民族乐派的舵手 民族乐派乐曲赏析 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河北教育出版社

作者:许钟荣，邵义强

出品人:

页数:662

译者:

出版时间:2004-01

价格:102.00

装帧:精装

isbn号码:9787543452817

丛书系列:古典音乐四百年

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第一部分：民族乐派的曙光——时代背景与艺术觉醒 十八世纪末至十九世纪初，欧洲大陆的风云变幻，不仅深刻地改变了政治格局，更在艺术领域掀起了一场前所未有的革命。在这股澎湃的浪漫主义思潮中，音乐艺术以其最直接、最强烈的情感表达能力，成为唤醒民族意识、凝聚民族精神的强大载体。“民族乐派”的诞生，并非一蹴而就，而是时代洪流中无数思想火花碰撞、历史进程中深刻变革共同孕育的产物。 彼时，欧洲各国在拿破仑战争的洗礼下，民族主义情绪日益高涨。昔日统一的帝国开始瓦解，崭新的民族国家蓄势待发。人民对自身的文化根源、历史传承、独特语言和风俗习惯的认同感与日俱增。这种对“民族性”的追求，自然而然地渗透到艺术创作的方方面面。文学作品中，吟游诗人的传说、古老的民间故事被重新发掘和传颂；绘画领域，艺术家们热衷于描绘本民族的历史场景、壮丽山河和淳朴人民；而在音乐领域，作曲家们也开始审视自身民族的音乐传统，试图从中汲取养分，创作出能够代表其民族独特声音的作品。 在此之前，欧洲音乐的主流风格在很大程度上受到意大利和德意志音乐的深刻影响，例如巴洛克时期的宏伟庄严、古典时期的清晰逻辑与均衡典雅。这些风格固然成就了无数不朽的杰作，但对于渴望展现独特个性的新兴民族而言，它们显得有些“外来”，不足以完全承载他们内心的情感与民族的诉求。正是在这样的背景下，“民族乐派”应运而生。它并非简单的模仿，而是一种深刻的自我认知与艺术自觉。作曲家们开始关注那些根植于民间土壤的旋律、节奏、调式和织体，那些在农耕生活、节庆仪式、英雄史诗中流传下来的音乐遗产。他们不再满足于为宫廷贵族创作，而是渴望用音乐触动更广泛的人民，用音乐讲述属于自己的故事，用音乐描绘出自己家园的山川风貌。 这一时期的音乐，往往带有鲜明的地域色彩。例如，波兰作曲家们对马祖卡舞曲和波罗乃兹舞曲的运用，深刻地表达了他们对故土的眷恋和对独立自由的渴望；俄罗斯作曲家们则从广袤的东斯拉夫民间音乐中汲取灵感，创作出充满史诗感和宗教色彩的宏伟乐章；而北欧的作曲家们则善于捕捉冰雪覆盖的壮丽景色和古老的北欧神话，赋予其音乐一种独特的清冷与神秘。 “民族乐派”的崛起，标志着欧洲音乐史上的一个重要转折点。它打破了过去以地域划分的音乐界限，强调音乐的文化属性和民族情感的表达。作曲家们不再孤芳自赏，而是将目光投向更广阔的社会和民族现实，用音乐承载历史的记忆，抒发民族的情感，呼唤民族的未来。这份艺术上的觉醒，为后续的音乐发展开辟了更为多元和丰富的天地。 第二部分：民族乐派的璀璨之星——作曲家群像与代表作品 民族乐派的辉煌，离不开那些富有远见卓识和杰出才华的作曲家们。他们如同播撒希望的种子，将民族音乐的精髓融入到现代音乐的创作体系中，孕育出了一批又一批独具民族特色、享誉世界的经典之作。 在俄罗斯，“强力集团”（The Five）无疑是最为耀眼的一群。巴拉基列夫、居伊、穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫和鲍罗丁，这五位才华横溢的作曲家，怀揣着振兴俄罗斯音乐的共同理想，大胆地摆脱了西方音乐的束缚，从俄罗斯民间音乐、历史传说和东正教圣歌中汲取灵感。 穆索尔斯基，这位被誉为“最纯粹的俄罗斯音乐灵魂”的作曲家，以其粗犷、真实、充满生命力的音乐风格著称。他的作品，如交响诗《荒山之夜》中狂放的魔鬼舞蹈，《展览会上的图画》中对现实生活细致入微的描绘，以及歌剧《鲍里斯·戈东诺夫》中对俄国历史的深刻反思，无不展现了他对俄罗斯民族性格和历史命运的深刻理解。他笔下的音乐，充满了原始的力量和独特的色彩，是对俄罗斯土地最直接、最诚挚的歌颂。 里姆斯基-科萨科夫，则以其精湛的配器技巧和色彩斑斓的音乐语言，将俄罗斯音乐的魅力推向了新的高度。他的作品，如《天方夜谭》中奇幻瑰丽的东方色彩，《西班牙奇想曲》中热情奔放的弗拉门戈风情，以及《金鸡》等歌剧，都展现了他非凡的想象力和驾驭音乐色彩的超凡能力。他对于俄罗斯民间音乐的提炼和创新，为俄罗斯音乐增添了无数动人的音符。 鲍罗丁，作为一位杰出的化学家和音乐家，他的音乐充满了热情与力量。他最著名的作品《伊戈尔王公》中的《波罗维茨舞曲》，以其奔放的节奏和雄浑的气势，将古代俄罗斯民族的豪迈与勇猛表现得淋漓尽致，成为民族乐派的代表性作品之一。 在其他国家，民族乐派的巨匠也同样璀璨夺目。 在波兰，肖邦，虽然大部分时间旅居巴黎，但他对祖国的思念和对民族文化的深情，都深深地融入了他的音乐之中。他的马祖卡舞曲和波罗乃兹舞曲，不仅仅是简单的舞曲，更是波兰民族情感的载体。它们时而充满着忧郁的哀伤，时而又洋溢着高贵的气质和坚定的力量，仿佛在诉说着波兰人民经历的苦难与不屈。 在捷克，斯美塔那和德沃夏克是民族乐派的旗帜。斯美塔那的交响诗套曲《我的祖国》，以描绘捷克壮丽的山河、古老的传说和人民的生活，成为爱国主义音乐的典范。其中，《伏尔塔瓦河》以其流畅优美的旋律，生动地展现了捷克母亲河的蜿蜒流淌，成为音乐史上描绘自然景色的经典之作。 德沃夏克，则将捷克民间音乐的精华与西方古典音乐的宏大结构完美结合。他的《新大陆交响曲》中融入了美国黑人音乐的元素，展现了他音乐的包容性和普适性；而他的《斯拉夫舞曲》则以其活泼欢快的节奏和浓郁的斯拉夫风情，赢得了世界性的赞誉。他笔下的音乐，充满了生命力、热情和温暖，洋溢着浓郁的民族气息。 在芬兰，西贝柳斯以其雄浑壮丽的音乐，为芬兰的民族精神注入了强大的力量。他的交响诗《芬兰颂》以其激昂的旋律和深沉的情感，成为芬兰民族独立斗争的精神象征；而他的交响曲，则充满了北欧大地的凛冽之美和古老传说的神秘色彩。 这些作曲家们，他们各自用独特的声音，描绘了各自民族的画卷。他们用音乐传递着对故土的热爱，对历史的敬畏，对人民的关怀，以及对未来的憧憬。他们的作品，不仅是音乐的瑰宝，更是民族文化的瑰宝，它们超越了语言和国界，触动着所有热爱生活、热爱和平的人们的心灵。 第三部分：民族乐派的艺术成就与深远影响 民族乐派的出现，无疑是欧洲音乐发展史上的一座重要里程碑。它的出现，不仅为音乐艺术注入了新的生命力，更对整个欧洲乃至世界的文化格局产生了深远的影响。 首先，在艺术层面，民族乐派极大地丰富了音乐的语汇和表现手法。作曲家们不再仅仅满足于形式上的严谨和结构的精巧，而是更加注重音乐的情感深度和色彩变化。他们大胆地借鉴和吸收了各民族独特的民间音乐元素，包括那些在当时被视为“非主流”的旋律、节奏、调式和演唱技巧。例如，对民间音阶的运用，打破了西方传统大小调体系的束缚，使得音乐色彩更加丰富和新颖。对民间节奏的模仿，赋予了音乐以更强的生命力和地域特色，例如波兰的马祖卡舞曲和捷克的斯科奇舞曲，都带有鲜明的民族节奏特征。同时，许多作曲家也擅长运用独具匠心的配器，以模拟自然声音、描绘特定场景，或者直接借鉴民间乐器的音响效果，从而创造出色彩斑斓、意境深远的音乐图景。 其次，民族乐派的音乐具有强大的情感感染力和民族凝聚力。在那个民族国家意识日益觉醒的时代，民族乐派的音乐成为了连接人民、唤醒爱国热情、激发民族自豪感的重要媒介。作曲家们通过音乐讲述民族历史上的英雄故事、描绘家乡壮丽的山河、抒发人民对自由和独立的向往。这些音乐作品，往往能够引起广大民众的强烈共鸣，成为民族精神的象征。例如，斯美塔那的《我的祖国》在捷克人民心中就占据着崇高的地位，它不仅是一部音乐作品，更是一种民族精神的象征。 再者，民族乐派为后世音乐发展开辟了更广阔的道路。它打破了音乐创作的地域限制，证明了音乐可以摆脱某种固定的“正统”风格，而能够从多元的文化土壤中汲取养分。这种对地方性、民族性音乐传统的尊重和发扬，鼓励了世界各地更多作曲家去探索和挖掘自己民族独特的音乐资源。从某种意义上来说，民族乐派的出现，为二十世纪更加多元化的音乐风格和流派奠定了基础。它让人们认识到，真正的音乐创新，并非一味地模仿和超越前人，而是能够找到并发展自己独特的语言，表达真实的自我和所属的文化。 最后，民族乐派的音乐具有普适性的艺术价值。尽管民族乐派的作品根植于特定的民族文化，但其所传达的情感，如对故土的眷恋、对自由的渴望、对生活的热爱、对人性的思考，却是人类共通的情感。因此，优秀的民族乐派作品，能够跨越国界和文化的隔阂，打动世界各地的听众。时至今日，德沃夏克的《新大陆交响曲》、里姆斯基-科萨科夫的《天方夜谭》、肖邦的波罗乃兹舞曲，依然是世界各国音乐会舞台上经久不衰的经典。 总而言之，民族乐派的出现，是欧洲音乐发展史上的一个辉煌篇章。它不仅在艺术形式上进行了大胆的创新，更在情感表达和文化传承上发挥了至关重要的作用。这些作曲家们，用他们的才华和智慧，为世界音乐宝库贡献了无数珍贵的财富，他们的音乐至今仍在感动着我们，激励着我们去热爱自己的文化，去珍视我们共同的人类情感。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种带着浓郁民族风情的色彩搭配和笔触，一下就把我的思绪拉到了广阔的草原和连绵的山脉之间。我喜欢它那种既传统又带着一丝现代感的平衡。拿到手里，沉甸甸的质感也让人觉得很踏实，似乎每一次翻阅都是对一次心灵净化的开始。虽然我还没完全读完，但光是书脊上的那几个金色的小篆字，就足以让人心生敬意。它不像市面上那些花里胡哨的畅销书，而是散发着一种内敛而深厚的文化气息，让人忍不住想去探索它深藏的宝藏。这本书的装帧工艺也值得称赞，纸张的触感细腻光滑，油墨的印制清晰锐利，即便是简单的排版，也因为其间蕴含的文化底蕴而显得庄重典雅，让人爱不释手，总想多摩挲一会儿。

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初翻开这本书，一股清新脱俗的气息扑面而来，仿佛置身于一个由音符构筑的巨大音乐厅，空气中弥漫着对传统艺术最纯粹的敬意。它的文字风格极其考究，用词精准而富有诗意，仿佛作者是一位老道的音乐家，用最灵动的语言描绘着那些无形的旋律。读着那些描述性的文字，我仿佛能听见那悠扬的笛声，感受到那激昂的鼓点，那种沉浸式的阅读体验，真的很少见。这种细致入微的笔法，让人不禁对作者的功力肃然起敬，他似乎能将那些抽象的音乐概念具象化，让即便是对民族乐器一窍不通的门外汉，也能领略到其中的妙处。整体阅读下来，感觉自己的审美情趣被提升了好几个档次，对艺术的理解也更加立体和深刻了。

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坦白说，我原本对这类题材的书籍抱持着一丝保留态度，总觉得过于专业会让人望而却步。然而，这本书的语言风格出人意料地亲切且富有温度，它没有过多使用晦涩难懂的专业术语，即便是谈及复杂的音乐结构或和声原理，作者也能用生动有趣的比喻将其阐释得浅显易懂。这种“大家风范”的写作，体现了作者对读者的尊重和深切关怀，它成功地搭建起了一座知识的桥梁，让普通读者也能自信地走进去，感受民族音乐的博大精深。这种将高雅艺术平民化的能力，本身就是一种了不起的成就，让我对未来能更深入地接触和理解民族艺术充满了期待。

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这本书给我的最大感受是其强烈的“现场感”。很多段落的叙述，并不是那种冷冰冰的理论说教，而是充满了鲜活的生命力。作者仿佛是一位资深的田野调查者，带着我们深入到那些遥远的村寨、古老的寺庙，去聆听最原生态的音乐。那些关于乐手们的神态、环境的描写、甚至是观众的反应，都被捕捉得极其到位，让人读起来仿佛身临其境，耳边嗡嗡作响的不仅是文字，更是那些久远而震撼的声音。这种将历史、地域文化与音乐本体紧密结合的写作手法，极大地增强了文本的可读性和吸引力，使得阅读过程充满了探索的乐趣和发现的惊喜，完全没有传统音乐鉴赏书籍的枯燥感。

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这本书的编排逻辑简直是教科书级别的示范，它不是简单的曲目罗列，而是一次精心策划的“时空穿越之旅”。从开篇对某种乐器起源的追溯，到中间对不同地域风格的对比分析，再到最后对现代演绎手法的探讨，层层递进，脉络清晰得令人赞叹。我特别欣赏作者在每一个章节过渡时所做的巧妙衔接，它们不是生硬的段落划分，而是如同乐章之间的转调，自然流畅，引导着读者的思维不断深入。这种宏观的架构能力，显示出作者对整个民族音乐体系有着极其深刻的理解和整体把握，绝非泛泛之谈，而是扎根于深厚学术基础上的创作，让人在阅读中感到心悦诚服。

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标记之后发现我读的是台版...

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