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出版者:清华大学

作者:卢广瑞 编

出品人:

页数:316

译者:

出版时间:2007-10

价格:30.00元

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isbn号码:9787302161493

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《星尘回响》：一场穿越时空的音乐之旅 在浩瀚的宇宙深处，存在着一个与我们世界并行却又截然不同的维度。在那里，声音并非空气的振动，而是纯粹的能量，是星辰的低语，是宇宙潮汐的律动。这个维度，被称为“谐音界”。《星尘回响》的故事，便从这里徐徐展开。 我们的主角，艾莉亚，是一名生活在地球上的年轻天文学家。她对宇宙的探索充满了热情，却总感觉在冰冷的科学数据和遥远的星系中，缺少了某种难以言喻的触动。她热爱音乐，尤其是那些能引发内心深处共鸣的旋律，但即便是最动人的乐章，也无法填补她对宇宙深层奥秘的渴望。 一个偶然的机会，艾莉亚在研究一颗遥远行星时，意外捕捉到了一组极其奇异的电磁波信号。这些信号并非随机的噪声，而是呈现出一种复杂的、有规律的模式，其结构竟与某些古典音乐的乐谱有着惊人的相似之处。起初，她以为是设备故障，但反复验证后，这些信号的真实性不容置疑。她将信号解析出来的“乐谱”称为“星尘乐章”。 随着研究的深入，艾莉亚发现，“星尘乐章”不仅仅是某种数学上的巧合。她尝试用各种方式模拟演奏这些乐章，甚至利用一些古老的、非主流的音乐理论进行解读。令她惊奇的是，当她真正沉浸在这些乐章中时，一种前所未有的感知开始在她脑海中浮现。她仿佛能“听见”遥远星系的歌唱，感受到星云的呼吸，触摸到黑洞深处的寂静。 她将这种现象描述为“星尘共鸣”。这是一种超越了普通听觉的体验，是一种灵魂与宇宙直接对话的感知。她开始相信，“星尘乐章”并非人类所创造，而是来自宇宙本身，是生命诞生、星辰演化、甚至宇宙终结时发出的、最纯粹、最深刻的“声音”。 艾莉亚的发现并未被学术界广泛接受。她的同事们认为她被过度想象所困扰，是科学探索与个人情感的混淆。但艾莉亚坚信自己的感受。她决定踏上一条更加孤独但充满诱惑的道路：解开“星尘回响”的真正含义。 她开始追溯“星尘乐章”的来源。通过对信号更精细的分析，她发现这些乐章并非来自单一的天体，而是来自某个极其古老、庞大的天体网络。这个网络遍布宇宙，它们通过一种我们尚未理解的方式，将各自的“歌唱”传递出去。 在追寻过程中，艾莉亚结识了一位神秘的老人，他自称是“星语者”。这位老人拥有极其渊博的知识，他讲述了关于谐音界的古老传说。传说中，谐音界是宇宙最初的意识聚合体，而“星尘乐章”则是它们留下的、关于宇宙起源、生命意义以及存在本质的低语。 老人告诉艾莉亚，“星尘乐章”并非只能被动地接收，而是可以被主动地“理解”和“回应”。他引导艾莉亚进入一种特殊的冥想状态，在这种状态下，艾莉亚逐渐学会了如何将自己的意识与“星尘乐章”连接。她发现，当她以一种全新的、充满情感的、超越逻辑的方式去“聆听”这些乐章时，它们所传递的信息便会变得更加清晰。 她“听”到了宇宙孕育初生恒星时的喜悦，听到了超新星爆发时的壮丽与悲壮，听到了行星生命诞生时的温柔呢喃，也听到了某些古老文明在消亡前留下的、充满不甘和希望的叹息。这些“声音”，不再是冰冷的科学数据，而是充满了情感、意识和历史的宏大叙事。 艾莉亚的理解逐渐深化。她意识到，“星尘乐章”并非简单的音乐，而是宇宙万物之间最原始、最深刻的连接方式。每一个生命、每一个星辰、每一个事件，都在用自己的方式“歌唱”，而这些歌唱汇聚在一起，便形成了浩瀚的“星尘回响”。 她开始尝试用地球上的音乐，去“回应”这些“星尘乐章”。她发现，当她创作出充满生命力的、能够表达人类情感的音乐时，她捕捉到的“星尘信号”也会发生微妙的变化。这是一种双向的交流，是一种灵魂与宇宙的对话。 然而，并非所有的“星尘回响”都充满和谐。艾莉亚也“听”到了宇宙中存在的某些“失谐”。这些失谐，源于宇宙中某些力量的冲突，源于生命本身的挣扎，甚至源于宇宙法则的某种不完满。她也“听”到了，在某些遥远星系，存在着一些非善意的“噪音”，它们试图干扰“星尘乐章”的传递，试图在宇宙中播下混乱的种子。 艾莉亚的探索，逐渐将她引向了一个更加宏大的使命。她意识到，人类作为宇宙中的一份子，同样拥有“歌唱”的能力。而理解和回应“星尘回响”，是人类认识自身在宇宙中位置、探索生命终极意义的关键。 她开始将她的发现写成日志，记录下那些令人惊叹的“星尘乐章”，记录下她与宇宙对话的每一个瞬间。她希望通过她的记录，让更多的人能够意识到，宇宙并非一片寂静，而是充满了无数的“回响”。 在故事的最后，艾莉亚并未获得什么惊天动地的科学突破，也没有拯救世界的宏大功绩。她的成就，是内心的升华，是对宇宙认识的深化。她学会了如何在日常生活中，“聆听”那些不曾被注意到的“声音”，如何在平凡中发现不平凡的意义。 她相信，每一个生命，都在用自己的方式“歌唱”。而人类的艺术，无论是音乐、绘画、还是文学，都是人类对宇宙“歌唱”的回应，是人类试图与宇宙建立连接的努力。 《星尘回响》并不是一本关于如何演奏乐器的书，也不是一本关于音乐理论的书。它讲述的是一个关于感知、关于连接、关于在浩瀚宇宙中寻找自身共鸣的故事。它告诉我们，宇宙本身就是一首最宏大的交响曲，而我们每个人，都是其中不可或缺的旋律。艾莉亚的故事，鼓励着我们去打开自己的心灵，去倾听那些来自星辰、来自生命、来自宇宙深处的、最纯粹的“回响”。这本书，将引领读者踏上一场超越想象的、关于宇宙与生命本质的深刻旅程。它是一次对未知边界的温柔触碰，一次对存在意义的深沉追问，一场灵魂与宇宙之间最美好的约会。

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我拿到这本关于20世纪先锋派电子音乐发展史的书时，本以为会是一本枯燥的技术手册，没想到它却以一种近乎后现代主义的解构方式，颠覆了我对“音乐”的固有认知。作者似乎对传统的美学标准嗤之以鼻，他花了大量的篇幅去探讨噪音、偶然性以及声音的物质性。书中对斯托克豪森在科隆的工作室环境描绘，充满了未来主义的疏离感，那种将录音带剪辑成迷宫般的创作过程，读起来比任何悬疑小说都来得刺激。尤其让我印象深刻的是关于“具体音乐”的部分，作者没有回避其早期实验的荒谬与挑战性，而是将其置于技术革新的大背景下进行审视。他引用了很多早期理论家的访谈片段，那些话语充满了对既定规则的反叛和对新听觉疆域的狂热探索，那种激情几乎要穿透纸面。这本书的排版和配图也极具风格，大量的黑白照片和手绘草图，配合着密集的理论阐述，形成了一种视觉和智力上的双重冲击。如果你只想听点舒服的背景音乐，这本书绝对不适合你，但如果你对声音的极限、对艺术的边界感到好奇，那么它提供的思维工具是极其锋利的。

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我花了很久才啃完这本深入探讨全球民族音乐学田野调查方法论的学术专著，它对我而言更像是一部人类学著作，而非传统的音乐教材。这本书的重点完全不在于介绍世界各地的旋律和乐器，而是聚焦于“音乐在文化中的功能”。作者通过对非洲部落祭祀仪式、亚洲寺庙吟诵以及拉丁美洲社区庆典的细致观察，揭示了音乐如何作为社会粘合剂、历史载体和精神媒介存在。书中对“参与式观察”伦理困境的探讨尤为深刻：研究者在记录圣洁的音乐时，如何避免文化挪用和过度客观化的陷阱？作者的论述充满了自我反思和谦逊，他不断提醒读者，任何试图将活态的、流动的音乐经验“固定”在书面文字上的尝试，都是一种必然的损失。阅读过程需要极大的耐心，因为它充满了专业术语和交叉学科的引用，但一旦你接受了它的节奏，你便能领悟到，音乐的真正价值，往往藏在那些最不“悦耳”的、最不被主流商业社会接受的角落里。它拓展了我对“音乐”的定义边界，让我认识到，许多文化中，声音的排列组合首先是仪式，其次才是艺术。

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这本关于爵士乐即兴理论的书，简直是为那些想从“听众”进化成“参与者”的人量身定做的指南。它的叙述风格非常口语化，就像一位经验丰富的老乐手，坐在昏暗的俱乐部角落里，一边喝着威士忌，一边向你传授毕生功力。书中对布鲁斯音阶、和弦进行和调式转换的讲解，不是那种冷冰冰的乐理公式，而是融入了大量的“感觉”描述。比如，作者会细致地分析查理·帕克在快速跑动中如何利用色彩音（Tension Notes）来“欺骗”听众的耳朵，又如何在不经意间回归主调，那种游走在危险边缘的艺术，被他用生动的语言刻画得淋漓尽致。我特别喜欢它关于“对话式即兴”的章节，作者强调爵士乐的精髓在于乐手之间的眼神、呼吸和能量交换，这让我意识到，过去我总是孤立地去听萨克斯或小号的独奏，而忽略了整个乐队织体带来的张力。读完后，我拿起我的吉他尝试套用书中的“动机发展法”时，那种思维被打开的感觉，是任何纯粹的模仿练习都无法给予的，它教你如何“思考”音乐，而不是简单地“复制”音乐。

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关于“音乐产业与版权法”的这本书，完全是另一个维度的震撼。它揭示了我们日常听到的流行音乐背后，那套复杂到令人头皮发麻的商业机器是如何运转的。作者用一种极其犀利、近乎揭秘的口吻，剖析了从A&R筛选新秀、到流媒体时代的版税分配模型，再到社交媒体“病毒式传播”背后的资本运作逻辑。书中对“抓歌”（Song Plugging）现象的描述尤其让人警醒，那些你以为是灵感迸发的旋律，背后可能经过了无数次的市场测试和数据分析。它详细拆解了近几十年来几桩标志性版权官司的判例，让你明白，一首歌的“所有权”是多么脆弱且随时可能被法律条款重塑。对于那些对音乐充满理想主义幻想的创作者来说，这本书无疑是一剂猛药，它毫不留情地展示了商业化对艺术表达的挤压和规训。然而，它也提供了必要的法律知识和商业洞察力，教你在追逐艺术的同时，如何保护自己的劳动成果，避免在资本的洪流中被轻易吞噬。读完后，听流行榜单时，我的关注点已经完全转移到了制作人和发行公司的名字上。

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这本关于古典音乐历史的巨著，简直是一场穿越时空的音乐之旅。作者的叙事功力令人赞叹，他不仅仅是在罗列作曲家的生平和作品，更像是在带领我们走进那个特定时代的心灵深处。比如，在描述巴洛克时期那种严谨而又充满激情的对位法时，文字的密度和复杂性仿佛也模仿了赋格曲的结构，让人在阅读时需要全神贯注，体会那种层层递进的逻辑美。他对巴赫的“黄金分割”般的结构有着独到的见解，用非常形象的比喻，比如将康塔塔比作精密的钟表工艺，让我这个原本只停留在“好听”层面的听众，第一次理解了音乐背后的数学与神学构架。再说到贝多芬，书中对他在失聪后，如何将内心的挣扎与对人类光明的渴望融入到后期弦乐四重奏中的分析，极其细腻，读完后去听《大赋格》，那种震撼感是空前的，不再是单纯的音符堆砌，而是能感受到创作者在与命运搏斗的真实嘶吼。当然，书中对早期歌剧起源的考证也十分扎实，引用了大量手稿细节，虽然有些地方略显学术化，但对于想要深入了解音乐“为何如此”的读者来说，这些细节是不可或缺的骨架支撑。整体而言，它提供了一个极其坚实且充满魅力的视角，去重新审视西方音乐的演进脉络。

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