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出版者:

作者:王一川

出品人:

页数:311

译者:

出版时间:2011-7

价格:32.00元

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isbn号码:9787303130030

丛书系列:

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《美学思潮的演进：从古典到后现代的视觉哲学》 导言：探寻美的永恒与流变 本书旨在为读者构建一个清晰、深入且富有批判性的美学史图景。我们聚焦于“美学”这一学科的核心命题——美、艺术、审美经验的本质与价值——如何随着人类文明的进程、社会结构的变迁以及哲学思辨的深化而不断被重新定义与重塑。我们并非简单地罗列美学家及其理论，而是致力于揭示不同历史阶段的思潮交汇点，探究那些驱动艺术观念革命的关键力量。 本书将带领读者穿越漫长的时空隧道，从古希腊对“和谐与比例”的理性颂歌，到启蒙运动对“崇高与自然”的激情回归，再到20世纪以来对“意义消解与媒介本质”的深刻反思。我们将详细剖析，在这些看似孤立的理论体系背后，隐藏着人类对自身存在、世界秩序以及创造性活动的根本性理解。 --- 第一部分：古典的奠基与理性的光辉（公元前5世纪 — 17世纪） 第一章：古希腊的和谐法则与模仿的艺术 本章首先追溯美学思想的源头——古希腊哲学。柏拉图的“相论”如何将美提升至理念世界的至高地位，艺术作为对理念的“摹仿的摹仿”，其地位的尴尬与诱惑并存。紧接着，亚里士多德的《诗学》如何将关注点拉回人间，强调“艺术的再现功能”与“情感的净化”（Catharsis）作用，为后世的艺术批评确立了结构性分析的范式。我们着重探讨“匀称、比例与秩序”作为早期西方美学范畴的根基。 第二章：中世纪的神性之光与技艺的规范 在基督教神学主导的时代，美不再是独立自主的理性实体，而是“上帝的属性”（Divine Attributes）的折射。我们分析奥古斯丁和托马斯·阿奎那如何将亚里士多德的和谐概念“基督教化”，强调“光照”与“完整性”（Integritas）在感知中的作用。此时期的艺术创作被严格纳入宗教叙事和服务体系，美学判断标准转向对“真、善、美”三位一体的绝对信仰。 第三章：文艺复兴的“人”的发现与科学的介入 文艺复兴标志着美学从神本转向“人本”。达芬奇、阿尔伯蒂等人的实践，将透视法、解剖学等科学知识引入艺术创作，美学关注点回归到“再现的精确性”与“视觉的错觉”。本章深入探讨了这一时期“天才论”的雏形，艺术家开始被视为拥有独特创造力的个体，而非单纯的工匠。 --- 第二部分：启蒙时代的觉醒与情感的释放（18世纪） 第四章：经验主义的美学转向：休谟与审美判断的相对性 18世纪的经验主义哲学对美学的传统理性结构提出了挑战。休谟关于“美不存在于事物本身，而存在于观察者的心中”的论断，标志着审美判断的主观性开始被严肃对待。本章将细致梳理休谟对“共同品味”的探讨，以及他对习俗（Custom）在审美形成中作用的洞察。 第五章：柏克的“崇高”理论与情感的张力 如果说古典美学偏爱“美”（Beauty）的和谐、平静，那么布克（Burke）的《论崇高与美的起源的哲学探究》则开启了对“崇高”（Sublime）的系统研究。我们将详述崇高如何通过恐惧、震撼、无边无际等体验，引发人类精神的极大振奋，并将其视为一种与“美”并列的独立审美范畴，深刻影响了浪漫主义运动。 第六章：康德的批判哲学：审美判断的无私性与目的性 康德的《判断力批判》是美学史上的里程碑。本章将重点解析康德如何试图调和主观感受与普遍有效性之间的矛盾，提出“无利害的判断”（Disinterestedness）和“合目的性而无目的”（Purposefulness without a purpose）的审美判断标准。我们探究康德如何通过“审美范畴”的构建，为艺术的独立地位奠定了坚实的理论基础。 --- 第三部分：浪漫主义的狂热与唯心主义的宏大叙事（19世纪） 第七章：浪漫主义：天才、情感与“绝对精神”的表达 浪漫主义是对启蒙运动理性主义的激情反叛。本章聚焦于想象力（Imagination）如何超越模仿和再现，成为创造“新的世界”的能力。谢林和黑格尔的唯心主义哲学如何将艺术视为“绝对精神自我显现的感性形式”，艺术作品因此被赋予了认识真理的最高使命。 第八章：黑格尔的艺术终结论与历史的辩证法 详细分析黑格尔对艺术发展阶段的划分（象征型、古典型、浪漫型），以及他关于艺术最终被哲学和宗教超越的著名论断。我们评估“艺术终结”论在后世哲学中的复杂影响，以及它如何激发了后人对艺术“何以为艺术”的持续追问。 第九章：现实主义与艺术的社会责任 与唯心主义的宏大叙事相对，19世纪中叶的现实主义将美学焦点转向社会现实。我们将考察巴尔扎克、福楼拜等人如何通过对日常生活的细致描摹，挑战了既有的唯美主义标准，强调艺术在反映社会矛盾和道德批判中的中介作用。 --- 第四部分：现代性的断裂与后现代的解构（20世纪至今） 第十章：尼采的酒神精神与艺术的权力意志 尼采对苏格拉底以来的“理性至上”的根本性颠覆，将艺术的生命力根植于“酒神（Dionysian）的冲动”——非理性、激情与痛苦的肯定。本章阐释了“权力意志”如何驱动艺术家的创造性行为，以及这种思想如何为20世纪初的表现主义奠定基调。 第十一章：符号学、结构主义与艺术意义的编码 20世纪中期，美学开始与语言学和符号学紧密结合。罗兰·巴特（Roland Barthes）等人的研究如何将艺术作品视为一个复杂的“意义系统”，分析图像、文本和符号之间的互动关系。我们探讨“神话”在现代文化中的运作方式，以及艺术的“可读性”与“可写性”的辩证关系。 第十二章：后结构主义与对中心权威的瓦解 本书的最后部分聚焦于后现代思潮对现代美学宏大叙事的彻底解构。德里达的“延异”（Différance）概念如何挑战了文本和意义的稳定性，福柯对知识/权力关系的考察如何揭示了审美标准的历史建构性与权力运作。我们将分析“挪用”、“拼贴”和“戏仿”等手法如何成为对传统原创性概念的有力批判，并在当代艺术实践中占据核心地位。 结论：回到审美经验的本体论追问 本书最终将引导读者回到最初的问题：在概念和形式不断被颠覆的今天，我们如何理解艺术的价值？我们重申，尽管美学理论不断演变，但人类对意义的追寻、对情感的共鸣以及对自身创造潜能的确认，始终是美学研究不可磨灭的核心动力。本书旨在提供一个批判性的工具箱，而非一套教条，以期读者能够以更深刻、更具历史维度的眼光，审视我们身处的艺术世界。

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对于一个对艺术史完全陌生的读者来说，这本书提供了一个非常棒的入门体验。我之前总觉得艺术史是一条漫长而杂乱的线索，各种时期、各种风格、各种艺术家，让我无从下手。但是，这本书以一种非常清晰、有逻辑的方式，为我梳理了艺术发展的主要脉络。它并没有像教科书那样枯燥地罗列事件，而是通过精选的代表性作品和重要的艺术运动，将艺术史的关键节点串联起来。我能够清晰地看到不同时期艺术风格的转变，以及这些转变背后所反映的时代精神。书中对一些经典艺术作品的深入解读，更是让我仿佛置身其中，亲身感受那些历史时刻的艺术魅力。它让我明白了，艺术史并非仅仅是过去的陈迹，而是与我们的现在息息相关，很多我们今天所认为的“新”的观念和形式，都能在历史的长河中找到其源头。这本书让我对艺术史不再感到畏惧，反而充满了好奇和探索的欲望，为我今后深入学习艺术打下了坚实的基础。

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这本书在某种程度上，可以说是重新定义了我对“美”的认知。以往，我可能会将美简单地等同于“好看”、“顺眼”，或者某些符合大众审美的标准。但是，这本书却向我展示了艺术中存在的“丑”、“怪”、“甚至令人不安”的美。它通过一些极具争议性的艺术作品和理论，来探讨艺术的边界以及何为“艺术”。我惊讶地发现，原来那些挑战常规、颠覆传统的作品，往往蕴含着更深刻的意义和更强大的力量。书中关于“观念艺术”和“行为艺术”的章节，尤其让我印象深刻。起初，我可能无法理解它们为何会被称为“艺术”，但通过作者的深入解读，我逐渐体会到，艺术并不局限于传统的视觉或听觉形式，它可以是思想的载体，可以是观念的表达，甚至是人与人之间互动的一种方式。这本书让我明白，艺术的价值不仅仅在于其形式上的悦目，更在于其能否引发思考，挑战认知，甚至触及灵魂。它拓展了我对“美”的定义，让我开始欣赏那些不那么“讨喜”但却意义非凡的艺术。

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我不得不说，这本书的观点真的非常独特，它挑战了我一直以来对艺术的一些固有认知。我之前总是习惯性地将艺术和“才华”、“灵感”联系在一起，认为伟大的艺术作品是艺术家天赋异禀、灵光乍现的产物。然而，这本书却强调了艺术创作过程中“技艺”和“训练”的重要性，以及艺术史的传承和发展是如何影响和塑造艺术家及其作品的。它让我意识到，那些看似信手拈来的杰作，背后往往是艺术家无数次的尝试、失败、学习和打磨。书中对不同艺术流派的溯源和演变分析，也让我看到了艺术并非一蹴而就，而是经历了一个漫长而复杂的发展过程。它就像一本详实的艺术编年史，但又不仅仅是罗列事实，而是深入剖析了每个时代、每个流派的艺术特征，以及这些特征是如何由当时的社会、文化、技术等因素决定的。我特别喜欢其中关于“风格”的讨论，它让我明白，艺术家的“风格”并非凭空产生，而是其个人经历、所处环境以及对前人艺术的吸收融合的体现。读完后，我对艺术家的“天才”有了更辩证的理解，也更加尊重他们付出的艰辛努力。

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这是一本让我眼前一亮的书，虽然它叫做“艺术学原理”，但我一开始抱着的是一种探索未知的心态来翻阅的。我本身对艺术的理解可能还停留在比较表面的层面，比如欣赏一幅画的美感，感受一首音乐的旋律，但这本书却像一把钥匙，为我打开了通往更深层次理解的大门。它并没有直接灌输晦涩的理论，而是通过非常生动形象的例子，将一些抽象的概念具象化。举个例子，书中关于“形式”和“内容”的讨论，让我豁然开朗。我之前总觉得艺术品的好坏，很大程度上取决于它“画了什么”或者“唱了什么”，但这本书让我意识到，形式本身所蕴含的意义，色彩的搭配、线条的走向、节奏的变化，它们是如何独立于具体题材，直接触动我们的情感，引发我们的思考的。它让我学会了从一个全新的角度去审视那些曾经觉得“看不太懂”的作品，发现它们隐藏的深层逻辑和作者的匠心独运。读完之后，我再去参观画展，或者听一场音乐会，感觉完全不一样了，仿佛拥有了透视眼，能够更深入地理解艺术家想要传达的意图，也更能体会到艺术的魅力所在。这本书的语言也很朴实，没有那种故作高深的术语堆砌，读起来非常畅快，即使是没有艺术背景的读者，也能轻松入门，获得启发。

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这本书在分析艺术的社会功能方面，做得非常出色。我过去可能会认为艺术仅仅是为了满足个人的审美需求，或者是艺术家自我表达的一种方式。然而，这本书却阐述了艺术如何作为一种社会现象，反映、影响甚至改变着社会。它探讨了艺术与政治、经济、宗教、以及大众文化之间的复杂关系，让我看到了艺术并非孤立的存在，而是深深植根于社会土壤之中。书中关于“艺术的商品化”、“艺术的市场价值”以及“艺术的意识形态功能”的讨论，都非常具有启发性。它让我认识到，一件艺术品在被创作出来之后，其意义和社会角色还会随着时间和环境而不断演变。我开始意识到，那些我们习以为常的艺术形式，比如电影、广告、甚至我们日常生活中接触到的设计，都可能承载着深刻的社会信息和价值观。这本书让我对艺术的社会角色有了更全面、更深刻的认识，也让我更能理解艺术在社会发展中所扮演的独特而重要的角色。

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笼统的介绍

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有新意，论述也算自成体系。编写方式造成了比较明显的断裂感。

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故作高深。

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至于这本书，我已经连吐槽的心都没有了，王一川是研究文学的啊，然后他写这本书，基本全是在用古汉语的感觉，我到现在也不知道艺术兴格，艺术兴象什么的到底是什么玩意儿

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有点深奥不易懂