杉本博司向来以摄影家的身份为众人所知,举凡他的创作,如《透视画馆》《肖像》《剧场》《海景》等,无一不在挑战我们对于摄影表达的既有认知。他将时间、生命、历史这类具有纵向深度的主题,凝练成为二维的影像。在《艺术的起源》中,杉本博司详解了他“无相机摄影”新作《放电场》创作的原委和过程,以一般摄影者避之唯恐不及的静电灼烧底片,借闪电的意象连结起影像创造与地球生命的肇始。从未以影像的创作者自限的他,以光学玻璃雕塑五轮塔,探究人类宗教情感的来源,将金属块切削为数学模型,以有限的物质表现“无限”的概念,更为艺术家的想象力赋予其具象的造型。同时,杉本博司结合自己的摄影、建筑设计与收藏创作出令人眼前一亮的“杉本派”的装置艺术。当杉本博司对人类处境的思索越发明晰,我们也就看见他涉足更多人们未企及与尝试的全新领域,并以他的执著于探索精神将它们发挥得淋漓尽致,令人激赏。
《艺术的起源》便是杉本博司的自省、重新认识与超越的创作文集,他以文字梳理作品中“意象与语言的紧密交织”,将思索与创作历程全然呈现于读者面前。于是,我们有幸得见当代艺术与过往人类意识活动交织的吉光片羽,并一窥杉本博司所勾勒的人类精神史全貌。
本书收录了《放电场》、《偏光色》、《光学玻璃五轮塔》、《观念之形》等系列与多件装置艺术作品,值得提及的是,本书也体现了杉本博司对茶道的研究与兴趣,着墨较多的篇幅如与茶道相关的《三夕茶会》及向日本美学宗师千利休致敬的能剧创作《小田原》。
杉本博司
1948年 出生于东京下町的御徒町[今台东区],家中是银座经营有成的美容用品商社“银美”,父亲为业余落语家。
1970年 赴美求学,在洛杉矶艺术中心设计学院[Art Center College of Design]学习摄影。
1974年 移居纽约,先后获纽约州政府、古根海姆、美国教育协会奖学金,开始摄影创作。此后约十年间,杉本博司往来日本纽约两地,身兼古董商。此时期的经验养成他日后收藏日本古文物的爱好,也增进了他对日本古美术、建筑、文学、历史的造诣。
1977年 于日本南画廊举行首次个展。
1980年 于纽约Sonnabend画廊举办首次海外个展,并陆续在洛杉矶现代美术馆、纽约大都会博物馆、德国古根海姆美术馆、法国卡地亚基金会等地巡回展出,受到高度评价。
2001年 获颁素有“摄影诺贝尔奖”之称的哈苏基金会国际摄影奖。
2005年 在日本东京的森美术馆[Mori Art Museum]举办了极为重要与成功的大型摄影回顾展“时间的终结”[End of Time],是他一生作品最为完整的呈现,参观人次创该馆纪录。
2009年 获颁高松宫殿下纪念世界文化赏。
杉本博司的《放电场》既有闪电雷霆之势,又具植物根茎蔓延之态。《海景》:人类的自我意识来源于海洋,可以随着无限的海平面来延展自己的想象力与幻想。数字“十”就源于人的十根手指。“记忆总是随着时间懵懂前行,甚至我都怀疑记忆不过是我的大脑捏造出来的一种幻觉。”“人...
评分(刊载于2014年11月22日的《新京报·书评周刊》) 杉本博司日本的家里,挂着自己拍摄的《海景》系列的一幅作品。波澜不惊的海面,水色与天光以一条干净利落的线条交融和分割。这幅照片悬挂在他书桌的正上方,每日伏案工作都能看到。他想看看自己什么时候会感到厌倦,但这个...
评分(刊载于2014年11月22日的《新京报·书评周刊》) 杉本博司日本的家里,挂着自己拍摄的《海景》系列的一幅作品。波澜不惊的海面,水色与天光以一条干净利落的线条交融和分割。这幅照片悬挂在他书桌的正上方,每日伏案工作都能看到。他想看看自己什么时候会感到厌倦,但这个...
评分(刊载于2014年11月22日的《新京报·书评周刊》) 杉本博司日本的家里,挂着自己拍摄的《海景》系列的一幅作品。波澜不惊的海面,水色与天光以一条干净利落的线条交融和分割。这幅照片悬挂在他书桌的正上方,每日伏案工作都能看到。他想看看自己什么时候会感到厌倦,但这个...
评分(刊载于2014年11月22日的《新京报·书评周刊》) 杉本博司日本的家里,挂着自己拍摄的《海景》系列的一幅作品。波澜不惊的海面,水色与天光以一条干净利落的线条交融和分割。这幅照片悬挂在他书桌的正上方,每日伏案工作都能看到。他想看看自己什么时候会感到厌倦,但这个...
阅读体验上,这本书的文字密度极高,更像是一篇篇精心雕琢的学术论文汇编,而非轻松的普及读物。我不得不承认,某些章节的阅读速度非常缓慢,需要反复回溯才能真正消化其中深层的逻辑。作者的行文风格极其克制,几乎没有使用任何煽情的词汇或过于华丽的辞藻来描绘那些被提及的伟大作品,而是专注于构建一套严谨的理论框架。这对于那些期望获得“艺术鉴赏速成指南”的读者来说,可能会感到枯燥或晦涩。然而,对于我这种热衷于探究“为什么”而非仅仅停留在“是什么”的人来说,这种学术的严谨性恰恰是其最大的魅力所在。书中对早期人类审美偏好的探讨,特别是对“对称性偏好”和“色彩敏感度”的进化根源分析,提供了大量令人耳目一新的论据,彻底颠覆了我过去对艺术纯粹是后天习得的观念。它迫使我跳出传统美学范畴的限制,去思考我们大脑如何被塑造成一个“艺术接受器”的过程。
评分这本书的结构安排呈现出一种螺旋上升的态势,从最基础的生理反应开始,逐步过渡到社会结构对艺术形式的塑造,最终触及到哲学层面的形而上思辨。令我印象深刻的是其中关于“仪式性”与“功能性”艺术的辩证关系。作者并没有将两者截然对立,而是展示了它们是如何在不同的文化土壤中相互渗透、相互转化的。例如,对古埃及雕塑中“永恒性表达”的分析,远比教科书上关于其宗教用途的简单描述要深刻得多。书中详尽阐述了何种社会组织形态催生了对特定艺术语言的需求,以及这种语言如何反过来巩固了该社会的意识形态。这种宏大叙事与微观分析的结合,使得阅读过程充满了智力上的挑战和满足感。每读完一个章节,都感觉自己的知识版图被强行扩张了一块,对那些习以为常的艺术现象也产生了全新的审视角度。
评分这本书的封面设计初见便有一种沉静的、近乎冥想的力量。它采用了一种非常内敛的色调,深沉的墨绿与褪色的米黄交织,仿佛能从纸张的纹理中嗅到年代久远的气息。装帧手感扎实,拿在手里有一种沉甸甸的学究气,这让我对即将展开的阅读内容充满了敬意与期待。我原以为它会是一本专注于某个特定时期或流派的艺术史梳理,但翻开目录后才发现,作者的野心远不止于此。书中大量引用了人类学、考古学乃至神经科学的交叉视角来探讨“美”的本质,而非仅仅停留在对文艺复兴或印象派风格的剖析上。这种跨学科的论证方式,要求读者必须保持高度的专注力,因为它很少提供那种一目了然的结论,更像是在铺陈一张错综复杂的思想网络,引导我们去追溯艺术从原始社会中萌芽、演变直至成为现代文明核心驱动力的漫长旅程。特别是关于洞穴壁画中符号学意义的解读部分,作者的论述极为细腻,那种抽丝剥茧的分析过程,让人仿佛亲身参与了数万年前先民的祭祀仪式,感受到符号与生存本能之间那层薄而坚韧的联系。
评分这本书最让我感到震撼的地方,在于它对“创造力”这一核心概念的解构。作者并没有将创造力浪漫化地归结为某种天赋异禀,而是将其置于一个复杂的生态系统中进行考察。书中详细描绘了环境压力、技术进步与文化交流这三大要素是如何共同作用,激发并固定了某些形式的创新表达。其中关于“技术瓶颈突破点”的论述尤为精妙,它揭示了某些艺术革命的发生并非源于艺术家的灵光乍现,而是对现有工具和材料局限性的必然反抗。这种近乎机械论的分析,虽然在情感上略显冰冷,但在逻辑上却无懈可击。它成功地将艺术从神坛上请了下来,将其还原为人性在特定条件下为解决问题或寻求意义而采取的一种复杂行为模式。对于那些试图理解现代艺术为何会如此“反传统”的人来说,这本书提供了极为坚实的理论后盾。
评分我必须坦诚,这本书的学术引用和注释部分,占据了相当大的篇幅,这既是其专业性的体现,也给普通读者带来了不小的负担。我个人倾向于先跳过注释直接阅读正文,但这几次尝试都以失败告终,因为很多关键的论点和概念的引入都需要参考到那些陌生的先秦文献或冷门的考古报告。这本书的语言风格,可以说是“知者自知,不求理解”,它对读者的预设知识背景要求极高。它更像是一本面向专业研究者或高阶学生的参考手册,旨在提供一种系统性的、具有穿透力的批判视角,而非普及大众的入门读物。尽管阅读过程充满艰辛,但我能清晰地感受到,作者是在用一种近乎固执的认真态度,试图为我们描绘出人类精神活动中最古老、最本能的那条脉络。它并非一本读完就能合上的轻松读物,而更像是一本需要时常翻阅、在不同人生阶段会有不同体会的思想工具书。
评分这人怎么能被定义为“摄影师”?用他来形容摄影术发明者之一talbot的话来说就是“宏观知识分子——充满智慧的、想要了解整个世界的人”
评分将世间看不见的价值物质化,归入艺术,归入科学。(也归入生活,归入文学吧)
评分日本臭屁艺术家,恋物癖格调暴露狂,认识些天体物理和生命起源的玄学,肚子里装了些艺术辞曲的老皇历,最后的对谈则满是虚伪的客气和自大的放屁,放屁,放屁...
评分这本书写的真的非常好 涉及很多日本历史文化和艺术 看的特别有趣 而且语言写的真美 让人对这个民族有了更多的好感 真想亲眼见见那些美丽的事和物
评分并不是否定太多艺术家从不解释自己的作品,但杉本博司关于每件艺术品完成动机的精准表达实在是令人敬佩不已。如此广泛的阅读和深入的思考真是十分十分的难得。五星没话说!★ω★
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