西方画论辑要 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:江苏美术出版社

作者:杨身源

出品人:

页数:661

译者:

出版时间:2010-1

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787534429347

丛书系列:

图书标签:

• 艺术理论
• 艺术史
• 艺术
• 画论
• 西方
• 西方艺术史
• 历史
• 论文材料
• 西方绘画
• 艺术理论
• 绘画史
• 美学
• 画论
• 经典文献
• 艺术哲学
• 视觉文化
• 艺术批评
• 西方思想

好的，这是一本关于中国古代诗歌理论与批评的著作的简介，内容详实，力求自然流畅，不涉及您提及的书籍《西方画论辑要》的任何内容。 --- 《诗境邈远：中国古典诗歌理论的生成与流变》 导言：诗歌，心灵的拓荒与文明的刻度 中国古典诗歌，作为中华文明精神图谱中最璀璨的星辰之一，其辉煌成就的背后，是一整套复杂而精微的理论体系在支撑和引导。《诗境邈远：中国古典诗歌理论的生成与流变》并非仅仅罗列历代诗论家的观点，而是一部试图穿透历史的迷雾，探究支撑起“诗言志”、“缘情”、“风骨”、“气韵”等核心概念的哲学基础、社会文化动因及其在不同历史阶段的演变轨迹的学术专著。本书将诗歌理论视为一个活态的、不断自我修正与迭代的知识体系，考察它如何回应时代的需求，如何塑造文人的审美取向，并最终如何构建起我们对“美”与“真”的认知框架。 第一部分：源起与奠基——先秦至魏晋的理论雏形 本书的起点追溯至中国诗歌理论的萌芽期。首先，我们深入剖析《周易》的“比德”之说与《尚书》中的“风”的观念，探讨早期巫史文化与政治伦理如何渗透到对诗歌功用的初步界定之中。 重点章节聚焦于孔子对《诗经》的推崇，即“不学诗，无以言”背后的社会教化功能。我们详细梳理了早期批评家如子夏、子贡对诗歌“温柔敦厚”之旨的阐发，并将其置于先秦诸子百家争鸣的大背景下进行考察。 魏晋时期，理论的重心开始从“教化”转向“个体情感”的表达。本书对“建安风骨”的兴起进行了详尽的论述，分析了曹氏父子在乱世中如何将诗歌提升到个体生命体验的层面。随后，是全书最为关键的论述之一：对“玄学”与诗歌理论结合的深度挖掘。我们着重探讨了陆机《文赋》的地位——它不仅是文学体裁的奠基之作，更是中国文学理论史上第一篇系统论述创作过程的纲领性文本。而“言不尽意”的困境，则在钟嵘《诗品》中得到了初步的解决，通过对诗人个体才性与品格的划分，确立了批评史上“品评”的初始范式。 第二部分：盛唐气象与理论的精细化 唐代，是中国古典诗歌理论的黄金时代，文学创作的空前繁荣必然催生出更具穿透力的理论反思。 本书花费大量篇幅考察“盛唐气象”背后的理论支撑。我们探讨了以王维、李白、杜甫为代表的诗人，他们如何将禅宗的空寂、道家的自然与儒家的济世情怀熔铸一炉，并在理论上形成了对“格律”的自觉运用与对“意境”的追求。 其中，对盛唐“诗病”的论辩，如对“雕琢”与“自然”的取舍，展现了理论与创作之间持续的张力。我们详细梳理了陈子昂“汉魏风骨”的重建思想，分析了其作为一种文化自觉如何影响了整个初唐的诗风转型。 进入中晚唐，理论的焦点转向了诗歌本体的语言学层面。本书重点分析了韩愈和孟郊对“以文为诗”的激进主张，以及白居易对诗歌“平易近人”的通俗化追求，这两者在理论方向上的分野，构成了对唐诗创作格局的深刻影响。 第三部分：中晚唐至宋代的批评范式转型 宋代是理论体系成熟与多元化的关键阶段。本书认为，宋代诗论的转向，核心在于对“理”的强调，这与宋代理学思想的兴盛密不可分。 我们详细考察了宋初“江西诗派”的理论实践，特别是对“以拙为巧”、“以俗为雅”的辩护，以及他们对“点铁成金”手法的追求，这标志着理论对诗歌技巧的关注已达炉火纯青的地步。 随后，本书将笔触伸向了对“意境”理论的深化与拓展。以严羽《沧浪诗话》为核心，我们论述了“妙悟”在诗歌理论中的独特地位，它超越了格律和技巧的层面，将诗歌的审美体验提升到一种近乎宗教体悟的境界。严羽的理论是对前代所有诗论的集大成与超越，将“象外之旨”的探求推向了顶峰。 此外，我们还对宋代几位关键的理论家如欧阳修、苏轼在诗歌“学力”与“性情”之间的平衡论述进行了辨析，揭示了他们如何试图调和唐代遗留的“气象”与宋代流行的“思辨”之间的鸿沟。 第四部分：明清的回归与理论的结晶 明清时期，诗歌理论呈现出两种主要倾向：一是对唐宋经典的重新诠释与回归，二是审美标准的大众化与技法化。 本书深入分析了明代公安派对“性灵”的呼唤，以及复古派对唐人典范的恪守。我们探讨了李贽“童心说”如何影响了对诗歌真诚性的判断，以及后世学者对“灵性”与“格律”之间关系的再审视。 在清代，诗学研究进入了考据与总结的高峰期。我们重点分析了沈德潜的“格调说”如何试图建立一个涵盖了音韵、词藻、意境的完备审美标准，以及其后期引发的关于“格调”是否扼杀“性情”的激烈争论。 全书最后总结道，中国古典诗歌理论是一部不断探讨“如何达致真切而优美的表达”的历史。它从政治教化出发，历经玄学洗礼，在唐代达到气象的巅峰，最终在宋明时期完成了对“意”、“境”、“理”、“性”的细致分化与综合论述。 结语：理论的生命力 《诗境邈远》旨在揭示，诗歌理论并非僵死的教条，而是历代文人面对瞬息万变的生活与情感，为保持诗歌艺术生命力而进行的永恒努力。通过梳理这些理论的生成、流变与冲突，我们不仅能更好地理解古典诗歌的创作密码，更能体悟到中国传统知识分子在面对时代变迁时，其深沉的文化担当与不懈的艺术探索精神。本书的价值，在于为读者提供一把理解中国诗学思想深厚底蕴的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本《西方画论辑要》真是一本让人脑洞大开的书！虽然它聚焦于西方绘画理论，但我读的时候，脑子里却不住地联想到中国古代的山水画和文人画。尤其是在读到关于“光影”和“色彩”的章节时，我立刻想到了《千里江山图》里那层层叠叠的青绿，以及元代画家笔下那些如梦似幻的墨色晕染。西方画论里强调的对自然物象的精细观察和科学分析，在某种程度上，与中国画“写意”背后的“不似之似”有着异曲同工之妙。书中对文艺复兴时期artists的透视法和解剖学研究的探讨，让我不禁思考，如果当时李思训这样的画家也掌握了这些“科学”的绘画工具，他的山水画又会呈现出怎样一番景象？是不是会更加宏伟壮丽，还是会失去那种飘逸出尘的仙气？这本书让我跳出了单纯的“西方”与“东方”的二元对立，开始在跨文化的语境下去理解艺术创作的共通性和独特性。它不仅仅是介绍理论，更像是在搭建一座桥梁，让不同文化背景下的艺术爱好者能够在此驻足，交流，碰撞出新的火花。读完这本书，我感觉自己对绘画的理解更立体，更丰富了。

评分☆☆☆☆☆

刚翻开《西方画论辑要》，我最先被吸引的便是其中对“笔触”的细致描绘。书中关于印象派画家如何通过短促、跳跃的笔触捕捉瞬间的光影变化，以及后印象派画家如何利用色彩和线条来表达主观情感，都让我感到十分着迷。我尤其对梵高那种充满力量和激情的笔触印象深刻，仿佛每一笔都燃烧着他的生命。然而，在阅读的过程中，我也不禁开始反思，我们的书法艺术，尤其是行草，其“笔势”和“墨韵”与西方画论中的“笔触”是否有着某种暗合之处？书法中的提按顿挫，飞白走草，何尝不是一种对“瞬间”和“力量”的表达？书中提到的“意象”与“情感”的结合，也让我想起中国画中“以形写神”的理念。西方画论在强调“形似”的同时，也越来越注重“神似”和“主观性”的表达，这与中国画的“精神性”追求似乎不谋而合。这本书让我意识到，艺术的语言是共通的，不同的文化用不同的方式去探索和表达同一个主题。它拓展了我对“画画”这件事的认知边界，让我看到了更多可能性。

评分☆☆☆☆☆

读《西方画论辑要》的过程，简直像是在进行一场关于“真实”与“表现”的哲学对话。书中关于写实主义、印象主义、表现主义等流派的论述，让我深刻体会到艺术家们对“如何呈现世界”的不同理解和选择。当我读到关于现实主义对客观世界的忠实再现时，我脑海中浮现的是北宋张择端的《清明上河图》，那种对市井生活的细致描摹，仿佛能听到车马喧嚣，闻到市井气息。而当读到印象派画家对光影的捕捉，以及后印象派画家对色彩和情感的强调时，我又想到了中国画中“墨分五色”的微妙变化，以及文人画中那种“写意”的、更加注重内在情感的表达。这本书让我明白，“真实”并非只有一种面貌，它可以是眼睛看到的，也可以是心灵感受到的。西方画论对“主观性”的强调，让我更加坚信，中国画的“写意”精神，同样是一种深刻的“真实”。这本书让我更加欣赏不同艺术形式的独特魅力。

评分☆☆☆☆☆

《西方画论辑要》这本书，让我对“观念”在绘画中的作用有了全新的认识。书中关于现代艺术中“观念先行”的讨论，以及艺术家如何通过作品来表达思想和理念，都让我耳目一新。这让我联想到中国古代绘画中的“诗画结合”，很多画家将诗词的意境融入画作，通过画面来传达更深层的思想和情感。书中对立体主义、抽象主义等流派的解读，让我看到艺术家如何突破具象的束缚，用全新的视觉语言来探索和表达。我开始思考，中国古代那些“意象”的表达，是否也暗含着类似的“观念”？比如，竹子的清高，梅花的傲骨，这些不也是一种“观念”的象征吗？这本书让我明白，艺术并不仅仅是技巧的展现，更是思想和情感的载体。它让我更加理解，为何一些看似“不写实”的画作，却能触动人心，引人深思。这本书极大地拓宽了我对艺术的理解范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本《西方画论辑要》给我的最大启发，在于它对“构图”这一概念的深入剖析。书中详细介绍了黄金分割、三分法等构图原则，以及不同时期画家在构图上的创新和突破。这让我联想到中国画中“计白当黑”的独特构图方式。西方画论中的“填满”与中国画中的“留白”，看似截然相反，但实则都服务于画面整体的和谐与意境。书中对巴洛克时期那种戏剧化、充满动感的构图方式的描述，以及古典主义时期那种严谨、均衡的构图特点，都让我对“视觉秩序”有了更深层次的理解。我开始思考，我们古代画家是如何在看似随意的笔墨中，达到如此精妙的构图平衡的？是不是他们的“留白”本身就蕴含着某种隐性的“构图力量”？这本书让我开始用一种全新的视角去审视中国画的构图，不再是简单地理解为“空白”，而是认识到它同样是一种主动的、具有力量的构成元素。这种跨文化的对比，让我的艺术感受更加丰富和立体。

评分☆☆☆☆☆

作为本科生教材，已经基本够用了。

评分☆☆☆☆☆

秀姐的老师写的。。。可以了解西方理论家和艺术家的言论

评分☆☆☆☆☆

以时间为序，搜集了大量艺术家评论家的言论

评分☆☆☆☆☆

好东西，帮了忙。

评分☆☆☆☆☆

挺好的工具书，节选都是为学院派发展这一支服务的，尤其是那些那几次争论