中国京剧二十讲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广西师范大学出版社

作者:骆正

出品人:理想国

页数:324

译者:

出版时间:2004-3-1

价格:28.00

装帧:平装

isbn号码:9787563343348

丛书系列:中国传统文化讲座系列

图书标签:

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古韵新声：中国戏曲的流变与审美（暂定书名） 内容简介： 本书旨在深入探究中国戏曲艺术自萌芽至成熟，直至当代多元化发展的宏大历程。它并非聚焦于某一特定剧种的详细技法或历史沿革，而是从更广阔的文化人类学、美学理论和跨艺术形态影响的角度，剖析中国戏曲作为一种综合性舞台艺术，其内在的审美逻辑、表演体系的构建，以及它如何与社会思潮、时代变迁紧密互动。 本书结构分为五个主要部分，层层递进，旨在勾勒出一幅立体的中国戏曲全景图： 第一部分：戏曲的“前世今生”——形态的演化与符号的起源 本部分着眼于戏曲艺术的源头活水。我们将追溯中国舞台艺术的源头，从上古的乐舞祭祀，到汉代的百戏，魏晋的参军戏，唐代的参军戏和歌舞大戏，再到宋元时期“诸宫调”和杂剧的成熟。重点讨论的不是某个具体的戏班或剧目，而是驱动这些艺术形态演变的核心动力——如何将文学叙事、音乐旋律、舞蹈身段和角色扮演整合为一个统一的表演体系。 我们将详细分析宋元以来，戏曲作为一种市民艺术的兴起，其对市井语言和民间故事的吸收，以及其在美学上对“虚拟性”和“写意性”的初步确立。讨论的重点在于，在“声、色、艺”尚未完全定型的早期阶段，戏曲是如何通过程式化的动作和高度凝练的音乐语言，在舞台上构建起一个“可供想象的真实世界”。 第二部分：程式化的美学基石——表演体系的内化与外显 本部分深入剖析中国戏曲表演体系的核心——“程式”。我们探讨程式并非僵硬的模仿，而是一种高度提炼和抽象化的符号系统，是艺术家理解和再现生活的“视觉语法”。 身段与水袖的语言学： 分析戏曲动作中“以形传神”的哲学基础。例如，如何通过一个亮相、一个趟马的动作，瞬间传达人物的身份、心绪和所处的环境，探讨其与中国传统书法、绘画的审美共通性。 唱腔的结构与呼吸： 探讨戏曲的声乐系统，如板式结构、腔调的地域性差异（不深入特定剧种的腔调细节），重点在于理解唱腔如何承担叙事和抒情双重功能，以及“气口”对于音乐情绪连贯性的决定性作用。 角色行当的社会学意义： 探讨行当划分（生旦净丑）不仅仅是技术分类，更是对中国传统社会人伦关系和性格谱系的舞台编码。分析不同行当的舞台调度和节奏差异如何共同构筑起戏曲的整体张力。 第三部分：审美张力的三角关系——文、武、场面的交织 戏曲被誉为“综合艺术”，本部分着重分析其三大要素——文学性（剧本）、音乐性（唱念做打中的“做”与“打”）和舞台美术（场面、服饰、脸谱）——是如何在舞台上实现动态平衡的。 “无中生有”的舞台想象力： 重点分析戏曲舞台调度对“虚景”的依赖。例如，如何通过一位演员的跑圆台来表现千里行程，或如何通过一面旗、一顶头盔来象征千军万马。这种极简主义的舞台呈现对观众的审美参与提出了极高要求。 武戏的本体论： 探讨武戏作为一种高度技巧化的身体训练，其存在的意义不仅在于表现战斗场面，更在于通过肢体的极限运动，体现人物内在的“精气神”与道德力量。分析武戏的节拍感与舞蹈美学的关系。 服饰、脸谱的视觉密码： 从符号学的角度解读服饰的色彩、纹样和脸谱的勾画规则，如何作为一种既定的视觉语言，在开场前就为观众提供了关于人物命运和性格的预设信息。 第四部分：戏曲的社会功能与文化承载 本部分转向宏观视野，探讨戏曲艺术在不同历史时期所承担的社会功能，以及其如何成为大众文化与精英文化沟通的桥梁。 教化与娱乐的辩证统一： 分析戏曲如何通过劝善惩恶的主题，在娱乐大众的同时，实现对主流道德观念的强化和传播。探讨其在古代社会舆论形成中的作用。 地域文化的容器： 探讨中国戏曲多元发展背后的地域性、方言性差异，以及这些差异如何塑造了地方文化的独特表达。虽然不深入特定剧种，但会概述地方戏曲在继承核心体系的同时，如何吸收当地民俗、音乐和语言的养分，形成了强大的生命力。 “雅”与“俗”的张力： 分析戏曲在不同时期，是如何在宫廷雅乐（如南戏向清宫廷的演变）与市井俗乐之间进行张力调和的，以及这种调和如何影响了其艺术表达的精致程度和普及广度。 第五部分：现代转型与未来的对话 最后一部分聚焦于近现代以来，中国戏曲面对西方戏剧理论、电影媒介以及当代审美观念冲击时的自我调整与创新。 对“写实主义”的接纳与拒绝： 讨论戏曲在“五四”运动后，如何面对白话文运动和西方写实主义戏剧的挑战，分析其在保持自身独特性的前提下，如何进行剧目和表演上的现代化探索。 媒介转换中的形变： 探讨电影、电视等新媒体对传统戏曲的记录、传播和改编带来的影响。分析如何在电子屏幕上保持传统表演的“气场”与“现场感”。 当代戏曲的实验精神： 展望当代艺术家在保持对传统尊重的前提下，如何进行跨界合作（如与现代舞、先锋戏剧的融合），尝试在保留程式美感的同时，拓展戏曲在哲学表达和舞台呈现上的边界。 总结： 本书试图提供一种俯瞰式的、跨越具体剧种的宏观视角，帮助读者理解中国戏曲艺术作为一个整体，其艺术生命力的源泉在哪里，它所构建的审美世界是如何通过一套精妙的符号系统运作的。它不是一本入门手册，而是一部关于中国舞台艺术“本体论”的思考集，侧重于分析其抽象的结构、符号的意义和文化的深层连接。

评分☆☆☆☆☆

京剧初始爱好者，可以读。读完可以从审美心理学的角度和老戏迷白话（音“活”）。因为老戏迷，人家是从小泡戏院听大的，要不就是抱着话匣子听大的，各路唱腔，各个流派人家是内行，可是没法理解审美心理学。于是初始爱好者占了上风。可是真扔到园子里，剧场中，这帮棒槌叫好都...  

评分☆☆☆☆☆

从故事入手，是很好的启蒙方式，尤其很多京剧故事，是颇值得玩味的。 但也仅止于入门而已，据说这书的基础是大学公选课的讲义，就是这个程度。  

评分☆☆☆☆☆

从故事入手，是很好的启蒙方式，尤其很多京剧故事，是颇值得玩味的。 但也仅止于入门而已，据说这书的基础是大学公选课的讲义，就是这个程度。  

评分☆☆☆☆☆

作者是学心理学的，因此其解说角度还算新颖。但显然由于缺乏必要的文献学学术训练，行文中有不少文史方面的硬伤，最受不了的是居然把《三国演义》一类的书籍当确凿的史料用。

评分☆☆☆☆☆

从故事入手，是很好的启蒙方式，尤其很多京剧故事，是颇值得玩味的。 但也仅止于入门而已，据说这书的基础是大学公选课的讲义，就是这个程度。  

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排展现出一种非常现代的、解构式的叙事手法，完全不同于传统戏曲书籍那种按“生旦净丑”或“唱念做打”的刻板分类。它更像是二十个独立的、高度聚焦的微型专题研究，每一个“讲”都如同一个精准的镜头，对准了京剧艺术的一个侧面进行深挖。我特别喜欢它对“化妆与角色身份构建”那一章的论述。作者没有止步于介绍脸谱的颜色含义，而是探讨了油彩如何在舞台灯光下，将一个历史人物的性格侧面在瞬间固定化、符号化。例如，通过对“关目”的分析，我们能理解京剧演员如何用极简的眼部化妆，来传达角色的忠义或奸诈，这种视觉语言的效率和力量是令人震撼的。此外，书中对现代京剧的革新与坚守也有着深刻的洞察，它不回避传统艺术在当代语境下面临的挑战，而是以一种冷静甚至略带批判的姿态，探讨了如何在新媒体时代保持艺术的纯粹性与生命力。这种不回避矛盾、直面现实的写作态度，使得整部作品在学术深度上更胜一筹，读起来既有历史的厚重感，又不失对未来的思辨性。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术著作，充斥着大量不加解释的术语，但事实完全出乎我的意料。这本书的文字充满了画面感和一种令人愉悦的流畅性，阅读体验极为顺畅。其中关于“景片”和“虚实结合的舞台调度”那一部分尤其精彩。作者描述了在没有任何现代舞美效果的辅助下，一桌二椅如何通过演员的调度，瞬间变为高山、江河或宫殿的情景。这种对“写意”美学的阐释，完全抓住了京剧作为“诗化剧场”的核心魅力。他们运用了大量的比喻，比如将水袖的运用比作书法中的“飞白”，将武功的起落比作中国山水画中的“势”与“韵”。这种跨艺术门类的对照，极大地拓宽了普通读者对京剧的理解维度，不再仅仅停留在“听唱腔”的层面，而是上升到了对整体舞台哲学的欣赏。读完这一章节后，再去观看任何一场经典剧目，都会发现自己看待舞台景物的方式被彻底改变了，仿佛多了一副能够看穿符号背后意境的“滤镜”。

评分☆☆☆☆☆

这部二十讲的结构，在对经典剧目案例的选取上，展现了极高的专业水准和审慎的考量。它没有陷入对最热门的几部大戏的重复解读，而是巧妙地穿插了不同流派、不同题材的代表作作为论证的支点。例如，它用一个深入的篇幅解析了某部冷门却极具程式美感的剧目中某个特定“亮相”的全部要领，这种“以小见大”的分析方法极为高明。通过对一个细节的极致解剖，读者得以领悟到整个京剧体系的严谨性。更难能可贵的是，书中对“锣鼓点”的讲解，不再是简单地罗列板式，而是分析了鼓板如何在叙事中充当“情绪放大器”的角色，它如何预示着冲突的爆发或情感的高潮。这种对音乐结构与戏剧情绪之间微妙关系的捕捉，展现了作者对京剧音乐本体论的深刻理解。读完后，即便是再听那些熟悉的配乐，也会多了一层对“为何如此敲击”的豁然开朗，极大地提升了欣赏的层次感和专业性。

评分☆☆☆☆☆

这部汇集了二十位名家精妙见解的京剧艺术精粹，确实让人耳目一新，仿佛置身于名师的课堂之中。开篇对京剧声腔源流的梳理，简直就是一部浓缩版的戏曲史，从徽汉合流的复杂脉络到旦角唱腔的流派纷呈，作者旁征博引，引经据典，但行文却一点也不觉枯燥。比如讲到程派的“程腔”时，并非简单罗列唱段，而是深入剖析了其“韵味”的形成，那种特有的抑扬顿挫、行腔的细腻处理，光是文字描述就已经能让人在脑海中勾勒出那份独特的“拧”劲儿和“哭腔”的韵味。尤其欣赏作者对不同行当表演程式的细致描摹，武生的“趟马”如何通过眼神、水袖和身段的配合完成瞬间的场景切换，那份对舞台空间的调度感，跃然纸上。对于初学者而言，这些详尽的技法解析是极佳的入门指南；而对于资深戏迷来说，其中对老一辈艺术家表演细节的捕捉和重温，更是提供了宝贵的文字注脚。全书在技法与美学之间找到了一个绝佳的平衡点，不是空泛的赞美，而是扎实的技艺剖析，让人在阅读过程中，忍不住想立刻找来录音，与文字中的描述进行对照印证，体验那份“听其声而知其人”的境界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事口吻，最吸引我的是那种近乎“口述历史”的亲近感，尽管是多位名家汇集，但整体的语气却保持了一种温暖的、传承者的姿态。它没有高高在上的教诲感，反而像是一位慈祥的长者，在你耳边娓娓道来那些关于台前幕后的辛酸与辉煌。特别是提及“角儿”们在特定历史时期坚守舞台的那些轶事，虽然只是寥寥数语，却能感受到艺术家那份对艺术近乎宗教般的虔诚。这种情感的注入，使得原本可能很技术性的内容变得有血有肉。我印象最深的是关于“说戏”的艺术，即演员之间如何通过简短的口头交流来确定一场戏的节奏和情感走向。这种幕后的“默契”是如何建立的，书中通过几个极具代表性的例子进行了细致的还原，让人体会到京剧艺术的表演绝非孤立的个体展示，而是一种高度协同的集体创作过程。这种对“人”的关注，使得这本书的阅读价值超越了单纯的艺术理论范畴。

评分☆☆☆☆☆

如果对戏曲有点喜欢、听得不多、纸上谈兵型的，可以读读这么书，关于若干出戏的赏析还是不错的.

评分☆☆☆☆☆

比外行还外行。对几个名剧的赏析居然是赏情节析剧本...这是话剧课么？就是话剧也有舞台的成分啊！所谓的京剧赏析的章节应该改名叫『剧本欣赏』 齐如山说京剧的特征是『有声必歌，无动不舞』。赏析京剧应该以歌与舞为中心，而绝不是剧本。 经典的京剧入门读物是丁秉鐩的《菊坛旧闻录》，北京出版社四卷本的《京剧谈往录》，还有中国戏剧出版社八九十年代出的一系列的《XXX艺术评论集》

评分☆☆☆☆☆

作为一本深入浅出的教材已经不错了

评分☆☆☆☆☆

作为一本深入浅出的教材已经不错了

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