把握。 总结： 本书是一部侧重于建筑物理逻辑与视觉呈现之间关系的探究之作。它通过对关键历史节点的结构性突破进行细致描绘，展现了建筑艺术如何始终在重力与反抗重力之间，在理性与诗意之间，在实用与象征之间，进行着一场永无止境的、物质化的哲学思辨。读者将获得一种“从下往上”的视角，理解宏伟建筑背后的力学逻辑与文化抱负。

评分☆☆☆☆☆

1 艺术史中事实与理论的较劲 实证 实证主义是对艺术品高度描述性的阐释，包括他们的形式质量，创作历史，象征与母题，艺术家传记等。 实证主义反对以理论来推动阐释，宣称应当更真实的或者说以实施为根据的来解释作品，但是说起来容易做起来难，即使不谈论意识形态和生产关...

评分☆☆☆☆☆

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1 艺术史中事实与理论的较劲 实证 实证主义是对艺术品高度描述性的阐释，包括他们的形式质量，创作历史，象征与母题，艺术家传记等。 实证主义反对以理论来推动阐释，宣称应当更真实的或者说以实施为根据的来解释作品，但是说起来容易做起来难，即使不谈论意识形态和生产关...

评分☆☆☆☆☆

《艺术史方法与理论》这本书，对我来说，是一次极其震撼的学术洗礼。我原以为艺术史研究不过是陈述事实、梳理脉络，但这本书彻底颠覆了我的认知。它让我明白，艺术史研究的真正魅力，在于其方法论的深刻性与理论体系的丰富性。书中对各种艺术史研究方法的介绍，犹如为我开启了一扇扇通往新世界的大门。形式主义的视角，让我学会了如何从纯粹的视觉语言入手，去理解一件作品的形式创新与内在逻辑；社会史的分析，则将艺术品置于其产生的社会土壤中，探究其与时代背景、阶级关系、权力结构之间的互动；而符号学和阐释学，则让我们看到了艺术品作为一种符号系统，是如何被解读和理解的，以及解读过程中的多重含义。我特别欣赏书中对“理论”的批判性梳理。作者没有将理论作为一种简单的工具箱，而是强调理论本身的历史性、社会性和局限性，鼓励读者用批判性的眼光去审视和选择。比如，他对后殖民主义艺术史的介绍，就清晰地揭示了其对西方中心论的挑战，以及对被压抑的声音的关注，这让我开始重新审视那些曾经被奉为圭臬的艺术史“经典”。书中海量的案例分析，更是将这些抽象的理论变得生动而富有说服力。作者会选取不同地域、不同时代、不同风格的艺术品，然后运用相应的理论方法进行深入剖析，例如，他会分析古希腊雕塑的理想主义，或者中国水墨画的写意精神，再或者当代行为艺术的观念表达。这种广阔的视野和深刻的洞察力，让我看到了艺术品的丰富性、复杂性以及其在人类文明发展中的重要作用。

评分☆☆☆☆☆

当我捧起《艺术史方法与理论》，我并没有想到它会成为我思维方式的“重塑者”。在此之前，我对于艺术史的理解，仅停留在对作品外观的描述和艺术家生平的记忆，总觉得难以触及艺术的灵魂。《艺术史方法与理论》则以其博大精深的理论体系和严谨细致的分析方法，为我打开了一扇通往艺术史研究新世界的大门。书中对于不同研究方法的介绍，如同为我配备了多副“透视眼镜”。例如，形式主义让我们学会了如何剥离作品的社会文化背景，纯粹地审视其视觉构成，从中发现形式的创新与内在逻辑；而社会史的方法，则让我们看到了艺术品并非空中楼阁，而是深深植根于其所处的时代土壤，与经济、政治、宗教等因素盘根错节。我尤其欣赏书中对“理论”的批判性阐释。作者并没有将理论视为一成不变的真理，而是强调其历史性和语境性，并鼓励读者运用批判性思维去审视和评估各种理论的有效性。比如，在介绍后现代主义艺术史时，作者就清晰地阐述了其解构主义、多元论的特点，以及对宏大叙事的质疑，让我开始反思那些曾经被奉为圭臬的艺术史“经典”。书中大量的案例分析，更是让这些抽象的理论变得鲜活起来。作者会选取不同地域、不同时期的艺术品，然后运用相应的理论方法进行深入解读，例如，他会分析非洲艺术的象征意义，或者日本浮绘的社会功能，这种跨文化、跨地域的视野，极大地拓展了我的认知边界。总而言之，这本书不仅仅是传授知识，更是传授一种思维方式，一种能够让我更深刻、更批判性地理解艺术的方法。

评分☆☆☆☆☆

《艺术史方法与理论》这本书，与其说是教材，不如说是一位经验丰富的向导，带领我在纷繁复杂的艺术史研究领域中，拨开迷雾，寻找到清晰的路径。我原本以为艺术史的分析方法无非就是“看图说话”，但阅读此书后，我才真正领略到学术的严谨与深度。作者在开篇就旗帜鲜明地提出了，理解一件艺术品，绝不能仅仅停留在其表面的视觉美感，而必须深入其背后所蕴含的创作意图、时代精神、文化语境以及研究者的视角。这种“解构”式的分析方式，让我大开眼界。书中对不同流派的研究方法进行了系统性的梳理，从最基础的形式分析，到更复杂的符号学、阐释学，再到颠覆性的后现代视角，作者都进行了深入浅出的讲解。尤其令我印象深刻的是，在介绍精神分析法时，作者通过弗洛伊德的理论，解析了超现实主义艺术中潜意识的表达，那种将艺术家内心深处的梦境与焦虑具象化的过程，让我对艺术的神秘性有了全新的认识。同时，书中也没有回避艺术史研究中的争议和局限性。比如，在讨论符号学时，作者也指出其可能陷入过度解读的风险，以及在面对非西方艺术时的适用性问题。这种对理论局限性的坦诚，反而增加了我对作者的信任感。我尤其喜欢书中对“理论”的动态化处理，它并非一成不变的真理，而是随着时代的发展而不断演进，并且常常与其他学科相互启发。例如，作者会将文学批评中的叙事理论，巧妙地运用到分析绘画的叙事性上，这种跨学科的融合，极大地拓展了我的视野。阅读这本书，我感觉自己不再是那个被动接受艺术知识的学生，而是能够掌握一套有效的工具，去主动地探索和理解艺术背后的深层含义。

评分☆☆☆☆☆

我一直对艺术有着浓厚的兴趣，但总感觉自己只是停留在“看热闹”的层面，无法深入理解艺术品的真正价值。《艺术史方法与理论》这本书，就像一把金钥匙，为我打开了通往艺术殿堂的另一扇大门。作者以一种极其清晰且逻辑严密的叙事方式，带领我认识到，艺术史的研究并非一味地记忆作品和艺术家，而是需要运用一系列的方法和理论工具，去解读艺术的意义。最让我感到振奋的是，书中详细介绍了各种艺术史研究的“利器”，比如形式主义如何剥离作品的表象，直达其形式结构；比如社会史视角如何将艺术品置于其产生的社会土壤中，理解其社会功能；再比如接受史如何关注观众在历史进程中的解读变化。我尤其喜欢书中对“解读”这个概念的深入探讨。作者指出，没有任何一种解读是绝对的，艺术品的意义是动态的，是在作者、作品、观众以及时代语境的互动中不断生成的。这种观点，极大地解放了我对于艺术的僵化认识。我不再害怕自己“读不懂”某件艺术品，而是学会了如何去尝试理解它，如何去构建属于自己的理解。书中大量的案例分析，更是让我受益匪浅。作者会选取经典的艺术作品，然后运用不同的理论视角去进行解读，例如，在分析某幅文艺复兴时期的肖像画时，他会从肖像画的社会功能、艺术家的人文主义理念，甚至人物的服饰象征意义等多个层面进行阐释，让我看到了艺术品背后所承载的丰富信息。这本书不仅仅是传授知识，更是培养一种批判性思维，一种独立解读艺术的能力。它让我明白了，艺术史研究的魅力，就在于那些永不停止的探索与对话。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术史方法与理论》简直是一次思想的启蒙之旅，阅读的过程如同走入一个宏伟的艺术殿堂，而作者则如同那位渊博的导览者，循循善诱地揭示着隐藏在艺术品背后的深层逻辑。我原本以为艺术史只是关于年代、风格、人物的简单罗列，但这本书彻底颠覆了我的认知。它不仅仅是介绍“是什么”，更是深入探讨“为什么”和“如何去理解”。书中对不同艺术史研究方法的梳理，如形式主义、社会史、符号学、精神分析等，我都觉得惊为天人。例如，在讲解形式主义时，作者详尽地剖析了如何从线条、色彩、构图等纯粹的视觉元素入手，去解读一件作品的情感力量和形式创新，这让我第一次意识到，艺术的魅力可以如此纯粹地被剥离和分析。而当转向社会史视角时，我又看到了艺术与时代背景、社会阶层、政治经济之间的千丝万缕的联系。那些曾经被我视为孤芳自赏的艺术品，瞬间被置入了它们诞生的土壤，鲜活了起来。作者没有生硬地罗列理论，而是巧妙地将抽象的理论概念，通过丰富的案例分析，变得触手可及。比如，在讨论巴洛克艺术时，他不仅分析了其夸张的动感和戏剧性的光影，更将其与当时天主教会的复兴运动、以及君主制巩固的政治需求联系起来，让我在欣赏艺术的同时，也读懂了那个时代的脉搏。这种多维度、跨学科的解读方式，让我在阅读过程中不断产生“原来如此”的惊叹。更让我印象深刻的是，书中对一些“非主流”艺术史理论的介绍，比如后殖民主义、女性主义艺术史等，它们提供了全新的视角，挑战了既有的西方中心论和男性凝视，让我开始反思那些被我们习以为常的艺术史叙事可能存在的偏见和遗漏。这本书的价值不仅在于知识的传授，更在于它激发了我独立思考和批判性审视的能力，让我不再是被动接受信息，而是能够主动地去构建自己的艺术理解体系。

评分☆☆☆☆☆

《艺术史方法与理论》这本书，与其说是一部学术著作，不如说是一次深刻的思想洗礼。我最初被这本书吸引，是因为对艺术本身的好奇，但阅读过程中，我逐渐意识到，这本书的价值远不止于此。它提供了一种全新的理解艺术的方式，一种能够让我更深入、更全面地洞察艺术背后奥秘的工具。书中对各种艺术史研究方法的梳理，简直是一部“武功秘籍”。例如，在介绍“图像学”时，作者详细地讲解了如何解读图像中的符号、寓意和典故，让我明白了，那些看似简单的画面，往往蕴含着丰富的文化信息。而当谈到“后殖民主义”理论时，作者又以一种批判性的眼光，审视了西方艺术史叙事中的权力结构和文化偏见，让我开始反思那些被我们长期接受的艺术观念。我尤其赞赏书中对“理论”的灵活运用。作者并不是生搬硬套理论，而是将它们作为一种思考框架，去分析具体的艺术案例。他会选取不同时期、不同风格的艺术品，然后运用不同的理论工具进行解读，例如，用形式主义分析抽象表现主义的绘画，用社会史分析19世纪的现实主义作品，再用性别理论分析古典雕塑中的女性形象。这种多角度、多视角的分析，让我看到了艺术的丰富性和复杂性，也让我学会了如何从不同的层面去理解一件艺术品。阅读这本书，我感觉自己不再是被动地接受艺术知识，而是能够主动地去“生产”知识，去构建属于自己的艺术理解。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，《艺术史方法与理论》这本书，彻底刷新了我对艺术史的认知。我之前总觉得艺术史的研究，就是一些学者在故纸堆里挖掘材料，然后写出晦涩难懂的文章。但这本书完全颠覆了我的这种刻板印象。作者以一种极其生动且富有洞察力的方式，展现了艺术史研究的活力与魅力。书中对各种研究方法的介绍，都非常具有启发性。例如，在介绍“物质文化研究”时，作者不仅仅是关注艺术品本身，更关注与艺术品相关的器物、材料、制作工艺，甚至是收藏和流通过程，让我看到了艺术品作为一种物质存在，是如何与人类社会发生关联的。我又对“性别研究”视角下的艺术史分析，感到尤为震撼。它打破了长期以来由男性主导的艺术史叙事，重新审视了女性艺术家及其作品，以及艺术品中潜藏的性别权力关系。这让我意识到，我们所习以为常的艺术史，可能充满了被压抑的声音和被忽视的视角。作者在处理这些理论时，并没有让它们显得高高在上，而是通过大量的实例，将它们“拉下神坛”，变得触手可及。比如，他会分析某件雕塑是如何被当时的观众解读的，或者某幅画作是如何反映当时的社会风俗的。这种“接地气”的讲解方式，让我能够轻松地理解并掌握这些复杂的理论。更重要的是，这本书让我明白了，艺术史研究并非孤立的学术行为，而是与社会、文化、历史紧密相连的，它能够帮助我们更好地理解人类文明的发展进程。

评分☆☆☆☆☆

《艺术史方法与理论》这本书，对我而言，是一次意义深远的智识之旅。在此之前，我对艺术史的理解，往往局限于对作品的审美体验，而缺乏对其背后深层逻辑的探究。《艺术史方法与理论》则以其包罗万象的理论视角和精湛的案例分析，为我揭示了艺术史研究的无限可能。书中对各种研究方法的梳理，就像是一套完整的“解剖工具箱”。例如，形式分析法让我们学会了如何细致地审视作品的构图、色彩、线条等视觉元素，从中发掘其形式上的美学价值；符号学则带领我们走进一个充满隐喻和象征的世界，理解艺术品是如何传递文化信息的；而精神分析法，则让我们窥探艺术家内心深处的潜意识活动，理解其作品的情感张力。我尤其对书中对“理论”的动态性描述印象深刻。作者并没有将理论视为静止的教条，而是强调其在历史发展中的演变，以及与其他学科的相互影响。例如，他会探讨马克思主义艺术史观如何影响了对社会现实主义的解读，或者女性主义艺术史如何挑战了传统的美学标准。这种动态的视角，让我理解到，艺术史研究本身就是一个不断发展、不断创新的过程。书中大量引人入胜的案例分析，更是让这些抽象的理论变得触手可及。作者会选取不同文明、不同时代、不同媒介的艺术作品，然后运用恰当的理论方法进行深入剖析，例如，他会分析古埃及壁画的宗教含义，或者文艺复兴时期油画的科学性，再或者当代装置艺术的观念表达。这种多维度、多视角的分析，让我看到了艺术的丰富性、复杂性以及其在人类文明中的重要地位。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《艺术史方法与理论》，我并未预设它会带给我如此深刻的智识冲击。书中所呈现的，与其说是一部知识的堆砌，不如说是一场关于如何“观看”和“理解”艺术的精妙对话。作者以一种极其审慎而又充满活力的笔触，引领读者穿越层层学术迷雾，抵达艺术史研究的核心地带。最让我着迷的是，书中并未满足于对单一方法的详尽阐述，而是着力展现了不同理论视角之间的张力与互补。比如，当探讨图像学时，作者会细致入微地剖析图像中的符号意义，从宗教象征到世俗隐喻，层层剥茧，展现出文本与图像之间错综复杂的关联。但紧接着，他又会引入接受美学，探讨观众在解读艺术品时的主体能动性，以及不同时代、不同文化背景的观众可能产生的截然不同的理解。这种“兼容并蓄”的叙事策略，让艺术史的研究不再是铁板一块，而是充满了无限的可能性和多元的解读空间。我尤其欣赏书中对“理论”二字的处理。它不是僵化的教条，而是活生生的工具，是帮助我们更好地认识世界、认识艺术的助手。作者在阐释每一个理论时，都辅以大量生动具体的艺术案例，这使得抽象的概念变得具象化，我能够清晰地看到，例如卢卡奇的现实主义理论是如何被用来分析19世纪现实主义绘画的，又或者福柯的权力话语理论是如何揭示艺术品背后潜藏的社会控制机制。这种将理论与实践无缝对接的能力，是我在这本书中最宝贵的收获之一。它让我意识到，学习艺术史，不仅仅是学习艺术品本身，更是学习如何构建一套理解艺术的有效框架。这本书的价值，在于它教会了我“思考”艺术，而非仅仅“记忆”艺术，这对于任何一个想要深入艺术领域的人来说，都是一笔不可估量的财富。

评分☆☆☆☆☆

《艺术史方法与理论》这本书，对我来说，是一次前所未有的学术探索之旅。在此之前，我对艺术史的认识，充其量就是对一些著名画作和雕塑的模糊印象，缺乏系统性的理解。《艺术史方法与理论》则以一种极为系统且引人入胜的方式，为我勾勒出了艺术史研究的宏大图景。书中对各种艺术史理论的梳理，其精妙程度令人赞叹。作者不仅仅是简单地罗列理论名称，而是深入到每个理论的核心思想，并辅以大量的历史案例来加以说明。例如，在介绍符号学理论时，作者会详细阐述图像的“意指”过程，以及如何分析图像中的编码和解码，让我理解到，一件看似寻常的图像，可能隐藏着丰富的文化信息。而当谈到后结构主义时，作者又通过解构主义的视角，挑战了艺术作品本身的稳定性和作者的权威性，让我开始思考，艺术的意义是否可能无限延伸。我尤为欣赏书中对“方法”二字的重视。作者认为，艺术史的研究，离不开恰当的研究方法，而不同的方法，会导向不同的研究结论。他通过对不同研究方法的比较分析，让我看到了科学研究的态度和严谨性。比如，在探讨视觉文化研究时，作者强调了其跨学科性，以及对图像在现代社会中无处不在的现象的关注，这让我意识到，艺术史早已不再局限于博物馆和画廊。读这本书，我感觉自己仿佛站在一个巨大的宝库门口，而作者则慷慨地分享了进入宝库、开启宝藏的地图和工具。它不仅让我增长了知识，更重要的是，它激发了我对艺术史研究的浓厚兴趣，让我渴望亲自去探索艺术的奥秘。

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很棒的艺术理论简介，入门好书，方便的简易工具书

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记不得了。。。有空再看一遍。

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作为艺术史的入门读物应该是不错了，表达浅显易懂，内容涵盖丰富。主体内容有四章。分别讲述了形式分析象征与符号，艺术的诸语境，心理学与知觉，对待知识的态度。其实个人对于这样的分类并不是十分满意，比如马克思主义、女性主义和文化研究这样的概念并不能完全等同于形式分析和接受理论这样的方法论。大概作者也意识到了这一点，才将这些比较暧昧的东西都放在所谓“诸语境”里，并指明这些理论与其他理论是经常并列使用的。但是总体来说还是觉得这一部分的叙述比较混论。本书最大的优点在于每一节里会有将理论与艺术史结合的提问方式，使得读者能够更加容易理解这种理论在艺术史研究中的使用，很实在。如果说还有什么不满意的地方，大概就是有的地方学生气太浓了点，虽然本来就还是学生，但至少自己看书的时候还是不愿被当小孩子一样教。。。

评分☆☆☆☆☆

缺少20世纪以前的，好吧，果然是当代的。

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缺少20世纪以前的，好吧，果然是当代的。